38.000 a.C.–1995
Línea del tiempo de la historia del arte
58 sucesos · 8 de la historia universal, 6 de España, 5 de Francia, 4 de Inglaterra, 1 de Estados Unidos, con su ficha completa allí
Sucesos de Historia del arte, en orden
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El hombre león, la primera figura imaginada
Un tallista del Paleolítico unió un cuerpo humano a una cabeza de león en marfil: la prueba más antigua de que se podían imaginar seres que no existen. Arte y culturaEn 1939, un equipo dirigido por Robert Wetzel encontró en la cueva de Hohlenstein-Stadel, en el sur de Alemania, cientos de fragmentos de marfil de mamut. Empezaba la Segunda Guerra Mundial y nadie los estudió: quedaron guardados y olvidados durante treinta años. No fue hasta 1969 cuando alguien empezó a encajar las piezas y se dio cuenta de que formaban una figura de más de treinta centímetros, con cuerpo de hombre y cabeza de felino.
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- Material
- Marfil de mamut
- Altura
- 31,1 centímetros
- Antigüedad
- Entre 35.000 y 41.000 años
- Se conserva en
- Museo de Ulm, Alemania
- Ojo
- Los fragmentos pasaron 30 años sin estudiarse
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
El hombre león de Hohlenstein-Stadel, talladо en marfil de mamut.Dagmar Hollmann · CC BY-SA 4.0 Lugar: Hohlenstein-Stadel, Alemania · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Hombre león (Wikipedia) · UNESCO — Lista del Patrimonio Mundial
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El arte rupestre de Chauvet
En una cueva del sur de Francia alguien pintó leones, rinocerontes y caballos hace 36.000 años con una maestría que desmonta la idea de un arte primitivo. Arte y culturaEn 1994, tres espeleólogos encontraron en la garganta del Ardèche una cueva sellada por un desprendimiento desde hacía milenios. Dentro había más de mil imágenes: manadas de caballos, leones al acecho, rinocerontes lanudos, mamuts. La datación por carbono 14 de los pigmentos dio una cifra que costó aceptar, en torno a los 36.000 años, lo que las convierte en algunas de las pinturas más antiguas que se conocen.
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- Antigüedad
- Unos 36.000 años
- Descubrimiento
- 18 de diciembre de 1994
- Contenido
- Más de 1.000 imágenes, 14 especies animales
- Protección
- Patrimonio de la Humanidad desde 2014
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Rinoceronte de gran cuerno, uno de los animales pintados en la cueva de Chauvet.Inocybe at French Wikipedia · Dominio público Lugar: Cueva de Chauvet, Ardèche (Francia) · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: UNESCO — Cueva Chauvet-Pont d'Arc, Patrimonio Mundial · Ministerio de Cultura de Francia — La grotte Chauvet
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La Venus de Willendorf
Una de las esculturas humanas más antiguas que se conservan no tiene rostro ni pies, y nadie sabe con certeza para qué servía ni qué representaba. Arte y cultura- Antigüedad
- Unos 25.000 años (fecha discutida)
- Material
- Caliza oolítica con ocre rojo
- Tamaño
- 11 cm, cabe en una mano
- Hallazgo
- 1908, cerca de Willendorf, Austria
- Ojo
- El nombre «Venus» es del siglo XIX; se desconoce su función real
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
La Venus de Willendorf, de once centímetros, en el museo de Viena.User:MatthiasKabel · CC BY 2.5 Qué pasó
En 1908 unos obreros que abrían una vía de tren cerca de Willendorf, en Austria, encontraron una figurita de apenas 11 centímetros, tallada en caliza oolítica y coloreada con ocre rojo. No tiene rasgos en la cara: la cabeza está cubierta por algo parecido a una trenza o un tocado tejido. Los brazos son dos líneas finas sobre un pecho, un vientre y unas caderas exageradas hasta el límite, y no tiene pies: no se sostiene de pie por sí sola.
La piedra no es del lugar donde apareció, así que alguien la trajo —o la trajo ya tallada— desde bastante lejos. Se calcula que tiene unos 30.000 años, la cifra que dieron las capas excavadas en 1990 junto al punto del hallazgo, pero al ser una pieza recogida sin contexto estratigráfico propio la datación exacta se discute.
Por qué importa
Se la llama «Venus» siguiendo la costumbre del siglo XIX de bautizar así a las estatuillas paleolíticas, pero el nombre engaña: no hay ningún indicio seguro de que representara belleza o fertilidad, y los arqueólogos de la época le pusieron el nombre de una diosa romana a un objeto de treinta milenios antes de Roma. Es una de las figuras humanas más antiguas que se conocen, hecha muchísimo antes de la agricultura, la escritura o las primeras ciudades.
Sobre para qué servía hay varias hipótesis y ninguna es la definitiva: símbolo de fertilidad, imagen religiosa, o —la teoría más discutida— el autorretrato de una mujer embarazada que se mira el propio cuerpo desde arriba, lo que explicaría por qué el pecho y el vientre se ven enormes mientras la cara casi no existe. No hay texto ni contexto que permita elegir entre ellas con seguridad.
Lugar: Willendorf, Austria · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Venus de Willendorf (Wikipedia) · Naturhistorisches Museum Wien
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Las pinturas de Lascaux
Cuatro adolescentes encuentran en 1940 una cueva de la Dordoña con cerca de dos mil figuras: la más famosa del arte paleolítico, que no la más antigua. Arte y culturaEl 12 de septiembre de 1940, cerca de Montignac, en el valle del Vézère, cuatro adolescentes —Marcel Ravidat, Jacques Marsal, Georges Agniel y Simon Coencas— se descolgaron por un agujero que días antes había husmeado el perro de uno de ellos y salieron a una sala cubierta de animales pintados. Los inventarios actuales cuentan cerca de dos mil figuras, unas seiscientas pintadas y el resto grabadas: caballos sobre todo, uros, ciervos, bisontes, íbices y una colección de signos geométricos que nadie ha sabido leer. Los grandes toros negros de la Sala de los Toros, alguno de unos cinco metros, son la imagen que casi todo el mundo tiene en la cabeza al oír «prehistoria». Seres humanos apenas hay uno, esquemático y con cabeza de pájaro, caído ante un bisonte herido en el fondo de un pozo.
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- Descubrimiento
- 12 de septiembre de 1940, Montignac (Dordoña)
- Qué hay dentro
- Cerca de 2.000 figuras, unas 600 de ellas pintadas
- Edad
- Hace unos 21.000 años, según la datación de 2019
- Ojo
- No es la más antigua: Chauvet es unos 15.000 años anterior
- Cerrada al público
- En 1963; se visitan Lascaux II (1983) y Lascaux IV (2016)
- Patrimonio Mundial
- Desde 1979, con el resto del valle del Vézère
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Lugar: Montignac, Dordoña · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Ministerio de Cultura de Francia — Dating the figures at Lascaux · Sylvain Ducasse y Mathieu Langlais, «Twenty years on, a new date with Lascaux» (2019), archivo abierto HAL · UNESCO — Sitios prehistóricos y cuevas decoradas del valle del Vézère · Cueva de Lascaux (Wikipedia)
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Altamira, donde el arte empezó a mirar
Una niña de ocho años levanta la vista en una cueva cántabra y descubre un techo de bisontes que los expertos tardarán más de veinte años en aceptar como auténtico. Arte y culturaEn 1879 el terrateniente aficionado a la arqueología Marcelino Sanz de Sautuola excavaba el suelo de la cueva de Altamira buscando huesos y herramientas cuando su hija María, de ocho años, alzó la vista y vio el techo cubierto de bisontes, ciervos y caballos pintados en rojo, negro y ocre. Sautuola publicó el hallazgo convencido de que era obra del Paleolítico, pero la comunidad científica europea, reunida un año después en un congreso en Lisboa, lo acusó de fraude: nadie creía que un pueblo tan antiguo pudiera pintar con esa calidad.
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- Antigüedad
- Entre 36.000 y 14.000 años, según la zona
- Descubridora
- María Sautuola, 8 años, en 1879
- Reconocimiento
- Aceptada como auténtica en 1902
- Declaración
- Patrimonio Mundial de la Unesco, 1985
- Ojo
- Se la acusó de falsificación durante más de veinte años
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
El techo de bisontes de Altamira, en la réplica del Museo Arqueológico Nacional.José-Manuel Benito · Dominio público Lugar: Santillana del Mar, Cantabria · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Cueva de Altamira (Wikipedia) · Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira
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La cerámica Jōmon, hecha por cazadores que no cultivaban
Cazadores y pescadores de Japón moldeaban vasijas de barro miles de años antes de cultivar la tierra, cuando se creía que eso era imposible. Arte y cultura- Antigüedad
- Desde unos 14.500 a.C.
- Región
- Archipiélago japonés
- Creadores
- Cazadores-recolectores, no agricultores
- Nombre
- Jōmon, «marca de cuerda»
- Ojo
- Cuevas chinas disputan el título de más antigua
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Figura de barro del Jōmon final, con los ojos en forma de gafas de nieve.Rc 13 · CC BY-SA 4.0 Qué pasó
Hace más de dieciséis mil años, grupos de cazadores, pescadores y recolectores que vivían en el archipiélago japonés empezaron a cocer barro para fabricar vasijas. No cultivaban la tierra ni vivían en pueblos permanentes como los primeros agricultores de Oriente Próximo, y aun así dominaban una tecnología que exige controlar el fuego a temperaturas altas y conocer bien el comportamiento de la arcilla húmeda.
El nombre Jōmon significa «marca de cuerda» y viene de la decoración que se hacía presionando cordeles sobre el barro antes de cocerlo, aunque las piezas más antiguas que se conocen no llevan ese dibujo: la técnica de la cuerda se popularizó miles de años después, ya bien avanzado el período. El término lo acuñó en 1877 el naturalista estadounidense Edward Morse, tras excavar un antiguo vertedero de conchas cerca de Tokio y encontrar allí los primeros fragmentos que describió con ese nombre.
Por qué importa
Durante mucho tiempo se dio por hecho que la cerámica nacía junto con la agricultura, porque solo hace falta almacenar grano si uno deja de moverse detrás de la caza. La cerámica Jōmon desmiente esa idea: aparece entre gente que seguía cazando y pescando, y los restos de comida quemada en su interior indican que la usaban sobre todo para cocinar pescado y plantas silvestres hirviéndolos directamente sobre el fuego.
Eso obliga a separar dos historias que se solían contar como una sola: la de aprender a moldear y cocer arcilla, y la de asentarse a cultivar la tierra. Los habitantes del archipiélago japonés no cultivaron arroz de forma extendida hasta bien entrado el primer milenio antes de Cristo, así que combinaron durante miles de años una tecnología avanzada, la cerámica, con una forma de vida que en otras regiones del mundo se consideraba más primitiva.
Lugar: Archipiélago japonés · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Período Jōmon (Wikipedia) · The Metropolitan Museum of Art
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Los alineamientos de Carnac
Unos tres mil menhires plantados en hileras sobre cuatro kilómetros de Bretaña, más de mil años antes que Stonehenge y sin que nadie sepa para qué. Arte y culturaEntre el 4800 y el 3500 a.C., las comunidades neolíticas del sur de Bretaña levantaron en los alrededores de Carnac, en el Morbihan, unos tres mil menhires de granito y los plantaron en hileras paralelas que recorren cerca de cuatro kilómetros. Los tres grupos principales —Ménec, Kermario y Kerlescan— ordenan las piedras casi siempre de mayor a menor, con ejemplares que van desde poco más de medio metro hasta los cuatro, y algunos tramos terminan en recintos de planta ovalada. Las hileras no están solas: el mismo paisaje contiene túmulos como el de Saint-Michel, decenas de dólmenes y, a pocos kilómetros, en Locmariaquer, el Gran Menhir Roto, que medía más de veinte metros y pesaba unas trescientas toneladas antes de venirse abajo.
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- Cuándo
- Entre el 4800 y el 3500 a.C.
- Cuántas piedras
- Unos 3.000 menhires a lo largo de casi 4 km
- Grupos principales
- Ménec, Kermario y Kerlescan
- Para qué servían
- No se sabe: se proponen usos funerarios, rituales y astronómicos
- Patrimonio Mundial
- Inscrito el 12 de julio de 2025
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Lugar: Carnac, Morbihan (Bretaña) · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Centre des monuments nationaux — Histoire des alignements de Carnac · Centre des monuments nationaux — The megaliths of Carnac and the banks of the Morbihan listed as Unesco World Heritage Sites · UNESCO — Megaliths of Carnac and of the shores of Morbihan · Alineamientos de Carnac (Wikipedia)
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El estandarte de Ur
Una caja sumeria con incrustaciones de lapislázuli narra una guerra y un banquete en bandas horizontales, aunque probablemente no fue nunca un estandarte. Arte y cultura- Antigüedad
- Hacia 2600 a.C.
- Material
- Concha, lapislázuli y caliza roja
- Tamaño
- Unos 22 x 50 cm
- Dónde
- Museo Británico, Londres
- Ojo
- No era un estandarte; su función real se discute
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Denis Bourez - British Museum, London (8747049029) (2)Denis Bourez from France · CC BY 2.0 Qué pasó
El arqueólogo británico Leonard Woolley lo encontró en 1927 en las tumbas reales de Ur, en el actual Irak, aplastado en decenas de fragmentos entre los objetos enterrados junto a un noble sumerio. Su equipo lo reconstruyó como una caja de madera con los lados en pendiente, cubierta de incrustaciones de concha, caliza roja y lapislázuli pegadas con betún, formando dos escenas principales de unos 22 por 50 centímetros.
Cada cara se organiza en tres bandas horizontales que se leen de abajo arriba: en una, carros de guerra aplastan enemigos y los prisioneros desfilan desnudos ante un gobernante; en la otra, se transportan ovejas y sacos de grano hacia un banquete con música de arpa. Por eso se las conoce como el panel de la Guerra y el de la Paz.
Por qué importa
Pese al nombre, casi nadie cree ya que fuera un estandarte de guerra: Woolley imaginó que se llevaba en lo alto de un asta, pero las escenas están pensadas para mirarse de cerca, no desde lejos. Hoy se baraja que fuera la caja de resonancia de un instrumento, quizá un arpa, o la tapa de un cofre. Qué era exactamente sigue sin resolverse casi cien años después de su hallazgo.
Lo que sí es seguro es su valor como una de las primeras narraciones organizadas en viñetas que se conservan: contar una historia en bandas sucesivas, de abajo arriba, es un recurso que luego repitieron relieves asirios, egipcios y romanos durante miles de años. El lapislázuli, además, no existe en Mesopotamia: llegó desde minas de Afganistán, a más de dos mil kilómetros.
Lugar: Ur, Irak · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Estandarte de Ur (Wikipedia) · The British Museum — Colección
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El busto de Nefertiti
Bajo la cara perfecta de yeso hay un rostro más real tallado en piedra: así se fabricaba la imagen ideal de una reina egipcia. Arte y culturaEl 6 de diciembre de 1912, el arqueólogo alemán Ludwig Borchardt encontró el busto en el taller del escultor Tutmosis, en la ciudad egipcia de Amarna, junto a otras cabezas y modelos de trabajo sin terminar. Está hecho de piedra caliza tallada y recubierta con una capa de estuco de espesor variable, con la que se dio forma definitiva a los rasgos. Mide 48 centímetros de alto y pesa unos 20 kilos.
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- Material
- Caliza tallada y estuco
- Altura
- 48 centímetros
- Hallazgo
- Amarna, Egipto, 1912
- Se conserva en
- Museo Nuevo, Berlín
- Ojo
- El ojo izquierdo nunca tuvo iris de cuarzo
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
El busto de Nefertiti, en el Neues Museum de Berlín.Philip Pikart · CC BY-SA 3.0 Lugar: Amarna, Egipto · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Busto de Nefertiti (Wikipedia) · Neues Museum, Berlín — Colección egipcia
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El Partenón y el canon clásico
El templo más copiado de la arquitectura clásica casi no tiene líneas rectas: se curvan un poco para que el ojo las vea perfectamente rectas. Arte y culturaAtenas construyó el Partenón entre el 447 y el 432 antes de Cristo, dentro del programa de obras que impulsó Pericles tras la destrucción del templo anterior en las guerras médicas. Lo diseñaron los arquitectos Ictino y Calícrates, y la dirección artística general del conjunto suele atribuirse al escultor Fidias, responsable también de la gran estatua de Atenea que albergaba el templo en su interior.
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- Construcción
- 447-432 a.C.
- Arquitectos
- Ictino y Calícrates
- Material
- Mármol del monte Pentélico
- Recurso clave
- Éntasis y curvas ópticas
- Ojo
- Gran parte de sus esculturas está en Londres
El Partenón en la Acrópolis de Atenas.Steve Swayne · CC BY 2.0 Lugar: Atenas, Grecia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Partenón (Wikipedia) · UNESCO — Lista del Patrimonio Mundial
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La Dama de Elche y el arte ibero
Un jornalero encuentra por accidente en un campo de Elche un busto ibérico que acabaría vendido a Francia y devuelto medio siglo después. Arte y culturaEl 4 de agosto de 1897, un jornalero llamado Manuel Campello golpeó con el azadón una piedra mientras trabajaba en La Alcudia, cerca de Elche, y descubrió un busto de piedra caliza con un tocado elaborado. El arqueólogo francés Pierre Paris lo compró enseguida por 4000 francos y se lo llevó al Museo del Louvre, donde estuvo expuesto más de cuatro décadas.
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- Hallazgo
- 4 de agosto de 1897, La Alcudia (Elche)
- Venta al Louvre
- 4000 francos, comprada por Pierre Paris
- Regreso a España
- 1941, tras acuerdo con el régimen de Vichy
- Dónde se ve hoy
- Museo Arqueológico Nacional, Madrid
- Ojo
- El hueco de la espalda contenía restos de hueso quemado: probablemente sirvió de urna funeraria
Fecha discutida entre historiadores.
Called Lady of ElxOwn work . Photograph: Francisco J. Díez Martín, 11 December 2004. · CC BY-SA 2.5 Lugar: La Alcudia, Elche · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Dama de Elche (Wikipedia) · Museo Arqueológico Nacional
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El ejército de terracota
Miles de soldados de arcilla enterrados junto a un emperador chino parecen tallados uno a uno, pero se montaron combinando un puñado de moldes. Arte y culturaEn 1974 unos agricultores que cavaban un pozo cerca de Xi'an, en China, se toparon con fragmentos de arcilla que resultaron ser parte del ejército enterrado junto al primer emperador de la China unificada, Qin Shi Huang. Los cálculos de 2007 hablan de más de 8.000 soldados, 130 carros con 520 caballos y decenas de funcionarios, músicos y acróbatas, y buena parte del recinto sigue sin excavar.
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- Antigüedad
- Hacia 210 a.C.
- Cantidad
- Más de 8.000 soldados y 520 caballos
- Hallazgo
- 1974, agricultores cerca de Xi'an
- Técnica
- Piezas moldeadas, personalizadas a mano
- Ojo
- Iban pintados de colores vivos que se perdieron al excavarlos
La fosa 1 del ejército de terracota, en Xi'an.Jmhullot · CC BY 3.0 Lugar: Xi'an, China · Ver en OpenStreetMap
Quién está detrás
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Fuentes: Guerreros de terracota (Wikipedia) · UNESCO — Lista del Patrimonio Mundial
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El Laocoonte y el dolor esculpido
Un grupo escultórico de dolor extremo, hallado en una viña romana, tardó cuatro siglos en recuperar el brazo que le faltaba tal y como predijo Miguel Ángel. Arte y cultura- Hallazgo
- 1506, en una viña de Roma
- Datación
- Discutida, entre el siglo II a.C. y el I d.C.
- Autoría
- Atribuida por Plinio a tres escultores de Rodas
- Dónde
- Museos Vaticanos, Roma
- Ojo
- El brazo que se ve hoy es el original, hallado en 1906 y no colocado hasta 1957-1960
Fecha discutida entre historiadores.
El grupo del Laocoonte, en los Museos Vaticanos.Wilfredor · CC0 Qué pasó
En 1506 apareció en una viña de Roma un grupo escultórico que muestra al sacerdote troyano Laocoonte y a sus dos hijos atacados por serpientes marinas, castigo por haber advertido a su ciudad sobre el caballo de madera de los griegos. El papa Julio II envió a examinarlo a Miguel Ángel y lo compró de inmediato para el Vaticano. Le faltaba el brazo derecho de Laocoonte, y nadie sabía cómo había sido.
El historiador romano Plinio el Viejo atribuyó la obra a tres escultores de Rodas, Agesandro, Atenodoro y Polidoro, pero la atribución no es indiscutida ni tampoco lo es la fecha: unos la sitúan como un original griego del siglo II a.C. y otros como una copia o adaptación romana de un siglo o dos después.
Por qué importa
Lo que distingue al Laocoonte de la escultura clásica más serena es la agonía llevada al extremo: músculos en tensión, torsos retorcidos, un rostro que grita en silencio. Renacentistas y luego artistas barrocos como Bernini lo estudiaron como modelo de cómo esculpir el sufrimiento físico, y el filósofo Winckelmann y el crítico Lessing lo convirtieron en el centro de un debate sobre hasta dónde puede llegar el arte al representar el dolor.
Esa discusión sobre los límites de mostrar la agonía sin caer en lo grotesco sigue citándose hoy en los libros de teoría del arte, casi tres siglos después de que se planteara por primera vez. Winckelmann creía ver en el rostro de Laocoonte una serenidad contenida pese al dolor, mientras que Lessing replicó que la escultura, a diferencia de la poesía, no podía permitirse mostrar un grito completo sin volverse fea; el debate sigue siendo territorio obligado para quien estudia cómo representar el sufrimiento en imágenes.
Qué vino después
Durante el Renacimiento se le puso un brazo derecho extendido hacia arriba, en gesto heroico, porque era lo que se esperaba de una figura así. Miguel Ángel opinó que el brazo original iba doblado hacia atrás, sobre el hombro, pero casi nadie le hizo caso. En 1906 el arqueólogo Ludwig Pollak encontró un brazo antiguo suelto en un taller de Roma y notó que encajaba con ese estilo.
El fragmento de Pollak no se colocó en la escultura hasta la restauración de 1957 a 1960, dirigida por el restaurador Filippo Magi, que retiró el brazo extendido añadido siglos atrás y confirmó que Miguel Ángel había acertado cuatrocientos cincuenta años antes: el brazo original iba doblado hacia atrás, no levantado en gesto heroico. Pollak, que había regalado el hallazgo al Vaticano, no llegó a verlo colocado en su sitio: murió en el campo de exterminio de Auschwitz en 1943.
Lugar: Roma, Italia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Laocoonte y sus hijos (Wikipedia) · Museos Vaticanos
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Los retratos de El Fayum
En el Egipto bajo dominio romano se pintaba la cara real de gente corriente para su momia, y esos retratos son casi la única pintura antigua que queda. Arte y cultura- Cronología
- Siglos I a III
- Técnica
- Encausto sobre madera
- Función
- Cubrir el rostro de la momia
- Procedencia
- El Fayum y otros puntos de Egipto
- Ojo
- Retratan a gente corriente, no a faraones
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Retratos funerarios de El Fayum, pintados sobre las momias del Egipto romano.Unknown author Unknown author · Dominio público Qué pasó
Entre los siglos uno y tres, en la región egipcia de El Fayum y otros puntos del valle del Nilo bajo dominio romano, se puso de moda pintar el rostro del difunto sobre una tabla de madera fina y colocarla sobre la cara de la momia, sujeta con las propias vendas funerarias. Se usaba sobre todo la técnica del encausto, con pigmentos mezclados en cera caliente, lo que da a estas caras un color y una textura todavía muy vivos hoy.
No eran encargos de faraones ni de sacerdotes, sino de familias con recursos medios de una provincia romana: comerciantes, funcionarios, gente con nombre propio pero sin ningún cargo destacado en los libros de historia. Los peinados y las joyas que llevan puestos siguen la moda de la corte imperial romana en cada época, lo que permite a los historiadores fechar muchos retratos por comparación con los bustos y las monedas oficiales de Roma, incluso sin más datos escritos.
Por qué importa
Casi toda la pintura de la antigüedad grecorromana se ha perdido, porque se hacía sobre madera o yeso que no ha aguantado los siglos; estos retratos sobrevivieron por accidente, gracias al clima seco de Egipto y a que quedaron sellados junto a un cadáver. Son, en la práctica, la muestra más numerosa que se conserva de cómo se pintaba un rostro real en el mundo antiguo.
Y son rostros individuales, no tipos idealizados: cada uno tiene su propia mirada, sus propias arrugas o asimetrías, tratados con luces y sombras que dan volumen a la cara. Esa mezcla de tradición funeraria egipcia y técnica de retrato ilusionista grecorromana no vuelve a repetirse igual en ningún otro punto del Mediterráneo antiguo, un cruce cultural que solo pudo darse en un territorio donde convivían de forma tan estrecha las tres tradiciones.
Lugar: El Fayum, Egipto · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Retratos de El Fayum (Wikipedia) · The Metropolitan Museum of Art
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Se termina Santa Sofía
Bizancio levanta en cinco años una cúpula de 31 metros que no tendrá rival durante casi un milenio. Arte y culturaJustiniano encargó la obra a un matemático y a un físico, no a arquitectos, y se terminó en cinco años y diez meses. La cúpula, de 31 metros de diámetro, se apoya en pechinas que reparten el peso hacia cuatro pilares, y está perforada por cuarenta ventanas en la base: desde dentro parece flotar.
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- Terminada
- 537, en 5 años y 10 meses
- Cúpula
- 31 metros de diámetro
- Quién la diseñó
- Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto
- Récord
- Mayor catedral del mundo durante casi mil años
Santa Sofía de Estambul, con los minaretes añadidos después de 1453.Arild Vågen · CC BY-SA 3.0 Lugar: Constantinopla (Estambul) · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: UNESCO — Zonas históricas de Estambul · Metropolitan Museum of Art — Byzantine Art
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Los mosaicos de Rávena
Un emperador que nunca pisó la ciudad aparece dorado e inmóvil en un mosaico que inventa cómo el poder bizantino se convierte en imagen. Arte y cultura- Fecha
- Consagrados en 547
- Dónde
- Basílica de San Vital, Rávena
- Material
- Teselas de vidrio y oro
- Ojo
- Justiniano nunca estuvo en Rávena; el mosaico es propaganda de poder
Los mosaicos del ábside de San Vital de Rávena.Commonists · CC BY-SA 4.0 Qué pasó
La basílica de San Vital, en Rávena, se consagró en 547 con dos mosaicos enfrentados en el ábside: en uno, el emperador Justiniano avanza rodeado de soldados y clérigos; en el otro, la emperatriz Teodora hace lo mismo con su séquito, ambos con ofrendas en las manos. Están hechos con diminutas teselas de vidrio, muchas con una lámina de oro dentro, que hacen brillar el fondo.
Las figuras se ven de frente, planas, alargadas y sin sombra ni volumen, con los ojos muy abiertos clavados en quien mira. Los artesanos colocaban las teselas doradas ligeramente inclinadas y a distinta altura, para que la luz de las velas las hiciera parpadear en vez de reflejar un brillo uniforme. Es un giro claro respecto a la escultura y la pintura clásicas, que durante siglos habían buscado imitar cuerpos reales, con anatomía, peso y profundidad, y no un icono fijo.
Por qué importa
Justiniano gobernaba desde Constantinopla y nunca estuvo en Rávena, que su general Belisario acababa de reconquistar para el imperio; el mosaico no es un retrato tomado del natural, sino una declaración de autoridad sobre una ciudad recién sometida. La solemnidad frontal de estas figuras, pensada para transmitir poder antes que parecido físico, se convirtió en el modelo del arte imperial y religioso bizantino durante siglos.
Esa manera de representar —jerárquica, dorada, sin movimiento, con la figura de más rango siempre más grande o más centrada— pasó también al arte cristiano medieval de Europa occidental, que miró estos mosaicos como referencia durante siglos, mucho después de que el imperio bizantino perdiera el control de Italia. Se reconoce el mismo esquema, por ejemplo, en los ábsides románicos españoles pintados con un Cristo en majestad rodeado de figuras dispuestas por importancia y no por perspectiva real.
Lugar: Basílica de San Vital, Rávena · Ver en OpenStreetMap
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Relacionado
Fuentes: Iglesia de San Vital (Ravena) (Wikipedia) · UNESCO — Lista del Patrimonio Mundial
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Un rey anglosajón es enterrado en su barco en Sutton Hoo
Hacia el 625, en Suffolk, un gran señor de Estanglia es enterrado bajo un túmulo dentro de un barco de 27 metros cargado de oro, armas y plata de Bizancio. Arte y culturaEn un altozano sobre el río Deben, junto a la actual Woodbridge, se arrastró tierra adentro un barco de remos de unos 27 metros de eslora y 4,5 de manga, con nueve tracas por banda, se construyó en su centro una cámara de madera, se llenó de objetos y se cubrió todo con un gran túmulo, el que hoy se llama túmulo 1. La madera se ha podrido por completo, pero la forma del casco quedó dibujada en la arena, con los remaches de hierro en su sitio. Dentro había un yelmo con máscara, tan corroído y roto en más de cien fragmentos cuando se hundió la cámara que hubo que rehacerlo pieza a pieza, una gran hebilla de oro, hombreras de oro y granates, armas, cuencos de plata llegados del Mediterráneo oriental y un puñado de monedas de oro acuñadas en la Francia merovingia: son esas monedas las que sitúan el entierro hacia el año 625.
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- Fecha
- hacia el 625, por las monedas merovingias
- Barco
- unos 27 m de eslora; solo quedaron la huella y los remaches
- Excavación
- 1939, por Basil Brown y después Charles Phillips
- Dónde está
- en el British Museum, donado por Edith Pretty
- Ojo
- que sea Redwaldo es la hipótesis favorita, no un hecho
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Lugar: Sutton Hoo, junto a Woodbridge (Suffolk), Inglaterra · Ver en OpenStreetMap
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Relacionado
Fuentes: National Trust, «History of Sutton Hoo» (el yelmo, la datación por las monedas, Redwaldo y los fosfatos) · National Trust, «Digging the dirt at Sutton Hoo: the true story behind The Dig» (Pretty, Brown, Phillips y el tribunal de 1939) · Burger, Stacey, Bowden, Hacke y Parnell, «Identification, geochemical characterisation and significance of bitumen among the grave goods of the 7th century Mound 1 ship-burial at Sutton Hoo», PLoS One (2016) · Sutton Hoo (Wikipedia en español)
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La Cúpula de la Roca y el arte sin figuras
Un santuario de Jerusalén cubre sus muros de vegetación y caligrafía coránica, sin una sola figura humana, y fija cómo sería el arte religioso islámico. Arte y culturaEl califa omeya Abd al-Malik levantó este santuario sobre la roca de Jerusalén, sagrada para judíos, cristianos y musulmanes. Una inscripción en escritura cúfica de 240 metros de largo, que recorre el interior del octógono, sitúa su terminación hacia el año 691 o 692. El nombre del propio califa lo borró algo más de un siglo después el abasí al-Mamún, que puso el suyo pero se olvidó de cambiar la fecha, y por eso todavía puede leerse la original.
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- Fecha
- Terminada hacia 691-692
- Dónde
- Explanada de las Mezquitas, Jerusalén
- Decoración
- Vegetal y caligráfica, sin figuras
- Ojo
- No es una mezquita; es un santuario sobre la roca
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Fuentes: Cúpula de la Roca (Wikipedia) · UNESCO — Lista del Patrimonio Mundial
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Se levanta la mezquita de Córdoba
El primer emir independiente de Córdoba levanta un templo con columnas reutilizadas de edificios romanos y visigodos para dar a su nuevo poder una capital a la altura de Damasco. Arte y culturaEn el año 785 el emir Abderramán I, único superviviente de la familia omeya que había gobernado Damasco y había huido tras la matanza de los suyos a manos de los abasíes, ordena construir en Córdoba una gran mezquita sobre un solar que, según las crónicas árabes, ocupaba una iglesia visigoda compartida por cristianos y musulmanes, un relato que la arqueología no ha podido confirmar. La obra se levanta muy deprisa, en poco más de un año, gracias a que reutiliza columnas y capiteles de construcciones romanas y visigodas anteriores.
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- Fecha
- 785-786, bajo Abderramán I
- Estilo
- Arcos de herradura a dos alturas
- Columnas
- Más de 800, muchas reaprovechadas
- Uso actual
- Catedral desde 1236
- Ojo
- Antes fue templo compartido por cristianos y musulmanes
Mezquita de Córdoba desde el aire (Córdoba, España)Toni Castillo Quero · CC BY-SA 2.0 Lugar: Córdoba · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Mezquita-catedral de Córdoba (Wikipedia) · Mezquita-Catedral de Córdoba
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El Libro de Kells
Un manuscrito de 340 hojas con dibujos tan minuciosos que hace falta una lupa para verlos, pensado para venerarse, no solo para leerse. Arte y cultura- Fecha aproximada
- Hacia el año 800
- Soporte
- 340 folios de vitela
- Origen
- Debatido; probablemente Iona
- Se conserva en
- Trinity College, Dublín
- Ojo
- No se sabe con certeza dónde se elaboró
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
La página del incipit de Juan, en el Libro de Kells.Unknown author Unknown author · Dominio público Qué pasó
Hacia el año 800, monjes de la orden fundada por san Columba copiaron los cuatro evangelios en latín sobre 340 folios de vitela, decorados con un lujo de color y detalle que no tiene parangón en otros manuscritos insulares de la época. No se sabe con certeza dónde se hizo: la hipótesis con más apoyo señala el monasterio de Iona, en Escocia, aunque también se ha propuesto Northumbria o la región picta, y pudo empezarse en un sitio y terminarse en otro tras un traslado por miedo a los ataques vikingos.
El resultado se conserva hoy en la biblioteca del Trinity College de Dublín, donde puede verse expuesto de forma permanente para el público. En 1953 se volvió a encuadernar en cuatro volúmenes independientes, porque un intento anterior en el siglo diecinueve había recortado demasiado los márgenes y estropeado parte de la decoración. Al manuscrito, además, le faltan folios finales: el texto se interrumpe de golpe a mitad del Evangelio de Juan, sin que se sepa qué pasó con las páginas que faltan.
Por qué importa
Algunas páginas dedican tanto trabajo al adorno que el texto casi desaparece bajo espirales, nudos y animales entrelazados: hay letras que ocupan una página entera y motivos tan pequeños que solo se aprecian con lupa. La decoración deja de ser un simple complemento del texto sagrado y se convierte en un objeto de meditación por derecho propio.
Ese nivel de ambición marca el punto más alto del llamado arte insular, la tradición que mezcló motivos celtas, germánicos y mediterráneos en las islas británicas antes del año mil, y que influyó en la iluminación de manuscritos en toda Europa durante generaciones. La página del Chi Rho, que abre el relato de la Natividad en Mateo, dedica una hoja entera a solo tres letras griegas convertidas en un laberinto de espirales, y es el ejemplo más citado de hasta dónde podía llegar esa voluntad decorativa.
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Fuentes: Libro de Kells (Wikipedia) · Trinity College Dublin — Biblioteca
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Medina Azahara, la ciudad que duró setenta años
Abderramán III levanta junto a Córdoba una ciudad palaciega de lujo deslumbrante que apenas sobrevive setenta años. Arte y culturaEl califa Abderramán III empezó a construir en el año 936, a las afueras de Córdoba, una ciudad nueva pensada para alojar la corte, la administración y sus propios palacios, con jardines, salones y una mezquita propia. Las obras siguieron durante el reinado de su hijo Alhaquén II, con materiales de lujo traídos de distintos puntos del Mediterráneo. La ciudad llegó a sustituir a la propia Córdoba como centro real del califato.
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- Promotor
- el califa Abderramán III
- Inicio de obras
- 936
- Destrucción
- 1010, en la guerra civil
- Duración
- unos setenta años en uso
- Ojo
- sus piedras se reaprovecharon durante siglos
Madinat al-Zahra (52019329474)Kent Wang from Barcelona, Spain · CC BY-SA 2.0 Lugar: Córdoba · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Medina Azahara (Wikipedia) · Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra
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El tapiz de Bayeux, un cómic de setenta metros
Setenta metros de lino bordado cuentan la conquista normanda de Inglaterra como una tira de viñetas, y pese al nombre, no es un tapiz sino un bordado. Arte y cultura- Longitud
- Unos 70 metros
- Técnica
- Bordado de lana sobre lino
- Fecha
- Poco después de 1066
- Comitente probable
- Odón de Bayeux
- Ojo
- Le falta el tramo final; se desconoce por qué
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
La primera escena del tapiz de Bayeux, con el rey Eduardo.Myrabella · Dominio público Qué pasó
El llamado tapiz de Bayeux es en realidad un bordado: una larga tira de lino de unos setenta metros de largo y cincuenta centímetros de alto, cosida con hilos de lana de colores, no tejida como un tapiz de verdad. Se hizo poco después de 1066 y narra en escenas seguidas, con leyendas en latín, los hechos que llevaron a Guillermo de Normandía a invadir Inglaterra y derrotar al rey Harold en la batalla de Hastings.
Se atribuye el encargo a Odón de Bayeux, obispo y hermanastro de Guillermo, que aparece retratado con un papel destacado en varias escenas, lo que respalda esa hipótesis entre los historiadores. Aunque narra la versión normanda de los hechos, la mayoría cree que se bordó en Inglaterra, probablemente en un taller de Canterbury, con mano de obra anglosajona experta en ese trabajo textil. La primera mención documentada de la pieza aparece en un inventario de la catedral de Bayeux de 1476, siglos después de haberse confeccionado.
Por qué importa
Cuenta una noticia política y militar reciente, no una historia sagrada, y lo hace con una técnica narrativa que hoy reconoceríamos como la de una tira cómica: escenas seguidas, personajes que se repiten, texto que acompaña la acción paso a paso. Es de los primeros grandes relatos visuales seculares que se conservan de la Europa medieval.
También funcionaba como propaganda: presenta la invasión normanda como una respuesta legítima a un juramento roto por Harold, la versión de los hechos que le interesaba contar al bando vencedor de la conquista. No hay ningún testimonio bordado que recoja la versión anglosajona de por qué Harold aceptó la corona inglesa, así que la única historia que ha llegado hasta hoy en imágenes es la que convenía contar a los vencedores de Hastings.
Qué vino después
La tira se corta de golpe justo después de la muerte de Harold en Hastings, sin llegar a mostrar la coronación de Guillermo como rey de Inglaterra. Nadie sabe si el tramo final se perdió con el paso del tiempo o si la obra se pensó así desde el principio, y esa duda sigue generando debate entre los historiadores especializados.
Lugar: Bayeux, Francia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Tapiz de Bayeux (Wikipedia) · UNESCO — Lista del Patrimonio Mundial
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«A lo largo del río durante Qingming»
Un rollo pintado en China retrata a cientos de personas comunes en su rutina diaria, mucho antes de que eso fuera un tema digno de pintarse en Europa. Arte y cultura- Fecha
- Hacia 1085-1145 (datación discutida)
- Tamaño
- Unos 25,5 x 525 cm, en rollo
- Dónde
- Museo del Palacio, Pekín
- Ojo
- Se discute cuánto del rollo actual es original y cuánto restauración
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Un tramo del rollo «A lo largo del río durante el Qingming», de Zhang Zeduan.Zhang Zeduan · Dominio público Qué pasó
Este rollo pintado, de unos 25 centímetros de alto y más de cinco metros de largo, se atribuye al pintor de la corte Zhang Zeduan y se suele fechar entre 1085 y 1145, aunque tanto la fecha exacta como la autoría se discuten porque muchos registros de la época se perdieron cuando cayó la dinastía Song del Norte. Recorre Kaifeng, entonces capital del imperio, durante la fiesta de Qingming.
En la escena se ven barcas cruzando bajo un puente de madera abarrotado de curiosos, tenderetes de comida, camellos, bueyes de carga y cientos de personas corrientes —comerciantes, barqueros, camareros, adivinos— haciendo cosas corrientes, sin un solo tema religioso, militar o heroico de por medio. En un tramo del puente incluso se aprecia una discusión entre barqueros que están a punto de chocar con otra embarcación, un detalle casi anecdótico en medio de tanto oficio y tanto comercio.
Por qué importa
Es uno de los primeros ejemplos, y de los más ambiciosos, de pintura dedicada por completo a la vida cotidiana de una ciudad, en un momento en que la pintura solía reservarse para temas religiosos, retratos de la corte o paisajes idealizados. El nivel de detalle es tal que historiadores lo usan todavía para estudiar la arquitectura, el comercio y hasta los mecanismos de la China de esa época.
Existen varias copias y versiones posteriores, incluida una elaborada siglos después para la corte Qing, y los especialistas siguen discutiendo cuánto del rollo que hoy se conserva en el Museo del Palacio es pintura original de la dinastía Song y cuánto es restauración, remonte sobre seda nueva o repintado de siglos posteriores, un debate que no tiene visos de cerrarse pronto.
Lugar: Kaifeng, China · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Zhang Zeduan (Wikipedia) · The Metropolitan Museum of Art
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Saint-Denis inventa el gótico
Un abad francés combina por primera vez arcos apuntados, bóvedas de crucería y ventanales enormes, y esa mezcla acaba llamándose arte gótico. Arte y culturaEl 11 de junio de 1144 se consagró la nueva cabecera de la abadía de Saint-Denis, al norte de París, con el rey Luis VII, Leonor de Aquitania y una veintena de obispos presentes. El abad Suger llevaba más de una década reconstruyendo el templo por partes: primero la fachada occidental, después el coro, con un deambulatorio de capillas radiales sin muros gruesos entre ellas.
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- Fecha
- Cabecera consagrada el 11 de junio de 1144
- Dónde
- Saint-Denis, cerca de París
- Impulsor
- El abad Suger
- Ojo
- Ningún elemento era nuevo por separado; lo nuevo fue combinarlos
La fachada occidental de la basílica de Saint-Denis.Chabe01 · CC BY-SA 4.0 Lugar: Saint-Denis, Francia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Basílica de Saint-Denis (Wikipedia) · Centre des monuments nationaux — Basílica de Saint-Denis
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Empieza Notre-Dame de París
El obispo Maurice de Sully derriba la catedral vieja de la isla de la Cité para levantar una gótica: casi dos siglos de obra en el centro de París. Arte y culturaMaurice de Sully, hijo de campesinos del Loira y obispo de París desde 1160, decidió sustituir el conjunto románico de la isla de la Cité por un edificio de la manera nueva que se ensayaba en Saint-Denis y en Sens. Las obras arrancaron en 1163. Una tradición muy repetida cuenta que el papa Alejandro III, entonces refugiado en Francia, puso la primera piedra ante Luis VII; la noticia la dan cronistas posteriores y conviene tomarla como tradición, no como hecho probado. El coro estuvo listo hacia 1182, la nave avanzó hasta 1190, la fachada y los portales ocuparon los primeros años del siglo XIII y las dos torres, de 69 metros y sin las agujas previstas, se remataron hacia 1250. Los últimos trabajos siguieron hasta mediados del siglo XIV.
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- Promotor
- Maurice de Sully, obispo de París
- Obras
- De 1163 a mediados del siglo XIV; coro listo hacia 1182
- Ojo
- La flecha reproduce la de Viollet-le-Duc (1859), no una medieval
- Incendio y reapertura
- 15 de abril de 2019; reabierta el 7 y 8 de diciembre de 2024
- Suscripción nacional
- 832 millones de euros de más de 350.000 donantes (recuento de 2020)
Lugar: París · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Ministère de la Culture — Pequeña historia de la flecha de Notre-Dame · Ministère de la Culture — La suscripción nacional para restaurar Notre-Dame · Catedral de Notre Dame de París (Wikipedia en español) · Libération de Paris (Wikipedia en francés): el Magnificat del 26 de agosto de 1944
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Los moái de Rapa Nui
Casi mil estatuas de piedra que representan antepasados, no rostros aislados, se levantaron en una isla del Pacífico sin ninguna grúa. Arte y culturaEl pueblo rapanui talló cerca de mil moáis entre los siglos trece y dieciséis, casi todos en la toba volcánica de la cantera de Rano Raraku. Miden en promedio unos cuatro metros y pesan unas doce toneladas, aunque el mayor que llegó a levantarse, llamado Paro, medía casi diez metros. No son retratos individuales: representan a antepasados divinizados, y se colocaban sobre plataformas de piedra mirando hacia el interior de la isla, hacia la aldea que debían proteger.
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- Cuándo
- Entre los siglos XIII y XVI, aprox.
- Cantidad
- Casi 1.000 estatuas talladas
- Tamaño medio
- 4 metros, unas 12 toneladas
- Qué representan
- Antepasados divinizados, no retratos
- Ojo
- El «colapso ecológico» previo al contacto hoy se discute
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Los quince moái de Ahu Tongariki, en Rapa Nui.Rivi · CC BY-SA 3.0 Lugar: Rapa Nui, Chile · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Moái (Wikipedia) · UNESCO — Lista del Patrimonio Mundial
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Giotto pinta gente que pesa
Giotto empieza a pintar cuerpos que pesan, sufren y ocupan espacio real, dejando atrás siglos de figuras planas sobre fondo de oro. Arte y culturaHacia 1305, Giotto terminó de cubrir con frescos toda la capilla que el banquero paduano Enrico Scrovegni había levantado junto a su palacio, casi mil metros cuadrados de pintura con escenas de la vida de la Virgen y de Cristo. Se cree que Enrico encargó la capilla en parte para limpiar la memoria de su padre, un prestamista al que se acusaba de usura, un pecado grave para la moral cristiana de la época.
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- Fecha
- Terminada hacia 1305
- Comitente
- Enrico Scrovegni
- Superficie pintada
- Casi 1.000 metros cuadrados
- Ubicación
- Padua, Italia
- Ojo
- Pudo encargarse para expiar la usura del padre
El interior de la capilla Scrovegni, pintado entero por Giotto.Andrea Piroddi · CC BY-SA 3.0 Lugar: Capilla de los Scrovegni, Padua · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Capilla de los Scrovegni (Wikipedia) · UNESCO — Lista del Patrimonio Mundial
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Chaucer escribe los Cuentos de Canterbury
Geoffrey Chaucer empieza hacia 1387 una colección de relatos en inglés puestos en boca de unos peregrinos que van a Canterbury, y muere en 1400 sin acabarla. Arte y culturaGeoffrey Chaucer nació entre 1340 y 1343 en una familia londinense acomodada: su padre, John Chaucer, era comerciante de vino. No vivió nunca de escribir. Empezó al servicio de Lionel, tercer hijo de Eduardo III, ocupó después varios cargos en la casa del rey, llegó a responsable de las obras reales en el palacio de Westminster y tuvo como protector a Juan de Gante, duque de Lancaster, el hombre más poderoso del reino. Era también aficionado a la astronomía y metía en sus versos la ciencia y la medicina de su tiempo. Hacia 1387 empezó su proyecto más ambicioso. En el prólogo general, un día de abril, una treintena de peregrinos coinciden en la posada del Tabard, en Southwark, camino del sepulcro de Tomás Becket, y el posadero, Harry Bailly, les propone un juego: que cada uno cuente dos historias a la ida y dos a la vuelta, con una cena de premio para el que mejor lo haga.
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- Escritura
- c. 1387-1400, sin terminar
- Autor
- Geoffrey Chaucer (n. entre 1340 y 1343; m. 25 de octubre de 1400)
- Plan y resultado
- más de cien cuentos previstos; se conservan 24
- Lengua
- inglés medio de Londres
- Manuscrito clave
- el Hengwrt (Peniarth MS 392D), Biblioteca Nacional de Gales
- Ojo
- no es el primer libro en inglés, y el nombre del copista sigue discutiéndose
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Lugar: Southwark (Londres), donde estaba la posada del Tabard en la que arranca la peregrinación · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Gales, «The Hengwrt Chaucer» (Peniarth MS 392D) · Westminster Abbey, «Geoffrey Chaucer» (vida, muerte el 25 de octubre de 1400 y sepultura) · Lawrence Warner, «Scribes, Misattributed: Hoccleve and Pinkhurst», Studies in the Age of Chaucer 37 (2015), pp. 55-100 (King's College London)
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Brunelleschi demuestra la perspectiva
Con un espejo y un agujero en una tabla, un arquitecto florentino demuestra que el espacio se puede representar con matemáticas, no a ojo. Arte y culturaHacia 1413, Filippo Brunelleschi pintó una pequeña tabla, de apenas unos treinta centímetros, con la vista del Baptisterio de Florencia desde la puerta de la catedral. Hizo un agujero en el centro de la pintura y pidió a los espectadores que miraran por detrás hacia un espejo colocado enfrente, que reflejaba la tabla: así comparaban el edificio real, visible por los lados del espejo, con su representación pintada, y comprobaban que ambos coincidían con precisión geométrica.
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- Fecha
- Hacia 1413
- Lugar
- Florencia, frente al Baptisterio
- Método
- Panel con agujero y espejo
- Paneles originales
- Perdidos
- Ojo
- Solo se conoce por el relato de Manetti
Fecha discutida entre historiadores.
Un pasillo moderno con todas las líneas cayendo en un punto: lo que Brunelleschi demostró que podía dibujarse.WiNG · CC BY 3.0 Lugar: Florencia, Italia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Perspectiva cónica (Wikipedia) · Galería de los Uffizi
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Van Eyck y lo que el óleo permite ver
Un pintor flamenco firma un retrato como si fuera testigo de un acto legal, y su dominio del óleo cambia lo que la pintura puede mostrar. Arte y culturaEn Brujas, en 1434, Jan van Eyck pintó un retrato de un hombre y una mujer tomados de la mano en su alcoba, con un espejo convexo al fondo que refleja la espalda de la pareja y a dos personas más, entre ellas probablemente el propio pintor. Sobre el espejo escribió en latín «Johannes de Eyck estuvo aquí», firma poco habitual que parece la de un testigo antes que la de un artista.
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- Fecha
- 1434
- Técnica
- Óleo sobre tabla de roble
- Dónde
- National Gallery, Londres
- Ojo
- Van Eyck no inventó el óleo; perfeccionó la técnica
«El matrimonio Arnolfini», de Jan van Eyck.Jan van Eyck · Dominio público Lugar: Brujas, Bélgica · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: El matrimonio Arnolfini (Wikipedia) · The National Gallery, Londres
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Los incas levantan Machu Picchu
El inca Pachacútec manda construir hacia 1450 un santuario de montaña en los Andes con piedra ajustada sin argamasa. Arte y culturaHacia 1450 el inca Pachacútec ordena construir un conjunto de piedra en lo alto de una cresta andina, sobre el valle del Urubamba, a unos 2438 metros de altitud. El recinto tiene cerca de doscientas estructuras, terrazas de cultivo y muros de sillares tallados y encajados sin argamasa, con una precisión que ha resistido siglos de terremotos.
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- Cuándo
- hacia 1450, bajo el inca Pachacútec
- Altitud
- unos 2438 metros, sobre el Urubamba
- Construcción
- sillares de piedra ajustados sin argamasa
- Habitantes
- número desconocido; las estimaciones varían mucho
- Ojo
- Bingham (1911) no la descubrió; la buscaba como Vilcabamba, que está en otro lugar
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Machu Picchu, en la ceja de selva sobre el valle del Urubamba.Martin St-Amant ( S23678 ) · CC BY-SA 3.0 Lugar: Machu Picchu, Perú · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Machu Picchu (Wikipedia) · Ministerio de Cultura del Perú
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Durero convierte el grabado en arte mayor
Un artista alemán diseña, imprime y vende sus propios grabados sin encargo de nadie, y convierte una técnica menor en arte mayor. Arte y cultura- Fecha
- 1498
- Técnica
- Xilografía (grabado en madera)
- Serie
- 15 láminas sobre el Apocalipsis
- Ojo
- La financió, la imprimió y la distribuyó él mismo, sin editor ni mecenas detrás
«Autorretrato con abrigo de pieles», de Alberto Durero.Albrecht Dürer · Dominio público Qué pasó
En 1498 Alberto Durero publicó en Núremberg su serie Apocalipsis, quince xilografías de gran tamaño sobre el libro bíblico del mismo nombre, entre ellas la célebre estampa de los cuatro jinetes. No lo hizo por encargo de ningún mecenas, iglesia o príncipe: lo diseñó, lo imprimió y lo pagó de su propio bolsillo, y luego lo vendió él mismo en ferias por distintas ciudades.
Las láminas llevan su monograma, las letras AD superpuestas, en lo que se considera una de las primeras veces que aparece esa firma tan imitada después por otros grabadores. La serie fue un éxito de ventas inmediato en toda Europa, y muy pronto empezaron a circular copias no autorizadas: en la reedición de 1511 Durero ya añadió un aviso amenazando a los falsificadores, amparado en un privilegio del emperador, y Vasari cuenta que en Venecia Marcantonio Raimondi copiaba sus estampas con su monograma incluido.
Por qué importa
Hasta entonces el grabado se consideraba un oficio menor, útil sobre todo para ilustrar libros baratos, muy por debajo de la pintura o la escultura en la jerarquía de las artes. Durero lo trató con la ambición de una obra mayor, con una composición cuidada y un nivel de detalle propios de un cuadro, y logró que tanto el público como otros artistas lo reconocieran como tal.
También abrió un modelo económico nuevo para un artista de su época: en vez de depender de un único cliente poderoso, como un príncipe o una iglesia, vendía directamente a un público amplio y anónimo en ferias y mercados. Esa independencia, junto con la fama y el dinero que le dio, se cita a menudo como un antecedente temprano del artista moderno que trabaja por cuenta propia.
Lugar: Núremberg, Alemania · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Alberto Durero (Wikipedia) · The Metropolitan Museum of Art
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La Gioconda
El retrato de la esposa de un comerciante de seda se volvió la pintura más famosa del mundo en gran parte gracias a un robo en 1911. Arte y culturaLeonardo da Vinci empezó este retrato hacia 1503, probablemente por encargo del mercader de seda florentino Francesco del Giocondo para inmortalizar a su esposa, Lisa Gherardini. Nunca lo entregó: siguió retocándolo durante años y se lo llevó consigo a Francia, donde se cree que continuó trabajando en él hasta su muerte en 1519, lo que explica por qué su fecha de finalización se da como un rango y no como un año fijo.
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- Autor
- Leonardo da Vinci
- Fecha
- Hacia 1503-1519 (debatida)
- Técnica
- Óleo sobre tabla de álamo
- Se conserva en
- Museo del Louvre, París
- Ojo
- Su fama mundial arrancó con el robo de 1911
Fecha discutida entre historiadores.
La Gioconda, de Leonardo da Vinci, en el Louvre.Leonardo da Vinci · Dominio público Lugar: Museo del Louvre, París · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: La Gioconda (Wikipedia) · Museo del Louvre — Colecciones en línea
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Miguel Ángel termina la Capilla Sixtina
Cuatro años pintando de pie sobre un andamio, a veinte metros del suelo, para cubrir quinientos metros cuadrados de bóveda. Arte y culturaMiguel Ángel se consideraba escultor y aceptó el encargo a regañadientes: eran unos 500 m² de bóveda, con más de trescientas figuras, y el fresco no admite correcciones porque hay que pintar sobre el yeso húmedo. Trabajó entre 1508 y 1512 de pie y con la cabeza hacia atrás, no tumbado como cuenta la leyenda, y dejó un poema quejándose del cuello.
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- Cuándo
- 1508–1512
- Superficie
- Unos 500 m² y más de 300 figuras
- Técnica
- Fresco: sobre yeso húmedo, sin correcciones
- Ojo
- Pintó de pie, no tumbado
La bóveda de la Capilla Sixtina, pintada por Miguel Ángel.The original uploader was Snowdog at Italian Wikipedia . · CC BY-SA 3.0 Lugar: Ciudad del Vaticano · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Musei Vaticani — Cappella Sistina · UNESCO — Ciudad del Vaticano
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Francisco I se lleva a Leonardo a Amboise
Invitado por Francisco I, un Leonardo ya viejo deja Italia y pasa en Amboise sus tres últimos años, con la Gioconda entre su equipaje. Arte y culturaFrancisco I tenía veintidós años y venía de ganar en Marignano y de reunirse en Bolonia con el papa León X cuando se propuso llevarse a Francia al artista más célebre de Italia. Leonardo da Vinci, con sesenta y cuatro años, había perdido en marzo de 1516 a su protector romano, Giuliano de Médici, y aceptó. Hizo el viaje con su discípulo Francesco Melzi, con su criado milanés Battista de Villanis y, al menos durante un tiempo, con Salai, su alumno de siempre. El rey lo instaló en el manoir du Cloux, la casa de ladrillo y piedra que hoy se llama Clos Lucé, a unos quinientos metros del castillo de Amboise, le dio el título de primer pintor, ingeniero y arquitecto del rey y le asignó una pensión que el propio Clos Lucé cifra en mil escudos de oro al año. Ningún documento fija el día de la llegada: el otoño de 1516 es la fecha más aceptada, y el primer testimonio detallado de un visitante es de octubre de 1517, cuando el cardenal Luis de Aragón pasó por Amboise y su secretario anotó que el pintor ya no podía valerse bien de la mano derecha.
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- Llegada
- otoño de 1516, la fecha más aceptada; ningún documento fija el día
- Casa
- manoir du Cloux, hoy Clos Lucé, en Amboise
- Cargo
- primer pintor, ingeniero y arquitecto del rey
- Equipaje
- la Gioconda, la Santa Ana y el San Juan Bautista
- Ojo
- no murió en brazos del rey: el rey estaba en Saint-Germain
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Lugar: Clos Lucé, Amboise (valle del Loira), Francia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Museo del Louvre, ficha de catálogo de la Gioconda · Château du Clos Lucé, «Leonardo da Vinci» · Clos Lucé (Wikipedia en español)
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El Escorial, el palacio-monasterio de Felipe II
Felipe II levanta un palacio-monasterio descomunal para cumplir un voto militar y guardar los restos de su familia. Arte y culturaFelipe II encargó la construcción de un complejo que fuera a la vez palacio, monasterio, biblioteca y panteón real, para cumplir una promesa hecha tras la victoria española en la batalla de San Quintín, ganada el día de San Lorenzo de 1557. Las obras empezaron en 1563 bajo la dirección del arquitecto Juan Bautista de Toledo, y a su muerte, en 1567, las continuó Juan de Herrera, que le dio el estilo sobrio y geométrico por el que se le conoce.
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- Promotor
- Felipe II
- Obras
- 1563-1584
- Arquitectos
- Juan Bautista de Toledo y Herrera
- Motivo
- voto por la victoria de San Quintín (1557)
Monasterio de El Escorial en MadridZvonimir Stamenov · CC BY-SA 4.0 Lugar: San Lorenzo de El Escorial · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (Wikipedia) · Patrimonio Nacional
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Abre el teatro The Globe, la casa de Shakespeare
La compañía de Shakespeare levanta en la orilla sur del Támesis, con la madera de su viejo teatro desmontado, el Globe, el escenario de sus grandes tragedias. Arte y culturaLa compañía de los Hombres del Lord Chamberlain, a la que pertenecía William Shakespeare, actuaba desde 1594 en The Theatre, la sala que James Burbage había construido en 1576 en Shoreditch, al norte de Londres, sobre un terreno arrendado. En 1597 el dueño del suelo, Giles Allen, se negó a renovar el arriendo y amenazó con quedarse el edificio. La respuesta fue un golpe de mano: el 28 de diciembre de 1598, aprovechando que Allen pasaba fuera las Navidades, los hermanos Cuthbert y Richard Burbage, con el carpintero Peter Street, los actores y unos cuantos voluntarios, desmontaron el teatro viga a viga y se llevaron la madera. Con ella Street levantó en Bankside, en Southwark, al otro lado del Támesis y fuera de la jurisdicción de la City, un teatro nuevo que estaba listo para abrir hacia mayo de 1599. Lo llamaron The Globe.
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- Apertura
- 1599, listo para abrir hacia mayo
- Materiales
- la madera de The Theatre, desmontado el 28 de diciembre de 1598
- Aforo
- hasta unas 3.000 personas, en unos 30 metros de diámetro
- Incendio
- 29 de junio de 1613, durante Enrique VIII
- Ojo
- el Globe actual (1997) está a una calle del original, no encima
Lugar: Bankside, Southwark (Londres) · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Shakespeare Birthplace Trust, «Shakespeare's Globe Theatre» · Shakespeare's Globe, «The Globe»
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Caravaggio apaga la luz
Caravaggio apaga casi toda la luz de sus cuadros y deja solo un haz que ilumina a gente de la calle vestida de santo. Arte y culturaEn 1599, Caravaggio firmó el contrato para pintar dos grandes lienzos sobre la vida de san Mateo en la capilla Contarelli, dentro de la iglesia de San Luigi dei Francesi, en Roma. Las obras, entre ellas «La vocación de san Mateo», estaban instaladas hacia el verano de 1600 y fueron su primer encargo público de importancia.
Ver la ficha completa de «Caravaggio apaga la luz» →
- Encargo
- Capilla Contarelli, Roma
- Fecha
- Contrato en 1599, instalado en 1600
- Técnica
- Tenebrismo, sin dibujo previo
- Modelos
- Gente corriente de la calle
- Ojo
- Pintaba sobre el lienzo sin bocetos previos
Retrato de Caravaggio dibujado por Ottavio Leoni.Ottavio Leoni · Dominio público Lugar: Roma, Italia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Caravaggio (Wikipedia) · Galería de los Uffizi
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El Taj Mahal
Un emperador mogol levantó este mausoleo de mármol para su esposa, con más de veinte mil trabajadores y dos décadas de obras. Arte y culturaEl emperador mogol Shah Jahan encargó este mausoleo de mármol blanco a orillas del río Yamuna, en Agra, para su esposa Mumtaz Mahal, que murió en 1631 al dar a luz a su decimocuarto hijo. Las obras principales duraron unos veinte años, hasta 1648, y los jardines y edificios menores se terminaron hacia 1653; participaron más de veinte mil trabajadores y artesanos, con mármol traído de Rajastán y piedras preciosas llegadas de lugares tan lejanos como Afganistán o Sri Lanka.
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- Construcción
- 1632-1653, unas dos décadas
- Encargado por
- Shah Jahan, para Mumtaz Mahal
- Trabajadores
- más de 20.000
- Arquitecto principal
- Ustad Ahmad Lahauri (discutido)
- Ojo
- la leyenda de los obreros mutilados no tiene base documental
El Taj Mahal reflejado en el canal de sus jardines.Yann ; edited by Jim Carter · CC BY-SA 4.0 Lugar: Agra, India · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Taj Mahal (Wikipedia) · UNESCO — Lista del Patrimonio Mundial
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Richelieu funda la Academia Francesa
El cardenal convierte una tertulia de escritores en una institución de cuarenta miembros vitalicios encargada de fijar el francés. Arte y culturaDesde finales de los años veinte del siglo XVII, un grupo de nueve o diez letrados se reunía los sábados en casa de Valentin Conrart, secretario del rey y protestante, para leerse sus escritos y discutir sobre la lengua. En 1634 Richelieu se enteró de aquellas reuniones privadas y ofreció al grupo su protección, que era una oferta difícil de rechazar: una tertulia sin licencia inquietaba a un ministro que vigilaba de cerca lo que se escribía en París. El grupo aceptó, pasó de una decena a cuarenta miembros y recibió del cardenal unas cartas patentes que lo convertían en cuerpo del reino.
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- Fecha
- cartas patentes de 1635, registradas en 1637
- Miembros
- cuarenta, vitalicios
- Encargo
- diccionario, gramática, retórica y poética
- Cumplido
- solo el diccionario, en 1694
- Primera mujer
- Marguerite Yourcenar, 1980
Fecha discutida entre historiadores.
Lugar: París, Francia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Académie française — Histoire de l'institution · BnF, Passerelles — Fondation de l'Académie française · Académie française — La 9e édition du Dictionnaire
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Rembrandt rompe el retrato de grupo
Un retrato de milicianos holandeses rompe la fila ordenada del retrato de grupo y mete luz, sombra y movimiento donde se esperaba una foto de familia. Arte y culturaEn 1642 la compañía de milicianos del capitán Frans Banning Cocq encargó a Rembrandt un retrato de grupo, un género en el que cada miembro pagaba su parte esperando salir con el mismo protagonismo, normalmente en una fila ordenada y bien iluminada. Rembrandt hizo lo contrario: organizó una escena en movimiento, con figuras que se tapan unas a otras, un fuerte contraste de luces y sombras, y hasta una niña con un vestido dorado entre los soldados.
Ver la ficha completa de «Rembrandt rompe el retrato de grupo» →
- Fecha
- 1642
- Título real
- Milicia del capitán Frans Banning Cocq
- Dónde
- Rijksmuseum, Ámsterdam
- Ojo
- No es de noche; en 1715 le recortaron tiras a los cuatro lados
«La ronda de noche», de Rembrandt.Rembrandt · Dominio público Lugar: Rijksmuseum, Ámsterdam · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: La ronda de noche (Wikipedia) · Rijksmuseum
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Velázquez pinta Las Meninas
Velázquez se retrata a sí mismo pintando en la corte de Felipe IV y deja un cuadro sobre el que todavía se discute quién mira realmente a quién. Arte y culturaEn 1656 Diego Velázquez pinta en el Alcázar de Madrid una escena de la corte de Felipe IV: la infanta Margarita rodeada de sus damas de honor, o meninas, mientras al fondo, en un espejo, se refleja la imagen borrosa del rey y la reina, que aparentemente posan fuera del cuadro. El propio pintor se autorretrata a la izquierda, frente a un lienzo enorme cuyo contenido nunca se muestra, con la cruz de la orden de Santiago pintada en el pecho, un símbolo que la tradición dice que añadió el propio rey años más tarde.
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- Autor
- Diego Velázquez
- Fecha
- 1656
- Lugar de la escena
- Alcázar de Madrid
- Figura central
- La infanta Margarita
- Ojo
- El espejo del fondo refleja a los reyes, fuera de cuadro
Las Meninas The Maids of HonourDiego Velázquez · Dominio público Lugar: Madrid · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Las meninas (Wikipedia) · Museo Nacional del Prado — Colección
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Samuel Johnson publica su diccionario
Tras unos nueve años de trabajo con seis ayudantes, Samuel Johnson publica un diccionario de 42.773 entradas que será la autoridad del inglés hasta el de Oxford. Arte y culturaEn junio de 1746 un grupo de libreros de Londres encargó a Samuel Johnson, un escritor de Lichfield con más talento que dinero, un diccionario de la lengua inglesa. Le pagaron 1.500 guineas, a plazos y con las que tuvo que costear también a sus ayudantes, y él prometió terminarlo en tres años. En 1747 se instaló en el número 17 de Gough Square, junto a Fleet Street, y en la buhardilla trabajó con seis amanuenses, cinco de ellos escoceses, que copiaban en tiras de papel las citas que él marcaba en sus lecturas. Tardó unos nueve años. El diccionario salió el 15 de abril de 1755 en dos volúmenes en folio de casi medio metro de alto, al precio de 4 libras y 10 chelines: lo que un criado ganaba en varios meses.
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- Publicación
- 15 de abril de 1755, dos volúmenes en folio
- Contenido
- 42.773 entradas y unas 114.000 citas
- Encargo
- junio de 1746, por 1.500 guineas
- Plazo
- prometió tres años y tardó unos nueve
- Ojo
- no fue el primero: Cawdrey publicó uno en 1604
Lugar: 17 Gough Square, Londres · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Dr Johnson's House (museo en su casa de Gough Square), «Johnson's Dictionary» · University of Saskatchewan, University Archives and Special Collections: «Dictionary of the English Language, 1755»
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Goya inventa la pintura de denuncia
Un pelotón sin rostro fusila a un hombre con los brazos en cruz, y con ese cuadro la pintura de historia deja de servir para glorificar nada. Arte y culturaGoya pintó esta escena en 1814, seis años después de los hechos que representa: los fusilamientos de madrileños en el cerro del Príncipe Pío, en represalia por el levantamiento del 2 de mayo de 1808 contra las tropas napoleónicas. Se lo encargó la regencia liberal que preparaba el regreso de Fernando VII al trono, en un lienzo de 268 por 347 centímetros.
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- Fecha
- 1814 (sobre hechos de 1808)
- Tamaño
- 268 x 347 cm
- Dónde
- Museo del Prado, Madrid
- Ojo
- Los soldados no tienen rostro; el fusilado imita la postura de Cristo
«El 3 de mayo en Madrid», de Goya.Francisco Goya · Dominio público Lugar: Museo del Prado, Madrid · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: El 3 de mayo en Madrid (Wikipedia) · Museo Nacional del Prado — Colección
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La primera fotografía
Una placa de peltre expuesta durante horas, quizá días, capturó por primera vez una imagen real sin que ninguna mano la dibujara. Arte y culturaHacia 1826 o 1827, el inventor francés Nicéphore Niépce colocó una placa de peltre recubierta de betún de Judea dentro de una cámara oscura orientada hacia el patio de su casa, en Saint-Loup-de-Varennes. El betún se endurece con la luz, así que al lavar la placa con un disolvente, las zonas menos expuestas se disolvieron y quedó fijada una imagen de los tejados y edificios que veía desde su ventana. Niépce llamó a su técnica heliografía, «escritura con el sol».
Ver la ficha completa de «La primera fotografía» →
- Autor
- Nicéphore Niépce
- Fecha
- Hacia 1826-1827
- Soporte
- Placa de peltre con betún de Judea
- Técnica
- Heliografía
- Ojo
- El tiempo de exposición real se desconoce
Fecha discutida entre historiadores.
«Punto de vista desde la ventana de Le Gras», la fotografía más antigua que se conserva.Nicéphore Niépce · Dominio público Lugar: Saint-Loup-de-Varennes, Francia · Ver en OpenStreetMap
Qué salió de aquí
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Fuentes: Vista desde la ventana en Le Gras (Wikipedia) · Harry Ransom Center — La primera fotografía
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La gran ola de Kanagawa
Esta estampa no es un cuadro único: se imprimió por miles con los mismos tacos de madera y se vendía barata, como un póster de su época. Arte y culturaKatsushika Hokusai publicó esta estampa hacia 1831, dentro de la serie «Treinta y seis vistas del monte Fuji», usando la técnica ukiyo-e: se talla el dibujo en varios bloques de madera, uno por color, y se estampa sobre papel a mano. Del mismo taco original salieron varios miles de copias, vendidas a precios asequibles para el público urbano de Edo, la actual Tokio.
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- Autor
- Katsushika Hokusai
- Fecha
- Hacia 1831
- Técnica
- Xilografía (ukiyo-e) en serie
- Serie
- 36 vistas del monte Fuji
- Ojo
- No es única; se imprimió en masa y barata
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
«La gran ola de Kanagawa», de Hokusai.Katsushika, Hokusai, 1760-1849, artist · Dominio público Lugar: Japón · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: La gran ola de Kanagawa (Wikipedia) · The Metropolitan Museum of Art
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Harriet Beecher Stowe publica «La cabaña del tío Tom»
La novela antiesclavista de Harriet Beecher Stowe vende 300.000 ejemplares en un año en Estados Unidos y pone rostro a la esclavitud para millones de lectores del Norte. Arte y culturaHarriet Beecher Stowe, hija del predicador Lyman Beecher, había vivido dieciocho años en Cincinnati, al otro lado del río Ohio frente al estado esclavista de Kentucky, donde conoció a esclavos huidos y a quienes los ayudaban. En 1850 se mudó a Brunswick, en Maine, donde su marido enseñaba en el Bowdoin College, y ese mismo septiembre el Congreso aprobó la Ley de Esclavos Fugitivos, que obligaba a cualquier ciudadano a colaborar en la captura de los que escapaban. Aquella ley la decidió a escribir. La novela empezó a salir por entregas en el semanario abolicionista The National Era, de Washington, en 1851: Stowe calculaba tres o cuatro capítulos y acabó escribiendo más de cuarenta, hasta la primavera de 1852. El editor bostoniano John P. Jewett la publicó en dos volúmenes el 20 de marzo de 1852.
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- Por entregas
- The National Era, de 1851 a 1852
- En libro
- 20 de marzo de 1852, John P. Jewett, Boston
- Primer año
- 300.000 ejemplares en Estados Unidos y 1,5 millones en Gran Bretaña
- Traducciones
- más de setenta lenguas
- Ojo
- la frase de Lincoln sobre «la mujercita» no está documentada: es una tradición familiar posterior
Lugar: Brunswick (Maine), donde la escribió; editada en Boston · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Harriet Beecher Stowe Center, «Uncle Tom's Cabin» · «Uncle Tom's Cabin & American Culture», archivo digital de la Universidad de Virginia: texto completo de la novela y prefacios de Stowe
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«Impresión, sol naciente» bautiza el impresionismo
Un crítico se burla de un cuadro llamándolo apenas una «impresión», y ese insulto termina siendo el nombre de todo un movimiento artístico. Arte y culturaEl 15 de abril de 1874, un grupo de pintores rechazados por el Salón oficial de París organizó su propia exposición en el estudio del fotógrafo Nadar. Entre las obras estaba «Impresión, sol naciente» de Claude Monet, pintada dos años antes en el puerto de Le Havre, con pinceladas rápidas y sueltas que apenas insinúan los barcos y las grúas entre la niebla del amanecer.
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- Pintado
- 1872, en el puerto de Le Havre
- Expuesto
- 15 de abril de 1874, en París
- Dónde está hoy
- Museo Marmottan Monet, París
- Ojo
- «Impresionismo» nació como insulto de un crítico, no como nombre elegido
«Impresión, sol naciente», de Claude Monet.Claude Monet · Dominio público Lugar: París, Francia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Impresión, sol naciente (Wikipedia) · Musée d'Orsay
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Van Gogh pinta lo que siente, no lo que ve
Van Gogh pintó un pueblo que no existía junto a un cielo que sí veía desde su celda del asilo, y no quedó nada convencido del resultado. Arte y culturaEn junio de 1889, Van Gogh pintó esta vista desde la ventana de su habitación en el asilo de Saint-Rémy-de-Provence, donde se había internado voluntariamente semanas antes. Al pueblo, con una iglesia de aguja puntiaguda de aspecto más holandés que provenzal, lo inventó por completo, y le añadió un cielo con remolinos de estrellas y una luna en cuarto creciente que no coinciden con lo que realmente se veía desde esa ventana, que además tenía rejas que decidió no pintar.
Ver la ficha completa de «Van Gogh pinta lo que siente, no lo que ve» →
- Fecha
- Junio de 1889
- Lugar de creación
- Asilo de Saint-Rémy-de-Provence
- Medidas
- 73,7 x 92,1 centímetros
- Se conserva en
- MoMA, Nueva York
- Ojo
- El pueblo del cuadro es imaginado, no el real
«La noche estrellada», de Van Gogh.Vincent van Gogh · Dominio público Lugar: Saint-Rémy-de-Provence, Francia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: La noche estrellada (Wikipedia) · MoMA — The Museum of Modern Art
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Las señoritas de Aviñón y el cubismo
Cinco figuras con caras de máscara rompen siglos de perspectiva de un solo punto de vista, y su propio autor la escondió casi diez años. Arte y culturaPicasso pintó esta obra en París en 1907, con cinco mujeres desnudas de formas angulosas y fragmentadas; dos de las caras, pintadas en un estilo distinto al resto del cuadro, recuerdan a máscaras africanas, mientras otras remiten a la escultura ibérica que Picasso había visto poco antes en una exposición en París. El título original hacía referencia a un burdel de la calle Avinyó, en Barcelona, no a la ciudad francesa de Aviñón.
Ver la ficha completa de «Las señoritas de Aviñón y el cubismo» →
- Fecha
- 1907
- Primera exposición
- 1916, nueve años después de pintarse
- Dónde está hoy
- MoMA, Nueva York
- Ojo
- El título original aludía a un burdel de Barcelona, no a Aviñón
Un mural de Barcelona con motivos del cuadro. El original, en el MoMA, sigue con derechos de autor.r2hox · CC BY-SA 2.0 Lugar: París, Francia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Las señoritas de Avignon (Wikipedia) · MoMA — The Museum of Modern Art
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Duchamp firma un urinario
Duchamp compra un urinario de fábrica, lo firma con un nombre falso y lo presenta como escultura, cambiando la pregunta de qué es arte. Arte y culturaEn abril de 1917, un urinario de porcelana estándar, tumbado sobre su espalda en vez de en posición vertical y firmado «R. Mutt», se presentó a la exposición sin jurado de la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York. La obra se atribuye a Marcel Duchamp, aunque la autoría se discute: en una carta de aquellos días a su hermana Suzanne, Duchamp escribió que la había enviado «una amiga» con seudónimo masculino, y algunos investigadores señalan a la baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven. A pesar de que la sociedad se anunciaba como abierta a cualquier obra pagando una cuota, el comité organizador la rechazó y la escondió durante toda la muestra.
Ver la ficha completa de «Duchamp firma un urinario» →
- Fecha
- Abril de 1917
- Autor
- Marcel Duchamp
- Firma usada
- «R. Mutt»
- Pieza original
- Perdida; solo hay una foto
- Ojo
- La rechazaron pese a aceptarlo todo en teoría
«Fuente», el urinario que Duchamp firmó como R. Mutt.Marcel Duchamp · Dominio público Lugar: Nueva York, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Fuente (Duchamp) (Wikipedia) · Tate
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La Bauhaus une el arte y la fábrica
Una escuela alemana borra la frontera entre el arte y el oficio, y su cierre forzado por los nazis termina repartiendo esa idea por medio mundo. Arte y culturaEn abril de 1919, en la Weimar que acababa de dar nombre a la nueva república alemana, Walter Gropius fusionó la escuela de bellas artes y la de artes y oficios en una sola institución. El manifiesto fundacional, ilustrado con una catedral grabada por Lyonel Feininger, pedía a arquitectos, escultores y pintores que volvieran al taller.
Ver la ficha completa de «La Bauhaus une el arte y la fábrica» →
- Fundación
- Abril de 1919, en Weimar
- Fundador
- El arquitecto Walter Gropius
- Cierre
- 1933, por presión nazi
- Ojo
- Sus profesores emigrados extendieron sus ideas, sobre todo en EE. UU.
El edificio de la Bauhaus en Dessau, proyectado por Gropius.Autor desconocido (dominio público) · Dominio público Lugar: Weimar, Alemania · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Escuela de la Bauhaus (Wikipedia) · Bauhaus Dessau Foundation
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Picasso pinta el Guernica
Picasso no pinta el bombardeo de Guernica como una escena real: usa figuras rotas y sin color para volver una masacre concreta un símbolo universal. Arte y culturaEl 26 de abril de 1937, la Legión Cóndor alemana y la aviación italiana bombardearon la localidad vasca de Guernica en apoyo al bando sublevado de la guerra civil española. Picasso, que ya tenía el encargo del Gobierno republicano de pintar un mural para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de ese año, cambió de tema al conocer la noticia y pintó esta obra entre mayo y junio, en apenas unas semanas de trabajo intenso.
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- Fecha
- Mayo-junio de 1937
- Motivo
- Bombardeo del 26 de abril de 1937
- Medidas
- 3,49 x 7,77 metros
- Encargo
- Pabellón español, Expo París 1937
- Ojo
- Se conserva en el Museo Reina Sofía, Madrid
Una reproducción mural del «Guernica» de Picasso.Jules Verne Times Two · CC BY-SA 4.0 Lugar: Museo Reina Sofía, Madrid · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Guernica (cuadro) (Wikipedia) · Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
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Frida Kahlo se pinta a sí misma
El año de su divorcio, una pintora se retrata dos veces a la vez, unidas por una misma vena, para mostrar una identidad partida en dos. Arte y cultura- Fecha
- 1939
- Tamaño
- 173 x 173 cm
- Exposición
- Surrealismo Internacional, México, 1940
- Ojo
- Kahlo rechazaba la etiqueta de «surrealista» que le puso Breton
Frida Kahlo fotografiada por su padre, Guillermo Kahlo.Guillermo Kahlo · Dominio público Qué pasó
Frida Kahlo pintó «Las dos Fridas» en 1939, el año en que se formalizó su divorcio de Diego Rivera. Es su cuadro más grande, de 173 por 173 centímetros, y muestra a dos versiones de ella misma sentadas de la mano, unidas por una vena que va de un corazón al otro. Una viste un traje europeo de corte victoriano, con la vena cortada y sangrando; la otra lleva un vestido tehuano y sostiene un pequeño retrato de Diego niño.
El cuadro se expuso en enero de 1940 en la Exposición Internacional del Surrealismo, celebrada en Ciudad de México y organizada en parte por André Breton, quien un año antes había calificado la obra de Kahlo como surrealista. Ella misma rechazaba esa etiqueta y solía decir que no pintaba sueños, sino su propia realidad, tal y como la vivía y la sentía.
Por qué importa
Kahlo pintó alrededor de cincuenta y cinco autorretratos a lo largo de su vida, cerca de un tercio de toda su obra, y los usó no para mostrarse favorecida, como había sido habitual en el género durante siglos, sino para poner en escena conflictos internos muy concretos: aquí, una identidad partida entre la herencia europea de su familia paterna y la mexicana que ella eligió reivindicar como propia.
Ese uso del propio cuerpo como asunto —la columna partida, el aborto, el corazón fuera del pecho— llevó al cuadro un dolor privado que la pintura no trataba, y lo hizo con la frialdad de los exvotos populares mexicanos que ella coleccionaba. En vida vendió poco y fue conocida sobre todo como la mujer de Diego Rivera: su primera exposición individual en México fue en 1953, un año antes de morir, y acudió en camilla. El reconocimiento llegó a partir de los años setenta.
Lugar: Ciudad de México · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Frida Kahlo (Wikipedia) · Museo Frida Kahlo
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Pollock deja de pintar sobre el caballete
Un pintor pone el lienzo en el suelo y deja de tocarlo con el pincel, y con ese gesto Nueva York le empieza a quitar a París el centro del arte. Arte y cultura- Fecha
- 1947
- Dónde
- Long Island, Nueva York
- Técnica
- Pintura chorreada sobre el lienzo en el suelo
- Ojo
- Ayudó a trasladar el centro del arte de vanguardia de París a Nueva York
Qué pasó
En 1947, en su estudio de Long Island, Jackson Pollock dejó de trabajar sobre un caballete y empezó a extender el lienzo, sin estirar, directamente en el suelo. En vez de aplicar la pintura con pinceladas de contacto, la vertía, la goteaba o la lanzaba con palos y pinceles endurecidos, moviéndose alrededor y por encima de la tela, sin un punto central ni un arriba o abajo evidentes.
Cuadros como «Full Fathom Five», de ese mismo año, muestran capas de esmalte negro y plateado goteadas sobre una base que Pollock había empezado antes con pincel y espátula, con objetos como clavos, botones, colillas de cigarro o una llave que quedaron atrapados dentro de la pintura al secarse. El título, sugerido por un vecino, viene de un verso de La tempestad, de Shakespeare.
Por qué importa
Con esta técnica, conocida como pintura de acción, el gesto físico de pintar pasa a ser tan importante como la imagen final, algo que rompía con la idea de un cuadro como ventana compuesta hacia otra escena. El interés se desplaza del resultado terminado al proceso y al movimiento del cuerpo del pintor sobre el lienzo.
Este tipo de trabajo, junto al de otros artistas de Nueva York activos en esos mismos años, coincidió con el momento en que la vanguardia artística internacional dejó de mirar sobre todo a París y empezó a fijarse en Estados Unidos, en paralelo a su ascenso como potencia económica y cultural tras el final de la Segunda Guerra Mundial.
Lugar: Nueva York, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Expresionismo abstracto (Wikipedia) · MoMA — The Museum of Modern Art
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Se publica «1984», de George Orwell
Una novela sobre un Estado que vigila, reescribe el pasado y mutila el idioma. Aportó al lenguaje corriente media docena de palabras que seguimos usando. Arte y culturaEl 8 de junio de 1949 apareció en Londres «Mil novecientos ochenta y cuatro», la última novela de George Orwell. La había escrito en una casa aislada de la isla escocesa de Jura, enfermo de tuberculosis, y mecanografió él mismo la versión definitiva sentado en la cama porque no consiguió que ninguna mecanógrafa se desplazara hasta allí. Durante la redacción llevaba por título «El último hombre en Europa».
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- Fecha
- 8 de junio de 1949
- Autor
- George Orwell, muerto siete meses después
- Aportación
- Gran Hermano, neolengua, doblepensar
1984 first edition coverMichael Kennard · Dominio público Lugar: Londres, Reino Unido · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: British Library · 1984 (novela) (Wikipedia)
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Warhol pinta latas de sopa
Warhol expone 32 cuadros casi idénticos de latas de sopa en una balda, como en un supermercado, y ataca así el gesto personal del artista. Arte y culturaEl 9 de julio de 1962, la galería Ferus de Los Ángeles inauguró la primera exposición individual de pintura de Andy Warhol: treinta y dos lienzos casi idénticos, uno por cada variedad de sopa que vendía entonces Campbell's. En vez de colgarlos, los colocaron en fila sobre una balda estrecha, como en el pasillo de un supermercado.
Ver la ficha completa de «Warhol pinta latas de sopa» →
- Fecha
- 9 de julio de 1962
- Lugar
- Galería Ferus, Los Ángeles
- Obra
- 32 lienzos, una sopa por variedad
- Movimiento
- Pop art
- Ojo
- Se exhibieron en una balda, como en tienda
Las «Latas de sopa Campbell» de Warhol, treinta y dos lienzos iguales.Brandon Fick · Dominio público Lugar: Los Ángeles, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Latas de sopa Campbell (Wikipedia) · MoMA — The Museum of Modern Art
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Nace el Día Internacional del Libro
La Unesco elige el 23 de abril por una coincidencia: es la fecha que figura en las actas de la muerte de Cervantes y de Shakespeare. Arte y culturaEn 1995 la Unesco fijó el 23 de abril como Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor, a propuesta de España. La fecha no conmemora un aniversario redondo: recoge una tradición y una coincidencia. La tradición es catalana, la jornada del libro que desde 1930 se celebra en Sant Jordi, con un libro y una rosa.
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- Fecha
- Instituido en 1995 para el 23 de abril
- Por qué ese día
- Muertes registradas de Cervantes y Shakespeare
- Detalle
- Cada país usaba un calendario distinto
Printing3 Walk of Ideas BerlinLienhard Schulz · CC BY 2.5 Mapa del mundo. Territorios del suceso: Reino Unido, España
Territorios: 2 territorios (fronteras del mapa de 1994 · pulsa uno para ver cuál es)
Empieza en: París, Francia · Ver en OpenStreetMapRelacionado
Fuentes: Unesco · Día Internacional del Libro (Wikipedia)
Las fechas del arte antiguo son aproximadas por naturaleza y a veces se discuten en siglos, no en años. Cuando la datación o la autoría están en debate, la ficha lo dice en vez de elegir un bando.
Cómo leer esta línea
Treinta y ocho mil años de gente haciendo cosas para ser miradas. Esta línea las pone en orden, y no como un catálogo de obras famosas sino como una cadena de decisiones: cada hito está aquí porque cambió algo —una técnica, una manera de mirar, quién tiene derecho a aparecer retratado—.
Por eso la Gioconda comparte sitio con un rollo chino del siglo XII, con los retratos de El Fayum y con un urinario firmado en 1917. Una historia del arte que empieza en Grecia y termina en París no es una historia del arte: es una historia del arte europeo con otro nombre.
Las obras que también son historia universal o historia de España —Altamira, la mezquita de Córdoba, Las Meninas, el Guernica— aparecen aquí en su sitio de la línea, pero su ficha completa vive en su colección. Ningún párrafo de esta web existe en dos direcciones distintas.
Preguntas frecuentes
¿Cuál es la obra de arte más antigua que se conoce?
Depende de qué se llame obra de arte. Hay conchas perforadas y pigmentos usados hace más de 100.000 años, y marcas abstractas más antiguas todavía. Si se pide una figura reconocible, hecha para representar algo, el hombre león de Hohlenstein-Stadel —una talla en marfil de mamut de unos 38.000 años— es de las candidatas más firmes. La frontera entre adorno, símbolo y arte no la puso nadie: la ponemos nosotros al mirar hacia atrás.
¿Por qué se considera que la perspectiva fue tan importante?
Porque convirtió la pintura en un problema con solución. Antes, la profundidad se sugería por tamaño o por costumbre; con la perspectiva lineal se podía calcular dónde va cada cosa. Eso hizo del cuadro una ventana coherente y, de paso, elevó al pintor a la categoría de quien domina una ciencia, que es parte de por qué el Renacimiento cambió también el estatus social del artista.
¿Un urinario puede ser arte?
Esa es exactamente la pregunta que Duchamp quería provocar en 1917, y por eso la Fuente está aquí. Su gesto trasladó la definición: si lo que hace arte a un objeto no es cómo está hecho sino la decisión de presentarlo como tal, entonces el arte deja de ser un oficio y pasa a ser un contexto. Se puede estar en desacuerdo —mucha gente lo está—, pero casi todo el arte del siglo XX discute con esa idea.
¿Por qué hay tan pocas mujeres en la historia del arte?
Porque durante siglos no se les permitió formarse. La academia les prohibía el estudio del desnudo, que era la base de la pintura de historia —el género de prestigio—, y los gremios les cerraban el paso. Hubo artistas mujeres muy buenas, de Artemisia Gentileschi a Sofonisba Anguissola, pero el problema no es que falten nombres que rescatar: es que el sistema producía menos, y luego el relato guardó todavía menos.
¿Dónde puedo ver estas obras?
Cada ficha lo dice y enlaza al museo o la institución que la custodia. Muchas están en museos con catálogo en línea de acceso libre —el Prado, el Rijksmuseum, el Met— donde se pueden ver en alta resolución sin pagar ni registrarse.
El mundo en ese momento
Gira el globo y mira cómo cambian las fronteras. Los países marcados son los que aparecen en los sucesos que tienes a la vista.
El globo en 3D se carga al llegar aquí. Si tu navegador no puede mostrarlo, no pasa nada: toda la información está en las fichas de arriba.