38.000 a.C.–1959
Línea del tiempo de la música: de dónde sale cada género: 38.000 a.C.–1959
70 sucesos · 2 de la historia universal, con su ficha completa allí
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Sucesos de Historia de la música, en orden
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Las flautas de hueso del Jura de Suabia
En las mismas cuevas donde aparece la escultura más antigua de Europa hay flautas talladas en hueso de buitre y en marfil. Son los instrumentos más antiguos que existen. MúsicaEn 2008, en la cueva de Hohle Fels, cerca de Ulm, apareció una flauta hecha con el radio de un buitre leonado: veintiún centímetros, cinco agujeros y dos muescas en forma de uve en el extremo por donde se sopla. En las cuevas vecinas de Geissenklösterle y Vogelherd habían salido otras, algunas de marfil de mamut, que es mucho más difícil de trabajar: hay que partir el colmillo, vaciar las dos mitades y volver a pegarlas.
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- Material
- Radio de buitre leonado y marfil de mamut
- Antigüedad
- Unos 40.000 años
- Dónde
- Hohle Fels, Geissenklösterle y Vogelherd (Suabia)
- Reconocimiento
- Patrimonio Mundial de la Unesco desde 2017
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Flauta paleolítica tallada en hueso.José-Manuel Benito · CC BY-SA 2.5 Lugar: Cueva de Hohle Fels, Suabia (Alemania) · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Cuevas y arte de la era glacial en el Jura de Suabia (Unesco) · Universidad de Tubinga, excavaciones del Paleolítico
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Las liras de la tumba real de Ur
En el cementerio real de Ur aparecieron cuatro liras enterradas con sus músicos. Son los instrumentos de cuerda más antiguos conservados y ya son objetos de lujo. Música- Cuándo
- Hacia 2500 a.C.
- Quién las encontró
- Leonard Woolley, entre 1922 y 1934
- Cuántas
- Cuatro liras y arpas
- Dónde están
- Museo Británico, Penn Museum y Museo de Irak
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Una de las liras del cementerio real de Ur, en el Museo Británico.https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_1928-1010-3 · CC BY-SA 4.0 Qué pasó
Entre 1922 y 1934 Leonard Woolley excavó el cementerio real de Ur y encontró, en las tumbas más ricas, cuatro instrumentos de cuerda de hacia el 2500 a.C. La madera se había podrido, pero el oro, el lapislázuli y la concha de la decoración habían dejado su huella en la tierra, y Woolley pudo vaciar el hueco con escayola para recuperar la forma.
El más conocido lleva delante una cabeza de toro barbado en oro y lapislázuli. Las cuerdas iban de un brazo a otro sobre una caja de resonancia; se tocaban con las dos manos, de pie o sentado. Junto a ellos había cuerpos: los músicos fueron enterrados con el resto del séquito.
Por qué importa
Porque enseña que hace cuatro mil quinientos años la música ya era un oficio con rango. No son instrumentos de andar por casa: llevan encima materiales traídos de Afganistán y del golfo Pérsico, y acompañaban a un rey al otro mundo.
Y porque de esas mismas ciudades salen, unos siglos después, las tablillas que explican cómo se afinaban las cuerdas. Ur da el objeto; Mesopotamia dará también el primer intento de escribir lo que suena.
Lugar: Ur, Mesopotamia (Irak) · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Museo Británico, colección de Mesopotamia · Encyclopaedia Britannica: Ur
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La melodía escrita más antigua, en una tablilla de Ugarit
Una tablilla de arcilla escrita en cuneiforme trae la letra de un himno y, debajo, instrucciones para tocarlo en una lira de nueve cuerdas. Es la primera partitura. MúsicaEn las excavaciones de Ras Shamra, la antigua Ugarit, aparecieron unas treinta tablillas con textos de himnos en lengua hurrita. Una de ellas, la que se conoce como h.6, está casi completa: es un himno a Nikkal, la diosa de los huertos. Debajo del texto hay una segunda línea con nombres de intervalos y números.
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- Cuándo
- Hacia 1400 a.C.
- Qué es
- Himno a la diosa Nikkal, tablilla h.6
- Idioma
- Hurrita, escrito en cuneiforme
- Quién lo descifró
- Anne Draffkorn Kilmer, 1974
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
La tablilla del himno hurrita: el texto y, debajo, la notación en cuneiforme.Unknown author Unknown author · Dominio público Lugar: Ugarit, costa de Siria · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Liras de Ur2500 a.C.Las instrucciones no dicen notas: dicen parejas de cuerdas de una lira de nueve, la misma familia de instrumento que se enterró en Ur mil años antes. Sin ese instrumento, la anotación no significa nada.
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Fuentes: Museo del Louvre, colección de Ugarit · Encyclopaedia Britannica: Ugarit
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Los pitagóricos miden la música con números
La escuela de Pitágoras descubre que los intervalos que suenan bien corresponden a razones simples de longitud de cuerda: 2:1, 3:2, 4:3. La música se vuelve aritmética. MúsicaSi se pisa una cuerda por la mitad, suena la misma nota más aguda: la octava, razón 2:1. A dos tercios sale la quinta, 3:2. A tres cuartos, la cuarta, 4:3. La escuela pitagórica, en la Crotona del siglo VI a.C., convirtió esa observación en un sistema: encadenando quintas puras una detrás de otra se puede construir toda una escala sin oído, solo con proporciones.
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- Cuándo
- Siglo VI a.C.
- Dónde
- Crotona, colonia griega del sur de Italia
- El hallazgo
- Octava 2:1, quinta 3:2, cuarta 4:3
- El problema
- Doce quintas puras no cierran la octava
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
El círculo de quintas no cierra; en el hueco queda el intervalo que se llama «lobo».Al12si · CC BY 4.0 Lugar: Crotona, sur de Italia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Stanford Encyclopedia of Philosophy: Pythagoras · Encyclopaedia Britannica: Pythagoreanism
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El epitafio de Sícilo, la primera pieza completa
Una columna de piedra con la letra y la melodía de una canción de cuatro versos. Es la composición más antigua que se conserva entera y se puede cantar hoy. Música- Cuándo
- Siglos I o II d.C.
- Qué es
- Estela funeraria con letra y melodía
- Cuánto dura
- Cuatro versos, poco más de un minuto
- Dónde está
- Museo Nacional de Dinamarca, Copenhague
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
La estela de Sícilo, con los signos de las notas escritos encima de la letra.Nationalmuseets fotograf · CC BY-SA 3.0 Qué pasó
La piedra apareció a finales del siglo XIX cerca de Trales, en Asia Menor. Es una estela funeraria que un tal Sícilo dedicó, probablemente, a su mujer. Encima del texto hay signos alfabéticos que indican la altura de cada sílaba, y unas rayas que indican la duración: con eso se puede cantar la melodía sin margen de duda.
La letra es una invitación a no amargarse: mientras vivas, brilla; la vida dura poco y el tiempo pasa cuentas. Hay fragmentos musicales griegos más antiguos, algunos de Eurípides, pero están rotos. Esta es la única composición de la Antigüedad que ha llegado completa.
Por qué importa
Porque es la primera vez que podemos oír algo, y no solo deducirlo. De la lira de Ur tenemos el objeto; del himno hurrita, un código discutido; de aquí tenemos la canción.
Y porque la notación griega no sobrevivió. Cuando Europa vuelva a necesitar escribir música, ocho siglos después, no la recuperará: tendrá que inventar otra cosa desde cero.
Lugar: Trales, cerca de la actual Aydın (Turquía) · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Pitagóricos530 a.C.Está escrito con la notación alfabética griega, unas letras encima del texto que solo significan algo porque antes se había fijado con proporciones qué es exactamente cada intervalo.
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Fuentes: Perseus Digital Library, textos griegos · Encyclopaedia Britannica: Greek music
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El gagaku entra en la corte japonesa
Japón crea una oficina de música de palacio y ordena el repertorio traído de China y Corea. El resultado se sigue tocando con los mismos instrumentos mil trescientos años después. Música- Cuándo
- Código Taihō, año 701
- Qué significa
- «Música elegante»
- Instrumentos
- Shō, hichiriki, ryūteki, biwa, koto y percusión
- Reconocimiento
- Patrimonio Inmaterial de la Unesco desde 2009
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Una orquesta de gagaku con sus instrumentos de siempre.Miya.m · CC BY-SA 3.0 Qué pasó
El código Taihō, de 701, crea entre los organismos del Estado japonés una oficina de música cortesana. Su trabajo era ordenar, enseñar y conservar el repertorio que había ido llegando del continente: piezas chinas de la corte Tang, coreanas, y algunas de más lejos, de Asia central y de la India.
En el siglo IX el repertorio se reorganizó y se fijó, y desde entonces se ha transmitido de maestro a discípulo dentro de un puñado de familias. Se toca con el shō —un órgano de boca de diecisiete tubos—, el hichiriki, la flauta ryūteki, laúdes, cítaras y percusión, y con un tempo tan lento que una pieza de cinco minutos escritos puede durar veinte.
Por qué importa
Porque es, con diferencia, la tradición orquestal viva más antigua del mundo. En Europa no queda nada que se toque hoy y se tocara en el año 900; aquí sí.
Y porque enseña un modelo distinto del europeo. Aquí no hubo una cadena de estilos que se van sustituyendo, sino un repertorio cerrado que el Estado decidió conservar tal cual. La música también puede no cambiar, si alguien paga para que no cambie.
Lugar: Corte imperial de Nara, Japón · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Patrimonio Cultural Inmaterial de la Unesco: gagaku · Encyclopaedia Britannica: gagaku
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Carlomagno impone un canto único para todo el imperio
El imperio carolingio funde el canto romano con el galicano y ordena que se cante igual en todas partes. De ahí sale el repertorio del que deriva toda la música occidental. MúsicaCada región cristiana tenía su propio canto: el romano, el galicano en Francia, el hispánico en la península, el ambrosiano en Milán. Pipino el Breve y después Carlomagno decidieron que en un imperio unificado la liturgia debía sonar igual de Aquisgrán a Roma, y mandaron adoptar el uso romano. Lo que salió de aquello no fue el canto romano puro, sino una mezcla de romano y galicano.
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- Cuándo
- Entre 754 y 800, aproximadamente
- Quién lo impone
- Pipino el Breve y Carlomagno
- De dónde sale
- Mezcla del canto romano y el galicano
- El nombre
- Se atribuye a Gregorio Magno, muerto en 604
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
El Graduale Aboense, un libro de canto llano medieval.Helsinki University Library, http://www.lib.helsinki.fi/yleistieto/historia.htm · Dominio público Lugar: Aquisgrán y los monasterios del imperio carolingio · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Francia, manuscritos litúrgicos · Encyclopaedia Britannica: Gregorian chant
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La India define el raga como forma musical
El tratado Brihaddeshi es el primero que usa la palabra raga con su sentido actual: no una escala, sino un molde melódico con carácter propio dentro del cual se improvisa. Música- Cuándo
- Brihaddeshi, en torno al siglo VIII
- Antes
- Natyashastra, entre 200 a.C. y 200 d.C.
- Qué es
- Un molde melódico con carácter, no una escala
- Hoy
- Base de las tradiciones hindustaní y carnática
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Tabla de los setenta y dos melakarta, las escalas madre de la tradición carnática.Charlie Rem · CC BY-SA 4.0 Qué pasó
El Natyashastra, el gran tratado indio de artes escénicas, ya describía hacia el cambio de era un sistema de escalas y de giros melódicos. Pero es el Brihaddeshi de Matanga, de en torno al siglo VIII, el primero que emplea la palabra raga para lo que hoy significa: un molde con notas propias, con notas de reposo, con adornos característicos y con un ambiente asociado.
Un raga no es una pieza. Es el marco dentro del cual un intérprete construye, esa noche y no otra, una interpretación que puede durar una hora. Muchos van además atados a un momento del día o a una estación, y tocarlos fuera de su hora se considera un error de sentido, no de afinación.
Por qué importa
Porque es el sistema modal más elaborado que existe y sigue vivo: la música clásica del norte y del sur de la India se organiza hoy exactamente así.
Y porque ofrece la comparación que aclara lo que hizo Europa. Aquí la complejidad está en la línea melódica y en el ritmo, y se juega en el tiempo. En Europa la complejidad se puso en apilar voces a la vez. Son dos caminos distintos desde un punto parecido.
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Fuentes: Sangeet Natak Akademi, academia nacional de artes escénicas de la India · Encyclopaedia Britannica: raga
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Bagdad ordena las escalas árabes en un sistema
Los teóricos abasíes traducen a los griegos y construyen con sus proporciones un catálogo propio de escalas, con intervalos que en Europa no existen. Música- Cuándo
- Siglos IX y X
- Quiénes
- Al-Kindi y al-Farabi
- Qué es
- Un sistema de modos melódicos con reglas de recorrido
- Diferencia
- Usa intervalos menores que el semitono europeo
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Tienda de instrumentos en Damasco, con los laúdes de mástil corto llamados oud.Vyacheslav Argenberg · CC BY 4.0 Qué pasó
En la Bagdad de los siglos IX y X se traduce en masa a los teóricos griegos, y con esas herramientas al-Kindi primero y al-Farabi después describen las escalas que se usaban de verdad en el mundo islámico. Al-Farabi mide los trastes del laúd y encuentra intervalos que no encajan en el sistema griego: distancias intermedias, más pequeñas que un tono y más grandes que un semitono.
De ahí sale, con los siglos, el sistema de maqamat: no son escalas a secas, sino recorridos. Un maqam dice qué notas hay, por dónde se entra, dónde se reposa, qué giros se esperan y con qué ánimo se asocia. Se improvisa dentro de él, no se compone con él.
Por qué importa
Porque es el otro gran sistema modal que sale del mismo tronco griego, y es una demostración de que de las mismas proporciones se pueden sacar músicas incompatibles: un piano occidental no puede tocar un maqam.
Y porque llega a Europa. Los tratados árabes circulan por al-Ándalus, y el laúd que hoy se llama así en castellano viene, hasta en el nombre, del oud.
Lugar: Bagdad, Califato abasí · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Pitagóricos530 a.C.Al-Kindi y al-Farabi trabajan sobre los tratados griegos traducidos en Bagdad y usan las mismas proporciones de cuerda, pero para ordenar un repertorio de escalas mucho más grande, con intervalos intermedios que los griegos no habían necesitado.
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Fuentes: El maqam iraquí, Patrimonio Inmaterial de la Unesco · Encyclopaedia Britannica: maqam
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Los neumas: se dibuja por dónde va la melodía
Encima de las palabras aparecen unos signos que dibujan si la voz sube o baja. Todavía no dicen cuánto, pero son el primer intento europeo de escribir música. Música- Cuándo
- Siglos IX y X
- Qué son
- Signos sobre el texto que dibujan el perfil melódico
- Manuscritos clave
- Cantatorium de San Galo, gradual de Laón
- Lo que no dicen
- La altura exacta de cada nota
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Neumas sobre el texto: dibujan la forma de la melodía, no su altura.MicheletB · Dominio público Qué pasó
En los manuscritos del siglo IX empiezan a aparecer, encima del texto latino, unos garabatos: una raya que sube, un ganchito que baja, una curva que hace las dos cosas. Son los neumas. No dicen qué nota es ni cuánto dura: dicen la forma del gesto, y sirven para recordar una melodía que ya se conoce.
Los mejores están en San Galo y en Laón, y son de una precisión asombrosa en todo lo que no es la altura: matizan el ataque, el peso de cada nota, dónde apoyarse. Lo único que no pueden hacer es enseñarle la pieza a quien no la ha oído nunca.
Por qué importa
Porque es la primera vez que Europa intenta guardar música en un soporte. Todo lo que viene detrás —el pentagrama, el compás, la partitura— son mejoras de este apaño.
Y porque su límite es lo que empuja el paso siguiente. Un sistema que solo sirve para recordar no sirve para difundir. En cuanto alguien añada líneas de referencia, el dibujo se convertirá en una altura exacta.
Lugar: Monasterios de San Galo, Laón y Metz · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Canto gregoriano800Carlomagno quería que el mismo repertorio sonara igual en todo el imperio y la memoria de cada monasterio no daba para eso. Los neumas nacen como una chuleta para quien ya se sabe la melodía.
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Francia, manuscritos musicales · Encyclopaedia Britannica: musical notation
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El organum: alguien canta una segunda voz
Un tratado del siglo IX explica cómo añadir una voz paralela al canto llano. Es el nacimiento de la polifonía, que va a ser la marca de la música europea. MúsicaEl tratado Musica enchiriadis, de finales del siglo IX, explica cómo doblar una melodía gregoriana con otra voz que va cuatro o cinco notas por debajo, moviéndose en paralelo. Es rudimentario y probablemente describe una práctica que ya se hacía, pero es la primera vez que aparece escrito.
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- Cuándo
- Finales del siglo IX
- Dónde se explica
- Tratado Musica enchiriadis
- Qué es
- Una segunda voz paralela al canto llano
- Después
- San Marcial de Limoges y Compostela, siglo XII
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Musica enchiriadis, el tratado del siglo IX que explica cómo doblar la voz.Unknown author Unknown author · Dominio público Lugar: Monasterios del norte de Francia y Renania · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Canto gregoriano800Se le pone una segunda voz por debajo, moviéndose en paralelo. El canto llano no desaparece: se queda de armazón, y encima se construye todo lo demás durante los siguientes seiscientos años.
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Francia, tratados medievales · Encyclopaedia Britannica: organum
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Guido de Arezzo pone líneas y la música se puede leer
Un monje añade líneas horizontales a los neumas y una clave que dice qué nota es cada línea. A partir de ahí se puede cantar una melodía sin haberla oído nunca. MúsicaGuido, monje en Arezzo, escribe hacia 1025 el Micrologus y sistematiza algo que ya se ensayaba: trazar líneas horizontales para que la posición vertical del neuma signifique una nota concreta, y marcar una de esas líneas con una letra que diga cuál es. Eso es la clave. Con cuatro líneas se podía escribir todo el canto llano.
Ver la ficha completa de «Guido de Arezzo pone líneas y la música se puede leer» →
- Cuándo
- Hacia 1025
- Quién
- Guido de Arezzo, monje benedictino
- Obra
- Micrologus
- También suyo
- Los nombres ut, re, mi, fa, sol, la
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Las líneas con su clave: a partir de aquí cada nota tiene una altura exacta.っ · CC BY 2.5 Lugar: Arezzo, Italia · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Neumas900Los neumas decían si la voz subía o bajaba, pero no cuánto: solo servían para recordar. Las líneas convierten ese dibujo en una altura exacta, y con eso la partitura deja de ser una chuleta y pasa a ser un mensaje.
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Fuentes: Biblioteca Apostólica Vaticana, manuscritos musicales · Encyclopaedia Britannica: Guido d'Arezzo
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Los trovadores cantan en su lengua y no en latín
En las cortes del sur de Francia aparecen poetas que componen su propia música, en occitano y sobre asuntos profanos. Es la primera canción de autor de Europa. Música- Cuándo
- Desde alrededor de 1100
- Dónde
- Occitania y de ahí a media Europa
- El primero conocido
- Guillermo IX de Aquitania
- Qué se conserva
- Unas 2.500 letras y bastantes menos melodías
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
El rey David con sus músicos, en una Biblia iluminada de Olomouc.Unknown illustrator, Czechoslovakia, 1417 A.D. · Dominio público Qué pasó
Hacia 1100, en las cortes occitanas, empieza a documentarse un oficio nuevo: el trovador, que escribe la letra y la música de sus canciones y las firma. El primero del que se conservan nombres y obra es Guillermo IX de Aquitania, que además era duque. No cantan en latín ni sobre asuntos religiosos: cantan en su lengua sobre el amor, la política y la guerra.
El modelo se extiende deprisa: troveros en el norte de Francia, Minnesänger en Alemania, la lírica galaicoportuguesa en la península. Se conservan unas dos mil quinientas letras y bastantes menos melodías, y las que hay están escritas sin indicación de duración, así que el ritmo con el que sonaban se discute todavía.
Por qué importa
Porque saca la música escrita de la iglesia. Hasta entonces, lo que se anotaba era liturgia; a partir de aquí también se anota lo que se canta para entretener a una corte.
Y porque inventa una figura que no se ha ido: el autor que firma. Antes de los trovadores, la música que se conserva es anónima casi por definición. Después, tiene nombre.
Lugar: Occitania, sur de Francia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Francia, cancioneros de trovadores · Encyclopaedia Britannica: troubadour
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Notre Dame estira el canto y aparece el ritmo medido
Léonin y Pérotin componen para la catedral en construcción organum a tres y cuatro voces, y para coordinarlos inventan una manera de escribir la duración. Música- Cuándo
- Entre 1160 y 1250, aproximadamente
- Quiénes
- Léonin y Pérotin
- Novedad
- Organum a tres y cuatro voces
- El invento
- Los seis modos rítmicos
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
El manuscrito Pluteo 29.1 de Florencia, la fuente principal de este repertorio.unknown artist, circa 1245-1255 A.D., Paris, possibly in the workshop of Johannes Grusch in Paris, · Dominio público Qué pasó
Mientras se levantaba la catedral de Notre Dame, en su entorno trabajaron dos músicos de los que apenas sabemos nada salvo lo que cuenta un estudiante inglés anónimo: Léonin, que compiló un libro de organum a dos voces, y Pérotin, que lo revisó y escribió piezas a tres y a cuatro.
El problema práctico era el ritmo. Con varias voces moviéndose a distinta velocidad hace falta decir cuánto dura cada nota, y para eso se usaron los modos rítmicos: seis moldes fijos, combinaciones de largas y breves, que se deducían de cómo iban agrupados los neumas. Rígido, pero suficiente para que cuatro personas encajaran.
Por qué importa
Porque es la primera música europea que suena compleja en el sentido moderno: varias líneas independientes, medidas, que hay que ensayar. Y es la primera que se puede fechar y atribuir con nombres.
Y porque el remedio del ritmo se queda corto enseguida. Seis moldes fijos no dan para todo lo que la gente quería escribir, y esa insuficiencia es exactamente lo que empuja el paso siguiente.
Lugar: Catedral de Notre Dame, París · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Organum900Es el organum llevado al extremo: sobre una sola nota del canto llano, sostenida durante compases enteros, las voces de arriba hacen decenas de notas.
- Pentagrama1025Cuatro voces distintas a la vez no se pueden coordinar de oído. Sin alturas escritas en líneas no hay manera de ensayar esto.
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Francia, manuscritos de Notre Dame · Encyclopaedia Britannica: Notre-Dame school
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El gamelán de Java, una orquesta de bronce afinada a sí misma
Conjuntos de gongs y metalófonos que se afinan como grupo, no según una escala universal: cada gamelán suena distinto de todos los demás y esa es la gracia. Música- Cuándo
- Documentado desde el siglo IX, cortesano desde el XIII
- Dónde
- Java y Bali
- Afinación
- Cada conjunto tiene la suya; slendro y pelog
- Reconocimiento
- Patrimonio Inmaterial de la Unesco desde 2021
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Un gamelán completo, en el Museo de la Música de Barcelona.Enfo · CC BY-SA 3.0 Qué pasó
En los relieves del templo de Borobudur, del siglo IX, ya aparecen instrumentos de la familia. Hacia el siglo XIII las cortes de Java tienen conjuntos organizados: filas de metalófonos, gongs colgados de distintos tamaños, tambores y a veces flauta y canto. La textura es de capas: los instrumentos graves marcan el ciclo, los agudos lo llenan de notas rápidas.
Lo más particular es la afinación. Un gamelán se funde entero de una vez y se afina sobre sí mismo, así que dos conjuntos no coinciden: no hay un la de referencia. Se usan dos sistemas, slendro de cinco notas y pelog de siete, y muchos conjuntos tienen los dos juegos completos para poder tocar en ambos.
Por qué importa
Porque es una manera de entender la orquesta distinta de la europea: aquí el instrumento no es cada pieza, sino el conjunto, que se compra y se afina como una unidad.
Y porque cambió la música europea. En la Exposición Universal de París de 1889 había un pabellón javanés con gamelán, y lo que Debussy oyó allí —escalas que no tiran hacia ninguna resolución, capas superpuestas— aparece cinco años después en su música.
Lugar: Java central, Indonesia · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Patrimonio Cultural Inmaterial de la Unesco: gamelán · Museo Metropolitano de Arte, instrumentos musicales
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El Ars nova aprende a escribir cualquier ritmo
Philippe de Vitry le da a cada figura un valor propio y admite la división en dos, no solo en tres. El ritmo se independiza del texto y del número de la Trinidad. Música- Cuándo
- Hacia 1322
- Quién
- Philippe de Vitry, obispo y músico
- Novedad
- Valores de duración propios y división binaria
- Reacción
- Bula Docta sanctorum patrum, 1324
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Página del tratado Ars nova atribuido a Philippe de Vitry.Philippe de Vitry · Dominio público Qué pasó
Hacia 1322 circula en París un tratado atribuido a Philippe de Vitry con el título Ars nova. Propone dos cosas. Una técnica: cada figura tiene su duración escrita, y se pueden usar valores más breves de los que había. Y una que sonaba a herejía: que una nota se pueda dividir en dos partes iguales, y no solo en tres.
Hasta entonces la división ternaria se consideraba perfecta porque remitía a la Trinidad. Admitir la binaria fue lo bastante escandaloso como para que en 1324 el papa Juan XXII publicara una bula quejándose de los músicos modernos que despedazaban las melodías. No sirvió de nada.
Por qué importa
Porque a partir de aquí se puede escribir, en principio, cualquier ritmo. La notación que usamos hoy es descendiente directa de esta: redondas, blancas, negras y corcheas son las figuras de Vitry con otros nombres.
Y porque separa la música de la palabra. Mientras el ritmo salía del texto latino, la música era un vehículo del texto. Con figuras propias puede llevar su propio pulso, y eso abre la puerta a toda la música instrumental que vendrá después.
Lugar: París · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Notre Dame1170La notación de Notre Dame medía el ritmo con seis moldes fijos deducidos del texto. Vitry le da a cada figura un valor propio, y con eso se puede escribir un ritmo que no estaba previsto en ningún molde.
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Francia, Roman de Fauvel · Encyclopaedia Britannica: Ars Nova
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Machaut escribe la primera misa firmada por un autor
Guillaume de Machaut compone las cinco partes del ordinario de la misa como una obra única, a cuatro voces. Antes eso se hacía a trozos y sin firmar. Música- Cuándo
- Hacia 1365
- Quién
- Guillaume de Machaut, canónigo de Reims
- Qué es
- Las cinco partes del ordinario, a cuatro voces
- Novedad
- Concebida y firmada como obra única
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
El Kyrie de la Misa de Notre Dame, en un manuscrito hecho bajo la supervisión de Machaut.manuscrito sob a supervisão do autor · Dominio público Qué pasó
Machaut era poeta y canónigo de Reims, y el músico más conocido de su siglo. Hacia 1365 compuso una misa completa —Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei— concebida como una sola obra, a cuatro voces, y se ocupó además de que sus manuscritos se copiaran ordenados y con su nombre.
Lo normal hasta entonces era que las partes de la misa se cantaran con música de procedencias distintas, reunida por quien dirigiera ese día. Aquí hay una intención de conjunto: partes que comparten material, un plan de principio a fin y una firma.
Por qué importa
Porque inaugura la idea de obra: un objeto musical cerrado, con autor, que se interpreta entero y no se despieza. Es el antepasado directo de la sinfonía y del álbum.
Y porque el propio Machaut se encargó de la posteridad. Preparó códices completos de su obra en un momento en que la mayoría de la música se copiaba suelta y se perdía. Buena parte de lo que sabemos del siglo XIV lo sabemos porque él lo ordenó.
Lugar: Catedral de Reims, Francia · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Ars nova1322Usa hasta el fondo las duraciones nuevas: hay pasajes en los que las cuatro voces llevan valores distintos a la vez, algo que con los moldes rítmicos anteriores era imposible de escribir.
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Francia, manuscritos de Machaut · Encyclopaedia Britannica: Guillaume de Machaut
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Las voces empiezan a imitarse unas a otras
Los músicos del norte inventan un modo de escribir en el que cada voz repite, un poco después, lo que ha dicho la anterior. Se convierte en la lengua común de Europa. Música- Cuándo
- Entre 1430 y 1520, aproximadamente
- De dónde
- Flandes, Borgoña y el norte de Francia
- La técnica
- Imitación entre voces de igual peso
- Nombre mayor
- Josquin des Prez
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Dufay y Binchois, los dos primeros nombres grandes de la escuela del norte.Master of the Missal of Paul Beye · Dominio público Qué pasó
Entre Dufay y Josquin, es decir, entre 1430 y 1520, los músicos formados en las catedrales de Flandes, Borgoña y el norte de Francia desarrollan una técnica: la imitación. Una voz enuncia un motivo, la siguiente lo repite unos compases después empezando por otra nota, la tercera igual. El resultado es un tejido en el que todas las voces valen lo mismo.
Esos músicos se exportan. Las capillas de Roma, Ferrara, Madrid o Viena contratan cantores del norte, y durante casi un siglo la música culta europea se escribe con acento flamenco de Nápoles a Cracovia. Josquin des Prez es el primero de la historia que llega a ser famoso como compositor en vida en toda Europa.
Por qué importa
Porque fija la técnica con la que se va a escribir en Europa durante trescientos años. La fuga de Bach es esto mismo, muy apretado y con reglas más estrictas.
Y porque es la primera vez que existe un estilo internacional. No es la música de una corte ni de un país: es un modo de hacer que viaja con las personas que lo saben hacer.
Lugar: Flandes, Borgoña y las capillas de media Europa · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Ars nova1322Se abandonan los armazones rítmicos rígidos del siglo XIV y las cuatro voces pasan a ser del mismo tipo: en vez de una melodía con acompañamiento, cuatro líneas que hacen lo mismo por turnos.
- Trovadores1100La otra mitad de lo que escriben estos autores no son misas: son chansons profanas en francés. Ese repertorio de canción cortesana en lengua vulgar viene en línea directa de los trovadores y los troveros, y lo que se le añade es la técnica de las cuatro voces que se imitan.
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Fuentes: KBR, Biblioteca Real de Bélgica · Encyclopaedia Britannica: Franco-Flemish school
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Petrucci imprime el primer libro de música
En Venecia sale el Odhecaton, noventa y seis canciones a varias voces impresas con tipos móviles. La música deja de copiarse a mano y empieza a venderse. Música- Cuándo
- 1501
- Quién
- Ottaviano Petrucci, con privilegio del Senado
- Qué
- 96 canciones a varias voces
- Cómo
- Tres pasadas por la prensa: líneas, notas y texto
Portada del Odhecaton, el primer libro de música impreso con tipos móviles.Museo internazionale e Biblioteca della musica di Bologna · Dominio público Qué pasó
Ottaviano Petrucci obtuvo del Senado de Venecia un privilegio de veinte años para imprimir música con tipos móviles, y en 1501 publicó el Harmonice Musices Odhecaton A: casi cien chansons a tres y cuatro voces de los mejores autores del momento. Lo hacía en tres pasadas por la prensa —primero las líneas, luego las notas, luego el texto— y las tres tenían que encajar al milímetro.
Era caro y lento, pero el efecto fue inmediato. Petrucci publicó después libros de misas de Josquin, de laúd y de frottole, y en pocas décadas la impresión musical se simplificó y se abarató en París, Núremberg y Amberes.
Por qué importa
Porque convierte la música en un producto. Antes existía un manuscrito en una capilla; ahora existen quinientos ejemplares que se venden a particulares en varias ciudades.
Y porque crea al aficionado. Cuando una familia acomodada puede comprar libros de partes y cantar en casa, aparece un mercado que no es la iglesia ni la corte. El madrigal, que llega treinta años después, es el primer género que nace pensando en ese comprador.
Lugar: Venecia · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Pentagrama1025Solo se puede imprimir con tipos algo que ya esté normalizado. Las cinco líneas, la clave y las figuras de duración son lo que permite fabricar un juego de piezas metálicas y combinarlas.
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Fuentes: Museo Internacional y Biblioteca de la Música de Bolonia · Encyclopaedia Britannica: Ottaviano dei Petrucci
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El madrigal: música profana para cantar en casa
Poemas italianos puestos a varias voces, sin solista y sin público: se cantan entre amigos alrededor de una mesa. Y la música empieza a imitar lo que dice la letra. Música- Cuándo
- Desde alrededor de 1530
- Cómo se vendía
- Libros de partes, un cuaderno por voz
- Textos
- Petrarca y la poesía italiana del momento
- Última generación
- Gesualdo y Monteverdi, hacia 1600
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Un libro de partes de madrigales de Arcadelt: un cuaderno por cada voz.Arcadelt, Jacques (1507?-1568). Compositeur Jachet de Berchem (1505?-1565?). Compositeur · Dominio público Qué pasó
Hacia 1530 se publican en Italia los primeros libros con el nombre de madrigales: poemas de Petrarca y de sus imitadores puestos a cuatro, cinco o seis voces. No hay acompañamiento ni solista; cada uno canta su parte de su cuaderno. Era música para hacer, no para escuchar.
Con las décadas los autores empezaron a ilustrar la letra con la música de forma casi literal: si el texto dice «suspiro», hay un silencio que corta la frase; si dice «huye», las voces salen corriendo en direcciones distintas. Hacia 1600, con Gesualdo y con el joven Monteverdi, la cosa llega a un punto de tensión que ya no da más de sí.
Por qué importa
Porque es la primera música pensada para gente que no es profesional y no está en una iglesia. La industria de la partitura doméstica, que durará hasta el fonógrafo, empieza aquí.
Y porque su callejón sin salida es fértil. Cuando cinco voces cargadas de efectos hacen imposible entender el poema, alguien propondrá lo contrario: una sola voz que se entienda y unos acordes debajo. De esa reacción sale la ópera.
Lugar: Florencia y Roma · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Franco-flamencos1450Es la técnica de imitación entre voces iguales aplicada por primera vez a un texto profano en lengua vulgar, y no a la liturgia en latín.
- Imprenta musical1501Nace ya impreso. Se vendía en libros de partes, un cuaderno por voz, para gente que cantaba en su casa: sin imprenta no hay ese comprador y sin ese comprador no hay género.
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Fuentes: Biblioteca Nacional Central de Florencia · Encyclopaedia Britannica: madrigal
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Palestrina y el pulso con el Concilio de Trento
Trento se planteó prohibir la polifonía en la iglesia porque no se entendía la letra. Palestrina publica una misa a seis voces donde cada palabra se oye. Música- Cuándo
- Publicada en 1567
- Quién
- Giovanni Pierluigi da Palestrina
- El contexto
- Sesión de 1562 del Concilio de Trento
- La leyenda
- Que salvó la polifonía; se fijó en 1828
Palestrina ensayando la misa ante los cardenales, en una estampa del XIX que fija la leyenda.Jazet, Jean-Pierre-Marie (1788-1871). Graveur de l'oeuvre reproduite Boulanger, Gustave (1824-1888). Peintre du modèle · Dominio público Qué pasó
El Concilio de Trento, en su sesión de 1562, se ocupó de la música de iglesia y pidió que se quitara todo lo lascivo o impuro y que la letra se entendiera. No prohibió la polifonía, aunque algunos cardenales querían. Cinco años después Giovanni Pierluigi da Palestrina publicó su Missa Papae Marcelli, a seis voces, con el texto perfectamente inteligible.
La historia bonita —que Palestrina salvó la música sacra tocándosela a los cardenales— se la inventaron después, y quien la fijó fue un biógrafo suyo en 1828. Lo que sí es cierto es que su manera de escribir se convirtió en el modelo oficial de música de iglesia y se enseñó como asignatura durante siglos.
Por qué importa
Porque es el primer caso documentado de una institución regulando cómo tiene que sonar la música, y de un autor respondiendo con una obra que demuestra que se puede cumplir sin renunciar a nada.
Y porque congela un estilo. El contrapunto de Palestrina se convirtió en norma de manual, y todavía en el siglo XX los estudiantes de composición aprendían a escribir como él antes de que se les dejara escribir como ellos.
Lugar: Roma · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Franco-flamencos1450Es la misma escritura imitativa del norte, pero domesticada: se limitan los saltos, se cuida que las voces no digan sílabas distintas a la vez y se recorta el adorno para que el texto se entienda.
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Fuentes: Biblioteca Apostólica Vaticana · Encyclopaedia Britannica: Palestrina
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Una voz arriba y acordes debajo: el bajo continuo
Se abandonan las voces iguales y se pasa a una melodía sola con un bajo debajo que lleva los acordes escritos en cifra. Es el nacimiento de la armonía moderna. MúsicaEn torno a 1600 empieza a imprimirse música con una línea de bajo bajo la cual hay números: la cifra dice qué acorde hay que montar encima, y el intérprete —clave, tiorba, órgano— lo rellena a su gusto. Arriba, una voz sola que canta el texto con libertad, siguiendo el habla más que un compás.
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- Cuándo
- En torno a 1600
- Quiénes
- La Camerata Fiorentina; Caccini, Peri, Cavalieri
- Cómo se escribe
- Una línea de bajo con números debajo
- Cuánto duró
- Hasta mediados del siglo XVIII
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Cantatas de Mazzaferrata: bajo la línea del bajo van las cifras que dicen qué acorde tocar.Mazzaferrata, Giovanni Battista (16..-1691). Compositeur · Dominio público Lugar: Florencia y Roma · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Madrigal1530Los madrigales acabaron tan cargados de voces y de efectos que la palabra se perdía. La Camerata de Florencia propone lo contrario: una sola voz que se entienda, y debajo un instrumento que sostenga la armonía.
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Fuentes: Biblioteca Nacional Central de Florencia · Encyclopaedia Britannica: continuo
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Monteverdi estrena «Orfeo» y la ópera se sostiene
Ya había habido experimentos cantados de principio a fin, pero se perdieron o aburrieron. El «Orfeo» de Mantua es el primero que sigue en los teatros cuatro siglos después. MúsicaEl 24 de febrero de 1607 se estrenó en el palacio ducal de Mantua L'Orfeo, de Claudio Monteverdi, ante la academia cortesana de los Gonzaga. No fue la primera obra cantada de principio a fin —en Florencia se habían representado antes Dafne y Euridice—, pero fue la primera que sigue en el repertorio cuatro siglos después.
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- Cuándo
- 24 de febrero de 1607
- Dónde
- Palacio Ducal de Mantua
- Antes
- Dafne (1598, perdida) y Euridice (1600), de Peri
- Primer teatro de pago
- San Cassiano, Venecia, 1637
Portada de la primera edición de «L'Orfeo» de Monteverdi.Claudio Monteverdi (1567–1643) · Dominio público Lugar: Palacio Ducal de Mantua, Italia · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Bajo continuo1600Sin una voz sola que se entienda sobre acordes sostenidos no hay manera de contar un drama cantando: con cinco voces imitándose, el público no se entera de la trama.
- Madrigal1530Monteverdi venía de escribir ocho libros de madrigales, y de ahí saca todo el repertorio de recursos para pintar una emoción con la música.
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Fuentes: Biblioteca Nacional Marciana, Venecia · Encyclopaedia Britannica: Claudio Monteverdi
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El oratorio: ópera sagrada para cuando cierran los teatros
La misma música de la ópera, con asunto bíblico, sin decorados y sin actuar. Nació para poder seguir tocando en Cuaresma y acabó siendo un género por derecho propio. Música- Cuándo
- Modelo fijado hacia 1648
- Quién
- Giacomo Carissimi, con Jephte
- De dónde viene el nombre
- Las salas de oración de Felipe Neri
- El más famoso
- El Mesías de Händel, Dublín, 1742
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Interpretación de «La Creación» de Haydn en Viena, en 1808.Balthasar Wigand · Dominio público Qué pasó
El nombre viene de las salas de oración de la congregación fundada en Roma por Felipe Neri en el siglo XVI, donde se cantaban historias sagradas. Con la llegada del estilo de la ópera, esas historias se compusieron con recitado, arias y coros: el Jephte de Giacomo Carissimi, de hacia 1648, es el modelo que copió todo el mundo.
El género viajó. En Alemania dio las pasiones de Bach; en Londres, ya en el siglo XVIII, dio a Händel el negocio de su vida cuando la ópera italiana dejó de venderse: El Mesías se estrenó en Dublín en 1742 y no ha dejado de tocarse desde entonces.
Por qué importa
Porque es el primer género grande que se hace para escuchar sentado, sin nada que mirar. Ahí empieza la costumbre del concierto tal como lo entendemos.
Y porque enseña cómo una restricción crea una forma. Sin la prohibición de representar en Cuaresma, este género probablemente no existiría.
Lugar: Roma · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Ópera1607Es la ópera menos la escena: mismos recitados, mismas arias, mismo coro. Lo que cambia es que el asunto es bíblico y que no se representa, y eso permitía hacerlo en Cuaresma, cuando los teatros tenían orden de cerrar.
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Fuentes: Handel Hendrix House, Londres · Encyclopaedia Britannica: oratorio
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La sonata: música sin letra que se sostiene sola
Lo que se cantaba encima del bajo continuo se le da a un violín. Sin texto que la sostenga, la música tiene que inventar sus propias razones para durar diez minutos. Música- Cuándo
- Género formado hacia 1650
- Qué significa
- «Lo que se toca», frente a cantata
- Dos clases
- Da chiesa, de iglesia; da camera, de danzas
- Quién la fija
- Arcangelo Corelli, entre 1681 y 1700
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Fragmento de una sonata de Azzolino della Ciaja.User:Istituto Europeo di Musica PRESS Teramo · CC BY-SA 3.0 Qué pasó
La palabra sonata solo quería decir «lo que se toca», por oposición a cantata, «lo que se canta»; aparece ya en Gabrieli a finales del siglo XVI. A mediados del XVII, en Bolonia y Roma, se convierte en un género con forma: varios movimientos de carácter distinto, para uno o dos violines y bajo continuo.
Se distinguían dos clases. La sonata da chiesa, de iglesia, en cuatro movimientos alternando lento y rápido; y la sonata da camera, que es en el fondo una suite de danzas. Arcangelo Corelli publica sus colecciones entre 1681 y 1700 y las convierte en el manual de todo el mundo.
Por qué importa
Porque es el primer repertorio instrumental que se toma en serio a sí mismo. Antes, la música sin voz era acompañamiento o baile; a partir de aquí puede ser el asunto principal de una velada.
Y porque obliga a inventar la arquitectura. Sin texto no hay nada que diga cuándo termina una pieza, así que hay que construir razones internas: temas que vuelven, tonalidades que se alejan y regresan. De ese problema saldrán la forma sonata y, con ella, la sinfonía y el cuarteto.
Lugar: Bolonia y Roma · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Bajo continuo1600Es literalmente lo mismo con el cantante sustituido por un violín: una o dos líneas melódicas arriba y el bajo con sus cifras debajo. Lo que desaparece es la letra, y con ella el motivo por el que una pieza empieza y termina.
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Fuentes: Museo Internacional y Biblioteca de la Música de Bolonia · Encyclopaedia Britannica: sonata
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El concerto grosso: pocos contra muchos
Un grupo pequeño de solistas dialoga con la orquesta entera. El juego de contraste entre pocos y muchos se convierte en el motor de la música instrumental. Música- Cuándo
- Desde los años 1680
- Los dos grupos
- Concertino, de solistas; ripieno, la orquesta
- La colección clave
- Los doce de Corelli, publicados en 1714
- Descendiente famoso
- Los Conciertos de Brandeburgo de Bach
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Arcangelo Corelli, que convirtió el concerto grosso en un género con reglas.Autor desconocido (dominio público) · Dominio público Qué pasó
En la Roma de los años ochenta del siglo XVII, con orquestas grandes pagadas por cardenales, se empieza a alternar un grupo reducido de solistas —el concertino— con toda la cuerda —el ripieno—. Alessandro Stradella tiene ejemplos tempranos; Corelli lo convierte en género y sus doce concerti grossi, publicados en 1714 después de su muerte, se tocan en toda Europa.
De ahí sale una manera de construir que llega hasta hoy: un material que vuelve una y otra vez tocado por todos, y entre vuelta y vuelta episodios en los que los solistas se apartan del camino. Es el molde de los Conciertos de Brandeburgo de Bach.
Por qué importa
Porque inventa el contraste de masa como recurso. Antes, el color de una pieza dependía de las voces; ahora depende de cuánta gente toca a la vez, que es un parámetro nuevo.
Y porque prepara el terreno para la figura del solista. En cuanto ese grupo pequeño se reduzca a una sola persona, aparecerá el concierto tal como se anuncia hoy en cualquier cartel.
Lugar: Roma · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Sonata1650Es una sonata en trío a la que se le añade una orquesta que le contesta. El grupo de solistas es exactamente la plantilla de la sonata: dos violines y bajo.
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Fuentes: Museo Internacional y Biblioteca de la Música de Bolonia · Encyclopaedia Britannica: concerto grosso
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Cristofori construye un clave que suena fuerte y flojo
Un constructor de los Medici sustituye la púa que pellizca la cuerda por un macillo que la golpea y rebota. Por primera vez un teclado responde a la fuerza del dedo. MúsicaEl clave pellizcaba la cuerda con una púa: sonaba siempre igual, dieras la tecla como la dieras. Bartolomeo Cristofori, encargado de los instrumentos de Fernando de Médici en Florencia, resolvió el problema con un mecanismo de macillos que golpean la cuerda y rebotan inmediatamente para no apagarla. Un inventario de 1700 ya menciona un «arpicémbalo que hace el piano y el forte».
Ver la ficha completa de «Cristofori construye un clave que suena fuerte y flojo» →
- Cuándo
- Documentado en 1700
- Quién
- Bartolomeo Cristofori, en Florencia
- El invento
- Macillos que golpean y rebotan
- Nombre original
- «Arpicémbalo que hace el piano y el forte»
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Un piano de cola de concierto, descendiente directo del mecanismo de Cristofori.Steinway & Sons, 10 Rondenbarg, Hamburg D-22525, Germany, eu.steinway.com . Steinway & Sons, 1 Steinway Place, Long Island City, New York 11105, The United States, www.steinway.com . · CC BY-SA 3.0 Lugar: Florencia, taller de los Medici · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Museo Metropolitano de Arte, pianos de Cristofori · Encyclopaedia Britannica: Bartolomeo Cristofori
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Vivaldi pone a una sola persona delante de la orquesta
«L'estro armonico» fija el concierto en tres movimientos con un solista enfrentado a la orquesta. Se convirtió en el modelo europeo, y Bach lo copió a mano para estudiarlo. Música- Cuándo
- 1711
- Dónde se publica
- Ámsterdam, editor Estienne Roger
- Qué es
- Doce conciertos, opus 3
- Quién lo estudió
- Bach, copiando y arreglando varios
Portada de la primera edición de «L'estro armonico», Ámsterdam, 1711.Antonio Vivaldi · Dominio público Qué pasó
Antonio Vivaldi trabajaba en el Ospedale della Pietà de Venecia, un orfanato de niñas con un nivel instrumental extraordinario. En 1711 el editor Estienne Roger publica en Ámsterdam su opus 3, L'estro armonico: doce conciertos que se venden por toda Europa y que fijan un molde de tres movimientos con un ritornello orquestal que va y viene entre las intervenciones del solista.
El éxito fue enorme. Johann Sebastian Bach copió a mano varios de esos conciertos y los arregló para teclado, que era su manera de estudiar. Vivaldi acabó escribiendo unos quinientos, entre ellos los cuatro de Las cuatro estaciones.
Por qué importa
Porque inventa la figura del solista tal como se entiende hoy: alguien que se pone delante, con nombre en el cartel, y al que se va a ver.
Y porque establece la forma de tres movimientos que aún se usa. Un concierto de violín escrito el año pasado sigue teniendo, casi siempre, la misma sucesión rápido-lento-rápido que Vivaldi imprimió en 1711.
Lugar: Venecia · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Concerto grosso1680El grupo de solistas se reduce a una sola persona, y de paso los cuatro movimientos de la sonata de iglesia se quedan en tres: rápido, lento, rápido. Ese esquema sigue vigente.
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Fuentes: Biblioteca Nacional Marciana, Venecia · Encyclopaedia Britannica: Antonio Vivaldi
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Bach afina el teclado para las veinticuatro tonalidades
Encadenar quintas puras dejaba media docena de tonalidades inservibles. Si se reparte el error, se puede tocar en las veinticuatro, y Bach escribe una pieza en cada una. Música- Cuándo
- Primer libro, 1722; segundo, hacia 1742
- Qué es
- 24 preludios y fugas, uno por tonalidad
- El problema
- La coma que sobra al encadenar quintas puras
- Lo que se discute
- Qué temperamento exacto usaba Bach
Portada de «El clave bien temperado» de Bach.User:Joonasl · Dominio público Qué pasó
Un teclado tiene doce teclas por octava y hay que decidir dónde se pone exactamente cada una. Con la afinación heredada de los griegos, unas tonalidades sonaban espléndidas y otras, sencillamente, mal; los teclistas evitaban esas últimas. Durante el siglo XVII se ensayaron repartos del error, los llamados temperamentos.
En 1722 Johann Sebastian Bach reunió en Köthen veinticuatro preludios y fugas, uno en cada tonalidad mayor y menor, y tituló la colección El clave bien temperado. Veinte años después escribió un segundo libro igual. No dijo qué temperamento concreto usaba, y eso se sigue discutiendo.
Por qué importa
Porque abre el mapa. Con las veinticuatro tonalidades disponibles, una pieza puede viajar lejos de su punto de partida y volver, y ese viaje es el motor de casi toda la música de los dos siglos siguientes.
Y porque establece un compromiso que seguimos aceptando. La afinación de un piano de hoy no tiene ni un solo intervalo perfectamente puro salvo la octava: todos están un poco mal a cambio de que ninguno esté fatal.
Lugar: Köthen, Alemania · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Pitagóricos530 a.C.Doce quintas puras encadenadas no vuelven a la nota de partida: sobra una coma, y esa coma se acumula en una tonalidad concreta que queda impracticable. Templar consiste en repartir ese error entre todas.
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Fuentes: Biblioteca Estatal de Berlín, manuscritos de Bach · Encyclopaedia Britannica: The Well-Tempered Clavier
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«La serva padrona»: el entreacto se come la función
Una comedia en dos partes de veinte minutos, puesta entre los actos de una ópera seria, acabó siendo más famosa que la ópera que la albergaba. La gente corriente sube al escenario. MúsicaEl 28 de agosto de 1733 se estrenó en el teatro San Bartolomeo de Nápoles una ópera seria de Giovanni Battista Pergolesi, entonces de veintitrés años, titulada «Il prigionier superbo». Entre sus actos, como era costumbre para que el público descansara del argumento heroico, se representó un intermedio cómico con dos cantantes y un criado que no abre la boca en toda la obra: «La serva padrona», la historia de una sirvienta que maniobra hasta casarse con su amo.
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- Cuándo
- 28 de agosto de 1733
- Quién
- Giovanni Battista Pergolesi
- Qué era
- Un intermedio entre los actos de una ópera seria
- La pelea
- Querelle des Bouffons, París, 1752
«L'elisir d'amore» de Donizetti, ópera bufa del siglo XIX, en una función moderna.Bengt Nyman · CC BY 2.0 Lugar: Teatro San Bartolomeo, Nápoles · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Ópera1607Nace dentro de ella, literalmente: son los intermedios cómicos que se representaban entre los actos de la ópera seria para que el público descansara. Se hicieron independientes.
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Fuentes: Conservatorio de San Pietro a Majella, Nápoles · Encyclopaedia Britannica: opera buffa
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La obertura se sale del teatro y se hace sinfonía
La pieza en tres tiempos que abría las óperas italianas se empieza a tocar sola, fuera del teatro. En cincuenta años se convierte en la forma central de la música europea. MúsicaHacia 1730 en Milán, con Sammartini, y desde 1741 en Mannheim, con la orquesta del príncipe elector dirigida por Johann Stamitz, empiezan a escribirse piezas orquestales independientes con ese esquema. La orquesta de Mannheim tenía fama europea por su disciplina: se hablaba de sus crescendos, de que los arcos subían y bajaban a la vez, cosas que entonces no eran normales.
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- Cuándo
- Desde alrededor de 1730-1740
- De dónde sale
- La obertura de las óperas italianas
- Dónde se forma
- Milán, con Sammartini; Mannheim, con Stamitz
- Quién la fija
- Haydn, con 104 sinfonías
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Una orquesta al completo, la plantilla que la sinfonía acabó normalizando.HarmonieO&U at Dutch Wikipedia · Dominio público Lugar: Mannheim y Milán · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Ópera1607La obertura italiana, rápida-lenta-rápida, se tocaba para que el público se callara antes de que subiera el telón. Empieza a programarse sola en conciertos, y una vez fuera del teatro deja de tener que anunciar nada.
- Concierto solista1711De ahí viene el reparto en tres movimientos y la idea de que la orquesta entera puede sostener un discurso sin voces.
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Fuentes: Museo Nacional de Baden, orquesta de Mannheim · Encyclopaedia Britannica: symphony
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Haydn deja a cuatro personas hablando entre ellas
Dos violines, viola y violonchelo, sin bajo continuo y sin nadie que mande. Se convierte en el formato donde los compositores prueban lo que no se atreven a hacer en público. Música- Cuándo
- Primeros cuartetos hacia 1757-1762
- Quién
- Joseph Haydn
- Plantilla
- Dos violines, viola y violonchelo
- El salto
- Opus 33, de 1781
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Un cuarteto de cuerda: dos violines, viola y violonchelo.musicians: anonymous recording: Dieter Leckschat · CC BY-SA 4.0 Qué pasó
Según contó él mismo de viejo, Haydn escribió sus primeros cuartetos hacia finales de los años cincuenta para el barón Fürnberg, en cuya casa de campo había justamente esos cuatro instrumentistas disponibles. La anécdota puede estar retocada, pero el punto es real: la plantilla se fijó por conveniencia y luego resultó que funcionaba extraordinariamente bien.
Con su opus 33, de 1781, Haydn dijo que estaban escritos «de una manera enteramente nueva»: los cuatro se pasan el material, se interrumpen, discuten. Mozart le dedicó seis cuartetos después de estudiarlos, y Beethoven se pasó los últimos años de su vida escribiendo casi solo esto.
Por qué importa
Porque quita el andamio. Sin bajo continuo, la armonía tiene que salir de las cuatro líneas mismas, y eso obliga a una escritura mucho más fina que la de una orquesta, donde siempre hay quien tape.
Y porque se convierte en el laboratorio. Es barato de reunir, no necesita público y no hay dónde esconderse: por eso los compositores lo han usado durante dos siglos para probar lo que todavía no se atreven a estrenar.
Lugar: Baja Austria · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Sonata1650Es la sonata sin bajo continuo: se quita el teclado que rellenaba la armonía y se reparte ese trabajo entre los cuatro que quedan, que pasan a ser todos igual de importantes.
- Sinfonía1740Hereda el reparto en movimientos y la manera de desarrollar un tema, pero con una persona por línea en vez de veinte.
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Fuentes: Casa de Haydn, museos de la ciudad de Viena · Encyclopaedia Britannica: string quartet
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Gluck le quita a la ópera los adornos del cantante
La ópera seria se había convertido en un desfile de arias para lucimiento del divo. Gluck estrena «Orfeo y Eurídice» con la música al servicio del drama y sin florituras. MúsicaEl 5 de octubre de 1762 se estrenó en el Burgtheater de Viena Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck, con libreto de Ranieri de' Calzabigi. El mito era el de siempre: Orfeo baja al infierno a buscar a su esposa muerta, la recupera con la condición de no mirarla y la pierde por mirarla. Lo nuevo era cómo estaba contado.
Ver la ficha completa de «Gluck le quita a la ópera los adornos del cantante» →
- Cuándo
- 5 de octubre de 1762
- Dónde
- Burgtheater de Viena
- Quiénes
- Gluck y el libretista Calzabigi
- El manifiesto
- Prefacio de Alceste, 1769
Figurín de Orfeo para la ópera de Gluck.Alfredo Edel Colorno · CC BY-SA 4.0 Lugar: Burgtheater, Viena · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Ópera1607Vuelve al propósito original de 1607 —que la música cuente un drama— después de siglo y medio en que las arias se habían convertido en un escaparate para el cantante.
- Ópera bufa1733De la bufa toma que la acción no se detenga y que los personajes hablen como personas: recursos que la seria había perdido.
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Fuentes: Museos de la ciudad de Viena · Encyclopaedia Britannica: Christoph Willibald Gluck
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Cuatro compañías de Anhui llegan a Pekín
Cuatro compañías viajan a la capital para el cumpleaños del emperador, se quedan y mezclan su estilo con los locales. De ahí sale la ópera de Pekín. Música- Cuándo
- 1790, con formación hasta mediados del siglo XIX
- El motivo
- Los ochenta años del emperador Qianlong
- Qué mezcla
- Estilos de Anhui, Hubei y Pekín
- Reconocimiento
- Patrimonio Inmaterial de la Unesco desde 2010
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
El maquillaje de la ópera de Pekín dice de un vistazo el carácter del personaje.Art Poskanzer from Berkeley, USA · CC BY 2.0 Qué pasó
En 1790, para celebrar los ochenta años del emperador Qianlong, cuatro grandes compañías teatrales de la provincia de Anhui viajaron a Pekín. Gustaron, se quedaron y durante las décadas siguientes su manera de cantar se cruzó con la de las compañías de Hubei y con los estilos que ya se hacían en la capital. Hacia 1850 el resultado tenía identidad propia.
Es teatro total: canto, recitado, acrobacia y combate, con una orquesta pequeña de cuerdas y percusión que marca cada gesto. Los papeles se reparten en cuatro tipos fijos, y el maquillaje de la cara dice de un vistazo el carácter del personaje: el rojo es lealtad, el blanco traición.
Por qué importa
Porque es el género escénico más importante de China y sigue funcionando: se estudia en escuelas que forman a un intérprete desde niño, porque hay que cantar, actuar y dar volteretas a la vez.
Y porque enseña otra manera de que nazca un género: no por un invento técnico, sino porque una fiesta de palacio junta en la misma ciudad a compañías que hasta entonces no se habían oído entre ellas.
Lugar: Pekín, China · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Patrimonio Cultural Inmaterial de la Unesco: ópera de Pekín · Encyclopaedia Britannica: Peking opera
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Beethoven escribe la Tercera y la sinfonía cambia de tamaño
Dura el doble que cualquier sinfonía anterior, empieza con dos acordes secos y pone una marcha fúnebre de segundo movimiento. Después de esto el género es otra cosa. MúsicaBeethoven la compuso entre 1802 y 1804 y se tocó en privado en el palacio del príncipe Lobkowitz antes de estrenarse en público en Viena, en abril de 1805. Dura unos cincuenta minutos cuando lo normal eran veinticinco. El primer movimiento solo ya es más largo que muchas sinfonías enteras de Haydn.
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- Cuándo
- Compuesta en 1802-1804, estreno público en 1805
- Duración
- Unos 50 minutos, el doble de lo habitual
- La dedicatoria
- A Napoleón, retirada al proclamarse emperador
- Segundo movimiento
- Marcha fúnebre
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Portada de la partitura de la Sinfonía Heroica.Autor desconocido (dominio público) · Dominio público Lugar: Viena · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Sinfonía1740Es la forma de Haydn llevada al límite: los mismos cuatro movimientos y la misma manera de desarrollar temas, pero con el doble de duración y con una idea detrás que ordena el conjunto.
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Fuentes: Casa de Beethoven, Bonn · Encyclopaedia Britannica: Eroica Symphony
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Schubert convierte un poema en una escena de tres minutos
En «El rey de los elfos», el piano no acompaña: es el caballo galopando en la noche. Voz y teclado se reparten el relato a partes iguales. Música- Cuándo
- «Erlkönig», 1815
- Quién
- Franz Schubert, con dieciocho años
- Texto
- Balada de Goethe
- Cuántos escribió
- Más de 600 lieder
Portada de «Dichterliebe», el ciclo de lieder de Schumann.C. F. Peters · CC BY 4.0 Qué pasó
En 1815, con dieciocho años, Franz Schubert puso música a una balada de Goethe: un padre cabalga de noche con su hijo enfermo en brazos mientras el niño dice que el rey de los elfos lo llama. Schubert escribe un galope continuo de tresillos en el piano que no para hasta el último verso, y da a la voz cuatro registros distintos para el narrador, el padre, el niño y el elfo.
Compuso más de seiscientos lieder en dieciocho años. Después vinieron los ciclos —Die schöne Müllerin, Winterreise—, colecciones de veinte o veinticuatro canciones que cuentan una historia seguida y se interpretan enteras.
Por qué importa
Porque inventa el formato de la canción como pieza artística breve, con música pensada palabra por palabra, y crea un repertorio de cámara que sigue llenando salas.
Y porque la relación entre voz y acompañamiento cambia para siempre. Después de esto, un acompañamiento que solo dobla la melodía se considera pobre, y esa exigencia llega intacta hasta la canción de autor del siglo XX.
Lugar: Viena · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Piano1700El instrumento es la condición del género. Un teclado que responde a la fuerza del dedo puede sostener solo la mitad del drama, y eso convierte al pianista en narrador en vez de acompañante.
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Fuentes: Museos de la ciudad de Viena, casa de Schubert · Encyclopaedia Britannica: lied
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El nocturno y la pieza corta de salón
Piezas de cuatro minutos, difíciles de tocar y fáciles de escuchar, escritas para el piano que ya hay en todos los salones. Chopin publica sus tres primeros nocturnos. Música- Cuándo
- Opus 9 de Chopin, 1832
- Quién lo inventa
- John Field, hacia 1812
- Duración típica
- Entre tres y seis minutos
- La familia
- Estudio, impromptu, mazurca, vals, preludio
Primera edición del Nocturno op. 15 n.º 3 de Chopin.Schlesinger'sche Buch-und Musikhandlung, · Dominio público Qué pasó
El género lo había inventado el irlandés John Field en San Petersburgo hacia 1812: melodía cantabile en la derecha, arpegios amplios en la izquierda sostenidos con el pedal. Frédéric Chopin publicó en 1832 sus tres primeros, el opus 9, y llevó la fórmula mucho más lejos en armonía y en libertad de tempo.
El nocturno es una pieza de una familia grande: junto a él están el impromptu, el estudio, la mazurca, el vals, el preludio. Todos comparten lo mismo: duran pocos minutos, caben en un salón y se venden impresos a un público que los va a tocar en casa.
Por qué importa
Porque es el primer repertorio que existe gracias a un mercado doméstico de masas. La partitura de salón fue, durante todo el siglo XIX, lo que después sería el disco.
Y porque el uso del pedal como parte de la escritura cambia el sonido del piano: la armonía deja de ser una sucesión de acordes y pasa a ser una neblina que se sostiene, algo que Debussy llevará al extremo sesenta años después.
Lugar: París · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Piano1700Existen porque existe el mueble. Cuando cada casa acomodada tiene un piano y alguien que lo estudia, aparece un mercado enorme para piezas breves que una persona sola pueda tocar.
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Fuentes: Instituto Fryderyk Chopin, Varsovia · Encyclopaedia Britannica: nocturne
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El flamenco sale de las casas a los cafés cantantes
Andalucía lleva décadas cantando por soleá y seguiriya en fiestas privadas. En 1842 abre en Sevilla el primer local donde se paga por escucharlo. Música- Dónde
- Andalucía y Extremadura
- Primer café cantante
- Sevilla, hacia 1842
- Unesco
- Patrimonio Inmaterial desde 2010
- Se organiza en
- Palos: soleá, seguiriya, bulerías, tangos…
Fecha discutida entre historiadores.
«Spanish Dancer», de John Singer Sargent.John Singer Sargent · Dominio público Qué pasó
El flamenco no lo inventa nadie: se cuaja a lo largo del siglo XVIII en Andalucía y Extremadura, en el cruce de los cantes de las comunidades gitanas con la música popular andaluza, los romances castellanos y ecos moriscos y afrocaribeños. Durante casi cien años vive en fiestas privadas y en reuniones familiares, sin escenario y sin público que pague.
El cambio es de negocio antes que de música. Hacia 1842 abre en Sevilla el primero de los cafés cantantes, locales donde se cobra la entrada y hay un cuadro fijo de cantaores, guitarristas y bailaoras. En treinta años los hay en toda Andalucía y en Madrid. Al haber tablao hay repertorio, hay figuras con nombre y hay quien vive de esto: el flamenco se profesionaliza.
Por qué importa
Es una de las pocas músicas populares europeas anteriores a la grabación que llega entera al siglo XXI, con su sistema propio de palos —soleá, seguiriya, bulerías, tangos, fandangos— y su forma de contar el compás, que no es la de la música clásica europea.
La Unesco lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad en 2010. Y sigue ramificándose: el flamenco se cruzó con el jazz en los años setenta, con el rock, con la rumba y, ya en este siglo, con la electrónica y el trap, sin que ninguna de esas mezclas haya sustituido al cante de siempre.
Lugar: Sevilla, España · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial (Unesco) · Instituto Cervantes
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Liszt escribe orquesta que cuenta algo y no se divide en movimientos
Una sola pieza continua, con título y con un argumento detrás. La forma deja de venir del molde heredado y pasa a venir de lo que se quiere contar. Música- Cuándo
- Desde 1848; el nombre, en 1854
- Quién
- Franz Liszt, en Weimar
- Cuántos escribió
- Trece
- La técnica
- Transformación temática
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Liszt en su gabinete de Weimar, donde escribió los poemas sinfónicos.Louis Held · Dominio público Qué pasó
Franz Liszt, instalado en Weimar como director de la corte, compuso desde 1848 una serie de obras orquestales en un solo movimiento con títulos literarios: Tasso, Los preludios, Mazeppa. En 1854 empezó a llamarlas poemas sinfónicos. Escribió trece.
El truco técnico es lo que se llama transformación temática: en vez de tener varios temas contrastantes, se toma uno y se le cambia el carácter —lento y triste, rápido y triunfal, en marcha— para que sirva en toda la pieza. Así se sostiene media hora sin la estructura heredada.
Por qué importa
Porque parte a la música culta europea en dos bandos que se pelearon durante cincuenta años: los que creían que la música debía contar algo, con Liszt y Wagner, y los que creían que debía valerse de sus propias formas, con Brahms.
Y porque le da a los nacionalismos su herramienta. Si una obra puede tratar de un río, de una batalla o de un cuento, se puede escribir música orquestal sobre lo propio en vez de sobre los moldes vieneses.
Lugar: Weimar, Alemania · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Sinfonía Heroica1804Beethoven ya había demostrado que una obra orquestal podía tratar de algo. Liszt da el paso siguiente: si la idea manda, el reparto en cuatro movimientos deja de tener sentido y se suprime.
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Fuentes: Fundación Clásica de Weimar · Encyclopaedia Britannica: symphonic poem
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Cinco rusos deciden no componer como alemanes
Un químico, un ingeniero, dos militares y un pianista se juntan en San Petersburgo para escribir música rusa con material ruso, y no copias del conservatorio alemán. Música- Cuándo
- Agrupados en torno a 1856-1862
- Quiénes
- Balákirev, Cui, Músorgski, Borodín y Rimski-Kórsakov
- El nombre
- Se lo puso el crítico Stásov en 1867
- Obras
- Borís Godunov, El príncipe Ígor, Cuadros de una exposición
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Los cinco compositores del «puñado poderoso».Autor desconocido (dominio público) · Dominio público Qué pasó
En torno a 1860 se agrupan en San Petersburgo Mili Balákirev, César Cui, Modest Músorgski, Alexánder Borodín y Nikolái Rimski-Kórsakov. Ninguno era músico profesional: Borodín era químico de prestigio, Rimski oficial de marina, Músorgski funcionario. El crítico Vladímir Stásov los bautizó en 1867 como «el puñado poderoso».
Trabajaban con canción popular rusa, con escalas que no son las del conservatorio y con temas nacionales: Borís Godunov, El príncipe Ígor, Cuadros de una exposición. Enfrente tenían a Chaikovski y al conservatorio, que defendían la técnica europea.
Por qué importa
Porque es el modelo de todos los nacionalismos musicales que vienen después, de Chequia a Noruega y a España: coger el material de casa y meterlo en las formas grandes.
Y porque su armonía se acaba imponiendo. Las escalas raras de Músorgski y de Rimski llegan a París y las usan Debussy y Ravel; Stravinski fue alumno de Rimski. De aquí sale buena parte del siglo XX.
Lugar: San Petersburgo · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Poema sinfónico1849El poema sinfónico permitía que una obra tratara de algo concreto. Estos aprovechan esa licencia para que ese algo sean cuentos, paisajes y canciones de su país en vez de los moldes que se enseñaban en Leipzig.
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Rusia · Encyclopaedia Britannica: The Five
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«Tristán e Isolda» deja la armonía sin suelo
Wagner suprime los números cerrados, hace que la orquesta lleve el relato con motivos que vuelven, y abre la obra con un acorde que tarda cuatro horas en resolverse. MúsicaEl 10 de junio de 1865 se estrenó «Tristán e Isolda» en el Teatro de la Corte de Múnich, bajo la dirección de Hans von Bülow y pagada por Luis II de Baviera. La ópera venía de fracasar en Viena, donde se abandonó tras decenas de ensayos con el veredicto de que era inejecutable. La situación en Múnich tenía su propio nudo: la mujer del director, Cosima, era ya amante de Wagner.
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- Cuándo
- 10 de junio de 1865
- Dónde
- Teatro de la Corte de Múnich
- La novedad
- Música continua y motivos que se transforman
- El acorde
- Sin tonalidad clara; se resuelve cuatro horas después
Los dos primeros Tristán e Isolda, en el estreno de Múnich de 1865.Josef Albert · Dominio público Lugar: Teatro de la Corte, Múnich · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Reforma de Gluck1762Es la idea de Gluck llevada hasta el final: si la música sirve al drama, no puede haber arias que se puedan aplaudir por separado. Wagner quita directamente las costuras.
- Poema sinfónico1849De Liszt, que además era su suegro, toma la transformación temática: unos pocos motivos que cambian de carácter y sostienen horas de música sin repetirse.
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Fuentes: Festival de Bayreuth, archivo · Encyclopaedia Britannica: Tristan und Isolde
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Edison consigue que una máquina repita lo que ha oído
Un cilindro con papel de estaño y una aguja que graba el surco al hablar. Por primera vez el sonido deja de ser algo que solo existe mientras dura. MúsicaEn 1877, en su laboratorio de Menlo Park, Thomas Edison montó un cilindro forrado de papel de estaño con una aguja unida a una membrana. Al hablar, la aguja hundía un surco de profundidad variable; recorriéndolo de nuevo se recuperaba el sonido. Lo primero que grabó, según él, fue una canción infantil.
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- Cuándo
- 1877
- Quién
- Thomas Edison, en Menlo Park
- Cómo
- Cilindro con papel de estaño y aguja
- El paso siguiente
- El disco plano de Berliner, 1887
Edison con su fonógrafo.Levin C. Handy (per http://hdl.loc.gov/loc.pnp/cwpbh.04326 ) · Dominio público Lugar: Menlo Park, Nueva Jersey · Ver en OpenStreetMap
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Quién está detrás
- Alexander Graham Bell1847–1922 · InventorEn su laboratorio Volta, con su primo Chichester Bell y Charles Tainter, mejoró la máquina de Edison; el resultado, el grafófono, se patentó en 1886.
- Thomas Alva Edison1847–1931 · InventorInventó a finales de 1877 la primera máquina capaz de grabar y reproducir sonido.
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Fuentes: Biblioteca del Congreso, National Jukebox · Encyclopaedia Britannica: phonograph
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El tango se baila en los arrabales del Río de la Plata
En los barrios de las dos orillas del Plata se mezclan la habanera cubana, la milonga criolla y el candombe afrouruguayo. Sale un baile abrazado y en dos por cuatro. Música- Dónde
- Buenos Aires y Montevideo
- De qué se mezcla
- Habanera, milonga y candombe
- Su instrumento
- El bandoneón, llegado de Alemania
- Unesco
- Patrimonio Inmaterial desde 2009
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Baile de tango en Buenos Aires.Jenny Mealing · CC BY 2.0 Qué pasó
Buenos Aires y Montevideo son en esos años ciudades de inmigrantes: llegan italianos, españoles, polacos, y conviven con la población criolla y con los descendientes de africanos esclavizados. En los arrabales y en los locales de baile se cruzan la habanera que viene de Cuba, la milonga criolla y el candombe afrouruguayo. De ese cruce sale el tango.
Al principio es sobre todo un baile, y de mala reputación: se practica en sitios que la gente decente no pisa. La instrumentación se fija pronto —violín, flauta, guitarra y, desde principios del siglo XX, el bandoneón alemán, que le da el color que hoy lo identifica—. En los años veinte ya se canta, y Carlos Gardel lo convierte en música de letra.
Por qué importa
Es el primer género de música popular latinoamericana que triunfa en Europa: hacia 1913 hay academias de tango en París y en Londres, y el escándalo de que la pareja baile abrazada es parte del atractivo. Ese viaje de ida y vuelta —lo que se desprecia en casa se acepta cuando vuelve aprobado desde fuera— se repetirá luego con otros muchos géneros.
La Unesco lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial en 2009, en una candidatura presentada conjuntamente por Argentina y Uruguay, que es la manera diplomática de resolver una discusión de más de un siglo sobre en qué orilla nació.
Lugar: Buenos Aires y Montevideo · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial (Unesco) · Encyclopædia Britannica
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La ópera baja a los jornaleros con «Cavalleria rusticana»
Un concurso para óperas en un acto lo gana un desconocido con una historia de adulterio y navaja entre campesinos sicilianos. Se acabaron los dioses y los emperadores. MúsicaEl editor milanés Sonzogno había convocado un concurso para óperas en un acto de autores jóvenes, al que se presentaron decenas de partituras. Lo ganó Pietro Mascagni, un desconocido de veintiséis años que se ganaba la vida dirigiendo la banda municipal de Cerignola, en Apulia, con Cavalleria rusticana, basada en un relato de Giovanni Verga: un pueblo siciliano, un adulterio y un duelo a navaja el domingo de Pascua.
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- Cuándo
- 17 de mayo de 1890
- Quién
- Pietro Mascagni, con 26 años
- De dónde sale
- Un relato de Giovanni Verga
- La pareja
- Se representa junto a Pagliacci, de 1892
Pietro Mascagni, autor de «Cavalleria rusticana».Garo, John H., 1870-1939, photographer · Dominio público Lugar: Teatro Costanzi, Roma · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Ópera bufa1733La bufa ya había subido al escenario a criados y taberneros, pero para hacer reír. El verismo se queda con la gente corriente y le quita la comedia: los mismos personajes, en tragedia.
- Drama musical1865De Wagner toma la orquesta continua y densa, y que la música no se detenga para que alguien luzca la voz.
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Fuentes: Teatro de la Ópera de Roma, archivo histórico · Encyclopaedia Britannica: verismo
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Debussy deja que un acorde no vaya a ninguna parte
Diez minutos de orquesta en los que la armonía no empuja hacia ninguna resolución: los acordes están ahí por su color. Empieza otra manera de oír. MúsicaEl 22 de diciembre de 1894 se estrenó en París el Preludio a la siesta de un fauno, diez minutos de orquesta inspirados en un poema de Mallarmé. Empieza con una flauta sola que baja y sube por un intervalo ambiguo, sin acompañamiento y sin decir en qué tonalidad estamos. El público pidió que se repitiera entera allí mismo.
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- Cuándo
- 22 de diciembre de 1894
- Sobre qué
- Un poema de Stéphane Mallarmé
- El detonante
- El gamelán javanés de la Exposición de 1889
- Qué usa
- Escalas de tonos enteros y modos antiguos
Nijinsky como el fauno, en un diseño de Léon Bakst.Léon Bakst · Dominio público Lugar: París · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Gamelán1200En la Exposición Universal de París de 1889 había un pabellón javanés con gamelán. Debussy lo oyó y encontró lo que buscaba: escalas que no tiran hacia ninguna nota final y capas superpuestas que no se resuelven.
- Drama musical1865De Wagner toma la armonía que se escapa de la resolución, y le quita todo lo demás: el drama, la duración y el volumen.
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Francia, manuscritos de Debussy · Encyclopaedia Britannica: Claude Debussy
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El ragtime pone a bailar al piano
Pianistas afroamericanos del Medio Oeste tocan melodías sincopadas sobre un bajo regular. Es la primera música negra que se vende en partituras a toda América. Música- Quién
- Scott Joplin, entre otros
- La pieza
- «Maple Leaf Rag», 1899
- El truco
- Bajo regular, melodía sincopada encima
- Cómo se vendía
- En partituras, no en discos
Un cakewalk filmado en 1903, el baile que acompañaba al ragtime.American Mutoscope and Biograph Company · Dominio público Qué pasó
El ragtime es un truco rítmico convertido en género: la mano izquierda del pianista marca un pulso regular, casi de marcha, y la derecha toca una melodía sincopada que cae sistemáticamente donde no se la espera. Ese desajuste —el «rag», el desgarrón— es todo el asunto, y viene de la manera de tocar de los pianistas afroamericanos del valle del Misisipi.
En 1899 Scott Joplin publica en Sedalia el «Maple Leaf Rag» y vende cientos de miles de partituras. Es un hecho comercial importante: en una época sin discos, la música se compra en papel y se toca en casa, y el ragtime es la primera música de origen afroamericano que entra por esa puerta en los salones de todo el país.
Por qué importa
Porque enseña a la música popular estadounidense a sincopar, y esa es la materia prima del jazz. Los primeros músicos de Nueva Orleans tocaban rags, y la palabra «jazz» aparece cuando esas piezas empiezan a improvisarse en vez de leerse.
También marca el patrón de lo que va a pasar una y otra vez durante el siglo: una música creada por músicos negros se convierte en un éxito nacional a través de una industria —aquí, la de las partituras— cuyos beneficios se quedan casi enteros en otras manos.
Lugar: Sedalia, Misuri, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Biblioteca del Congreso de Estados Unidos · Encyclopædia Britannica
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El blues aparece en el delta del Misisipi
De los cantos de trabajo y las «field hollers» de las plantaciones sale una forma fija: doce compases, tres acordes y una voz que se contesta a sí misma. MúsicaEl blues no tiene fecha de nacimiento porque no nace de una vez. Viene de los cantos de trabajo de las plantaciones, de los «field hollers» —gritos largos y sin pulso fijo con los que un trabajador se hacía oír a distancia— y de las baladas y los himnos que circulaban por el sur de Estados Unidos después de la abolición. La primera vez que alguien lo describe por escrito es en 1903: el compositor W. C. Handy cuenta que oyó a un hombre tocar la guitarra con un cuchillo sobre las cuerdas en una estación de tren de Misisipi.
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- Dónde
- Delta del Misisipi
- Primera descripción escrita
- W. C. Handy, 1903
- La forma
- Doce compases y tres acordes
- Primera grabación
- «Crazy Blues», Mamie Smith, 1920
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
B. B. King.Eric Draper · Dominio público Lugar: Delta del Misisipi, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
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Relacionado
Fuentes: Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana (Smithsonian) · Biblioteca del Congreso de Estados Unidos
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El son baja de la sierra a La Habana
En el oriente de Cuba se junta la guitarra española con los tambores y la clave de origen africano. El resultado viaja a La Habana y de ahí al mundo entero. Música- Dónde
- Oriente de Cuba, luego La Habana
- Lo que aporta cada lado
- Guitarra y estrofa de España; clave y tambor de África
- Su instrumento propio
- El tres cubano
- Su estructura
- Canto y montuno con coro que responde
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
El Sexteto Habanero, uno de los primeros grupos que grabó son.Unknown author Unknown author · Dominio público Qué pasó
El son se forma en el oriente rural de Cuba a finales del siglo XIX, y es un encuentro muy concreto: la parte armónica y la estructura de estrofas vienen de la guitarra y la canción españolas; el ritmo, los tambores y la clave —ese patrón de cinco golpes que organiza todo lo demás— vienen de África occidental y central. Encima se añade el tres, una guitarra cubana de tres órdenes dobles.
Hacia 1910 llega a La Habana con los soldados y los migrantes del oriente, y allí se le añaden la trompeta y el contrabajo. En los años veinte, los sextetos y septetos de son son el sonido de la ciudad, y las grabaciones lo mandan a México, a Nueva York y a África occidental, donde músicos senegaleses y congoleños lo adoptarán y lo devolverán transformado.
Por qué importa
Porque su estructura —una parte cantada seguida de un montuno donde el solista improvisa y el coro responde— es el molde de casi toda la música bailable del Caribe hispano, y directamente el de la salsa. La clave del son sigue siendo la cuadrícula sobre la que se coloca todo.
Su viaje también explica algo que se repite: el son llegó a África en discos en los años treinta, allí se convirtió en la rumba congoleña y el soukous, y esa música volvió a América décadas después. La circulación no fue nunca en una sola dirección.
Lugar: Santiago de Cuba · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Smithsonian Folkways Recordings · Encyclopædia Britannica
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«La consagración de la primavera» y el ritmo como asunto
Stravinski pone el acento donde no toca, superpone tonalidades y convierte el ritmo en el protagonista. El estreno acabó a gritos y a golpes en la sala. MúsicaEl 29 de mayo de 1913, la compañía de Diáguilev estrenó en el recién inaugurado Teatro de los Campos Elíseos de París un ballet de Ígor Stravinski con coreografía de Vaslav Nijinsky. El argumento es un rito pagano de la Rusia prehistórica en el que una muchacha elegida baila hasta morir. La obra arranca con un fagot solo tocando en un registro tan agudo que apenas suena a fagot, y hubo risas desde los primeros compases.
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- Cuándo
- 29 de mayo de 1913
- Dónde
- Teatro de los Campos Elíseos, París
- Compañía
- Ballets Rusos de Diáguilev, coreografía de Nijinsky
- La novedad
- Acentos desplazados, compás cambiante, politonalidad
Diseño de Nicholas Roerich para el estreno de «La consagración de la primavera».Nicholas Roerich · Dominio público Lugar: Teatro de los Campos Elíseos, París · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Los Cinco1862Stravinski fue alumno de Rimski-Kórsakov, y el material de la obra son melodías de canción popular rusa tratadas como células que se repiten y se desplazan.
- Impresionismo1894De Debussy, a quien trataba, toma la libertad de que la armonía no tenga que ir a ninguna parte: eso deja el sitio libre para que lo ocupe el ritmo.
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Fuentes: Biblioteca Nacional de Francia, fondo de los Ballets Rusos · Encyclopaedia Britannica: The Rite of Spring
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Se graba el primer disco de jazz
Nueva Orleans llevaba veinte años mezclando blues, ragtime y bandas de metales. En 1917 se graba por primera vez y el género sale del barrio. MúsicaNueva Orleans era a principios de siglo una ciudad con bandas de metales por todas partes —desfiles, funerales, bailes— y con una mezcla de población criolla francófona, afroamericana y europea poco frecuente en el resto del país. Ahí se junta el repertorio de las bandas con el ragtime y con el blues, y alguien empieza a improvisar sobre los temas en lugar de tocarlos tal cual.
Ver la ficha completa de «Se graba el primer disco de jazz» →
- Dónde
- Nueva Orleans
- Primer disco
- Original Dixieland Jass Band, 1917
- Lo que introduce
- El solo improvisado como centro
- Quién lo cambia todo
- Louis Armstrong, años veinte
Louis Armstrong.World-Telegram staff photographer · Dominio público Lugar: Nueva Orleans y Nueva York, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Blues1903Le toma las blue notes, la forma de doce compases y la idea de que la nota se dobla y se arrastra en vez de tocarse recta.
- Ragtime1897Hereda la síncopa del piano de ragtime, pero deja de leerla en la partitura y empieza a improvisarla.
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Fuentes: Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana (Smithsonian) · Biblioteca del Congreso de Estados Unidos
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Se graba la primera samba en Río de Janeiro
«Pelo Telefone» se registra en 1917 y da nombre a una música que venía de las rodas bahianas trasplantadas a los barrios cariocas. Música- Dónde
- Río de Janeiro, desde Bahía
- Primera samba registrada
- «Pelo Telefone», 1917
- Dónde se cocinó
- Las casas de las tías bahianas
- Escolas de samba
- Desde 1928
Una roda de samba en el barrio de Tijuca, Río de Janeiro.Lgjunior · CC BY-SA 4.0 Qué pasó
La samba llega a Río en el equipaje de las familias afrobrasileñas que bajan de Bahía a finales del siglo XIX y se instalan en la zona del puerto. En las casas de las «tías bahianas» —la más famosa, Tía Ciata— se toca, se baila y se cocina, y de esas reuniones sale una música con percusión abundante, síncopa continua y respuesta coral.
En 1917 se registra «Pelo Telefone» como la primera samba, aunque la autoría se discutió desde el primer día y era más bien una obra colectiva de aquel círculo. En los años treinta aparecen las escolas de samba y el carnaval de Río se organiza alrededor de ellas: la música pasa de ser cosa de un barrio a ser símbolo nacional, con el empujón deliberado del Estado.
Por qué importa
Porque es la base rítmica de la música brasileña moderna y el punto de partida de la bossa nova, del samba-rock y de buena parte de la MPB. Su forma de colocar los acentos —adelantando la nota, nunca en el sitio recto— es reconocible en cualquier música que la haya tocado.
Y porque su historia enseña cómo una música perseguida puede acabar siendo bandera oficial: la policía disolvía las rodas a principios de siglo, y treinta años después el gobierno de Vargas la promovía como la música del Brasil.
Lugar: Río de Janeiro, Brasil · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Smithsonian Folkways Recordings · Encyclopædia Britannica
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El highlife suena en los clubes de la Costa de Oro
Bandas de metales de la costa ghanesa tocan ritmos akan con instrumentos europeos. Se llama highlife por la gente de vida alta que llenaba aquellos clubes. Música- Dónde
- Costa de Oro, hoy Ghana
- De qué se mezcla
- Ritmos akan, bandas europeas y son cubano
- De dónde viene el nombre
- De la «vida alta» de los clubes
- Su heredero
- El afrobeat nigeriano
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Ebo Taylor, veterano del highlife ghanés.Schorle · CC BY-SA 3.0 Qué pasó
En los puertos de la actual Ghana, la música tradicional akan se encuentra con las bandas militares y los instrumentos que trajo la administración colonial británica, y con los discos de son cubano que llegaban en los barcos. De esa mezcla salen orquestas que tocan ritmos locales con metales, guitarras y batería.
El nombre viene de fuera de la música: las clases populares llamaban «high life» a la vida de los que podían pagar la entrada de aquellos clubes elegantes, y el nombre se le quedó pegado a lo que allí sonaba. En los años cincuenta y sesenta es la música dominante en África occidental.
Por qué importa
Porque es el punto de partida de una de las ramas africanas más influyentes: de él sale el afrobeat de Fela Kuti, y de ese linaje, décadas después, los afrobeats que hoy llenan estadios.
Y porque demuestra que la circulación fue de ida y vuelta: el son cubano que alimenta al highlife era a su vez música con raíces africanas que había cruzado el Atlántico tres siglos antes en condiciones muy distintas.
Lugar: Accra, Ghana · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Smithsonian Folkways Recordings · Encyclopædia Britannica
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Schoenberg escribe una regla para que no haya tonalidad
Se ordenan las doce notas en una serie y no se repite ninguna hasta agotarla. Así ninguna manda sobre las demás y la tonalidad desaparece por construcción. MúsicaArnold Schoenberg llevaba desde 1908 escribiendo música sin tonalidad, pero por intuición, y eso solo daba para piezas cortas: sin un centro, nada dice cuándo termina algo. Entre 1921 y 1923 formuló el método: se elige un orden de las doce notas de la escala cromática, la serie, y se usa esa serie —al derecho, al revés, invertida, transportada— como material de toda la obra.
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- Cuándo
- Formulado entre 1921 y 1923
- Quién
- Arnold Schoenberg
- La regla
- Una serie con las doce notas, sin repetir hasta agotarla
- Los alumnos
- Alban Berg y Anton Webern
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Una serie dodecafónica: las doce notas, sin repetir ninguna.Foamposite · CC BY-SA 3.0 Lugar: Viena · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Drama musical1865El cromatismo de «Tristán» ya había dejado el centro tonal sin sitio fijo. Schoenberg deja de disimular y escribe un método que garantiza que ese centro no pueda aparecer.
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Fuentes: Centro Arnold Schönberg, Viena · Encyclopaedia Britannica: twelve-tone music
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Las sesiones de Bristol inventan la música country
Un cazatalentos graba durante dos semanas a músicos rurales de los Apalaches. Salen de ahí la Carter Family y Jimmie Rodgers, y con ellos un género. Música- Cuándo
- Julio y agosto de 1927
- Quién lo organiza
- Ralph Peer, cazatalentos
- Los dos hallazgos
- La Carter Family y Jimmie Rodgers
- De dónde viene
- Baladas británicas, himnos y blues
Riders in the Sky, en la tradición del country del oeste.No machine-readable author provided. Rossstatham assumed (based on copyright claims). · CC BY-SA 2.5 Qué pasó
En julio y agosto de 1927, el productor Ralph Peer monta un estudio improvisado en un almacén de Bristol, en la frontera de Tennessee y Virginia, y anuncia en el periódico que paga por grabar. Se presentan músicos de los Apalaches con un repertorio de baladas británicas e irlandesas heredadas, himnos religiosos y canciones aprendidas de vecinos negros.
De esas dos semanas salen los dos pilares del género: la Carter Family, con su forma de tocar la guitarra y su repertorio de canciones familiares, y Jimmie Rodgers, que canta blues con yodel y se convierte en la primera estrella del country. Se las llama a menudo el «big bang» de la música country.
Por qué importa
Porque documenta el momento en que una música rural sin nombre se convierte en un producto con catálogo, público y mercado. Peer no fue a Bristol a hacer antropología: fue a buscar canciones que pudiera registrar y vender.
Y porque el country es una de las dos mitades del rock and roll. Cuando en los cincuenta un cantante blanco del sur cante rhythm and blues con la guitarra y el fraseo del country, saldrá otra cosa.
Lugar: Bristol, Tennessee, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Blues1903Jimmie Rodgers canta blues de doce compases con acento del sur rural: el country nace ya mezclado con la música negra que tenía al lado.
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Fuentes: Biblioteca del Congreso de Estados Unidos · Encyclopædia Britannica
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Thomas Dorsey mete el blues en la iglesia
Un pianista de blues empieza a escribir canciones religiosas con armonías y ritmo de blues. Las iglesias negras del norte lo adoptan y nace el góspel moderno. Música- Quién
- Thomas A. Dorsey, antes «Georgia Tom»
- La canción
- «Take My Hand, Precious Lord», 1932
- Su voz
- Mahalia Jackson
- Lo que aporta
- La llamada y respuesta y el canto libre
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Kurt Carr y sus cantantes, en un concierto de góspel.White House photo by Eric Draper · Dominio público Qué pasó
Thomas A. Dorsey se ganaba la vida como pianista de blues con el nombre de Georgia Tom cuando, tras la muerte de su mujer y su hijo, se pasó a la música religiosa. Su idea fue sencilla y escandalosa: escribir canciones de iglesia con la armonía, el ritmo y la libertad vocal del blues. «Take My Hand, Precious Lord», de 1932, es la más conocida.
Las congregaciones afroamericanas del norte, engrosadas por la Gran Migración desde el sur, lo adoptaron. Con Mahalia Jackson como voz principal, el góspel salió de los templos a las salas de conciertos y a los discos, sin dejar de ser música de culto.
Por qué importa
Porque es la escuela de canto de la música popular del siglo XX. Casi todos los grandes intérpretes de soul —Aretha Franklin, Sam Cooke, Ray Charles— aprendieron a cantar en una iglesia, y lo que hicieron después fue tomar esa manera de cantar y cambiarle la letra.
Y porque instaló la llamada y respuesta entre solista y coro como uno de los mecanismos básicos de la música popular: se oye en el soul, en el funk, en el hip hop y en cualquier estadio coreando un estribillo.
Lugar: Chicago, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Blues1903Dorsey venía de acompañar a cantantes de blues y trasladó a los himnos su armonía y su manera de arrastrar la nota, que a muchos pastores les pareció música del diablo.
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Fuentes: Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana (Smithsonian) · Smithsonian Folkways Recordings
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El swing llena las pistas de baile
El jazz crece hasta la big band, se escribe en arreglos y se convierte en la música de baile mayoritaria de Estados Unidos durante diez años. Música- Cuándo
- Su década va de 1935 a 1945
- El formato
- Big band de quince o más músicos
- Los nombres
- Ellington, Basie, Goodman, Henderson
- De dónde el nombre
- De la manera desigual de dividir el pulso
Una banda de swing.Joshua Maisel · CC BY-SA 4.0 Qué pasó
A mediados de los treinta el jazz cambia de escala. Las orquestas de Fletcher Henderson, Count Basie, Duke Ellington y Benny Goodman tienen quince o más músicos repartidos en secciones —metales, saxos, ritmo— y funcionan con arreglos escritos que enfrentan a unas secciones con otras. El nombre alude a la manera de dividir el pulso, con el tiempo desigual que hace que la música empuje.
En 1935 una emisión de radio de la banda de Benny Goodman desde California desata el fenómeno, y durante una década el swing es la música popular de Estados Unidos, con salas de baile llenas y una industria detrás. La segregación seguía intacta: las orquestas negras vendían menos y cobraban menos por tocar lo mismo.
Por qué importa
Porque es la única vez que el jazz ha sido la música mayoritaria y bailable de un país entero, y eso condiciona todo lo que viene después: el bebop nace como reacción a esto.
Y porque profesionalizó la industria musical estadounidense —agencias, giras nacionales, radio en cadena, sellos— con una maquinaria que luego heredarían el rock and roll y el pop.
Lugar: Nueva York y Kansas City, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Jazz1917Es el jazz agrandado y organizado: lo que en Nueva Orleans improvisaban siete músicos a la vez, aquí lo tocan quince leyendo arreglos, con los solos reservados a momentos concretos.
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Fuentes: Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana (Smithsonian) · Encyclopædia Britannica
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El bebop devuelve el jazz a los músicos
Charlie Parker y Dizzy Gillespie tocan más rápido, con más acordes y sin pensar en el bailarín. El jazz deja de ser música de baile y se vuelve música para escuchar. Música- Dónde
- Minton's Playhouse, Harlem
- Quiénes
- Parker, Gillespie, Monk, Clarke
- Qué cambia
- Deja de ser música de baile
- Por qué aparece de golpe
- Una huelga impidió grabar entre 1942 y 1944
Howard McGhee y Miles Davis, en 1947.William P. Gottlieb · Dominio público Qué pasó
A principios de los cuarenta, en los locales de Harlem donde los músicos tocaban después de su trabajo en las big bands —el Minton's Playhouse sobre todo—, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Kenny Clarke desarrollan otra manera de tocar: tempos muy rápidos, melodías angulosas, acordes sustituidos por otros más complejos y la batería marcando el pulso en el platillo en vez de en el bombo.
Las grabaciones de 1945, con Parker y Gillespie juntos, son el momento en que aquello sale del club. Una huelga del sindicato de músicos entre 1942 y 1944 había impedido grabar casi nada, así que el bebop apareció en disco ya formado, sin fase intermedia.
Por qué importa
Porque parte el jazz en dos. Deja de ser la música con la que baila el país y se convierte en música de concierto, tocada para quien escucha; el público se reduce y el prestigio artístico sube. Todo el jazz posterior —el cool, el hard bop, el modal, el free— sale de esa bifurcación.
Y porque fue una afirmación deliberada: músicos negros construyendo un lenguaje difícil de copiar en una industria que llevaba décadas vendiendo versiones blancas y suavizadas de lo que ellos inventaban.
Lugar: Harlem, Nueva York, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Swing1935Es una reacción contra él: mismos temas de partida, pero a velocidad imposible de bailar, con armonía mucho más densa y grupos pequeños en vez de orquesta.
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Fuentes: Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana (Smithsonian) · Encyclopædia Britannica
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El mento es la música de baile de la Jamaica rural
Guitarra, banjo, maracas y una caja de resonancia con lengüetas metálicas. Es la base rural jamaicana sobre la que después se montará todo lo demás. Música- Dónde
- Jamaica rural
- Instrumentos
- Guitarra, banjo, maracas y rumba box
- Se confundía con
- El calipso de Trinidad
- Primeras grabaciones
- Finales de los años cuarenta
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Joseph «Powda» Bennett, de The Jolly Boys, veteranos del mento.Bryan Ledgard · CC BY 2.0 Qué pasó
El mento es la música de baile del campo jamaicano, formada durante el siglo XIX y grabada por primera vez a finales de los cuarenta. La instrumentación es acústica y portátil: guitarra, banjo, maracas y una rumba box, una caja de madera con lengüetas metálicas que se pulsa sentado encima y hace de bajo.
Sus letras son cotidianas, satíricas y con frecuencia picantes, y se emparentan con el calipso de Trinidad hasta el punto de que la industria vendió muchos discos de mento etiquetados como calipso, que era lo que sonaba en el extranjero.
Por qué importa
Porque es el suelo jamaicano sobre el que cae, en los años cincuenta, la radio estadounidense. Cuando los músicos de Kingston empiezan a copiar el rhythm and blues de Nueva Orleans, lo hacen desde el mento, y esa mezcla es la que produce el ska.
Es también un recordatorio útil: los géneros que hoy conocemos suelen tener debajo otro que ya no se escucha, y sin el cual la mezcla siguiente no se explica.
Lugar: Jamaica · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Smithsonian Folkways Recordings · Encyclopædia Britannica
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El blues se enchufa en Chicago
Los migrantes del sur llevan el blues a la ciudad y le ponen guitarra eléctrica, bajo y batería para que se oiga en los bares. De ahí sale el sonido del rock. Música- Dónde
- Chicago, con la Gran Migración
- Quién
- Muddy Waters, Howlin' Wolf, Willie Dixon
- El sello
- Chess Records
- Qué cambia
- La guitarra se amplifica y distorsiona
Ronnie Baker Brooks, guitarrista de blues de Chicago.Bengt Nyman from Vaxholm, Sweden · CC BY 2.0 Qué pasó
Entre 1916 y 1970, seis millones de afroamericanos dejan el sur rural hacia las ciudades del norte. Chicago recibe a muchos, y con ellos llega el blues del Delta. En un bar ruidoso una guitarra acústica no se oye, así que se enchufa: Muddy Waters graba en 1948 con guitarra eléctrica y forma poco después una banda con armónica amplificada, bajo, piano y batería.
El sello Chess documenta casi todo aquello. Willie Dixon escribe buena parte del repertorio, Howlin' Wolf y Little Walter aportan sus sonidos, y el blues pasa de ser música de un hombre con una guitarra a ser música de grupo eléctrico.
Por qué importa
Porque ese formato —dos guitarras, bajo, batería y voz— es literalmente el de la banda de rock, y esos discos son los que un puñado de adolescentes británicos escucharían obsesivamente en los años sesenta. Los Rolling Stones se llamaron así por una canción de Muddy Waters.
Y porque la distorsión, que empezó siendo un defecto de amplificadores forzados, se convirtió aquí en un recurso expresivo. Medio siglo de música eléctrica sale de ese accidente.
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De dónde viene
- Blues1903Misma forma de doce compases, pero amplificada: la guitarra eléctrica permite tocar por encima del ruido de un bar y, de paso, distorsionar.
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Fuentes: Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana (Smithsonian) · Rock & Roll Hall of Fame
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Columbia saca el elepé y una cara dura veinte minutos
Un disco de vinilo a 33 revoluciones con surco fino: de los cuatro minutos del 78 se pasa a más de veinte por cara. La duración de la música deja de estar limitada. MúsicaEl 21 de junio de 1948, Columbia Records presentó en un hotel de Nueva York el disco de larga duración: treinta centímetros de diámetro, vinilo en lugar de la pasta de goma laca de los discos de pizarra, treinta y tres revoluciones y un tercio por minuto y un surco mucho más fino, que permitía apretar muchas más vueltas en la misma superficie. Cabían más de veinte minutos por cara frente a los cuatro escasos de un disco de setenta y ocho.
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- Cuándo
- 21 de junio de 1948
- Quién
- Columbia Records, Nueva York
- Qué cambia
- De 4 minutos por cara a más de 20
- La respuesta
- El sencillo de 45 rpm de RCA, en 1949
Un disco de vinilo de larga duración.Banfield · CC BY-SA 3.0 Lugar: Nueva York · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Fonógrafo1877Es el mismo surco de Edison llevado a su límite: vinilo en vez de laca, surco mucho más estrecho y menos vueltas por minuto. Lo que cambia no es el principio, es cuánto cabe.
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Fuentes: Biblioteca del Congreso, National Recording Registry · Encyclopaedia Britannica: LP
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Schaeffer hace música con el ruido de una locomotora
Un ingeniero de radio graba trenes, los corta, los pone del revés y los monta. La materia prima de la música deja de tener que salir de un instrumento. MúsicaEl 5 de octubre de 1948, la radio pública francesa emitió un programa titulado Concierto de ruidos. Lo había preparado Pierre Schaeffer, ingeniero de telecomunicaciones que dirigía un estudio experimental dentro de la propia emisora. La pieza más famosa de aquella emisión era un estudio hecho con grabaciones de locomotoras en una estación de París: arranques, silbatos, el traqueteo de las ruedas.
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- Cuándo
- 5 de octubre de 1948
- Quién
- Pierre Schaeffer, en la radio francesa
- La obra
- Concierto de ruidos, cinco estudios
- Por qué «concreta»
- Se parte del sonido real, no de una idea escrita
Un magnetófono de bobina abierta, la máquina con la que se cortaba y se pegaba el sonido.Unknown author Unknown author · CC0 Lugar: Estudios de la radio francesa, París · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Fonógrafo1877Cuando el sonido queda fijado en un soporte, se puede cortar, invertir, acelerar y superponer. La grabación deja de ser una copia de la música y pasa a ser el material con el que se compone.
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Fuentes: Instituto Nacional del Audiovisual, Francia (GRM) · Encyclopaedia Britannica: musique concrète
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Billboard inventa el nombre «rhythm and blues»
La revista Billboard cambia el nombre de su lista de «race records» por el de rhythm and blues. Bajo esa etiqueta cabe la música negra urbana y bailable de la posguerra. Música- Cuándo
- 1949, en la revista Billboard
- Cómo se llamaba antes
- «Race records»
- Quién propone el nombre
- El periodista Jerry Wexler
- Los sellos
- Atlantic, King, Chess
John Lee Hooker.Jean-Luc · CC BY-SA 2.0 Qué pasó
Hasta 1949 la industria discográfica estadounidense llamaba «race records» a los discos hechos por músicos negros para público negro. Ese año Billboard rebautiza su lista como «rhythm and blues», por iniciativa del periodista Jerry Wexler, y el nombre pasa a designar toda la música negra urbana y bailable de la posguerra.
Lo que hay debajo del nombre es una mezcla: la estructura del blues, el impulso del góspel, secciones de saxos heredadas del swing y una sección rítmica que empuja. Sellos como Atlantic y King lo convierten en un mercado sólido, con estrellas como Louis Jordan, Ruth Brown o Big Joe Turner.
Por qué importa
Porque es el tronco del que salen en pocos años el rock and roll y el soul, dos ramas que se separan sobre todo por a quién se le vende cada una.
Y porque el cambio de nombre no es un detalle: reconoce que aquello era un género con su propio público y su propia industria, y no una categoría racial. La etiqueta ha seguido moviéndose desde entonces, y hoy «R&B» designa una música bastante distinta de la de 1949.
Lugar: Nueva York, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Blues1903Le toma la forma y el vocabulario, pero le sube el tempo y le añade una sección rítmica pensada para bailar.
- Góspel1930De la iglesia salen la manera de cantar y los coros que responden al solista.
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Fuentes: Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana (Smithsonian) · Rock & Roll Hall of Fame
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Darmstadt ordena también las duraciones y los ataques
Si se puede ordenar en serie las doce notas, ¿por qué no las duraciones, las intensidades y la manera de atacar cada nota? Messiaen lo prueba y Boulez lo lleva al extremo. Música- Cuándo
- 1949
- Dónde
- Cursos de verano de Darmstadt
- La pieza
- Mode de valeurs et d'intensités, de Messiaen
- Quiénes siguieron
- Boulez, Stockhausen y Nono
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Olivier Messiaen, que escribió en Darmstadt la pieza que abrió el camino.Rob Croes for Anefo · CC0 Qué pasó
En los cursos de verano de Darmstadt, creados en 1946 en la Alemania ocupada para recuperar lo que el nazismo había prohibido, Olivier Messiaen escribió en 1949 una pieza para piano, Mode de valeurs et d'intensités, en la que cada nota lleva asociada de antemano una duración, una intensidad y un tipo de ataque fijos.
Sus alumnos llevaron la idea mucho más lejos. Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen y Luigi Nono construyeron obras en las que casi todo está predeterminado por operaciones sobre series. Durante los años cincuenta, Darmstadt fue el sitio donde se decidía qué era música contemporánea en Europa.
Por qué importa
Porque es el punto de máxima organización de la historia de la música: nunca antes se había intentado que absolutamente cada parámetro derivara de un cálculo previo.
Y porque produce la reacción. Del rechazo a este control total salen las dos alternativas de los años sesenta: la aleatoriedad, que deja decisiones al azar o al intérprete, y el minimalismo, que vuelve al pulso y a la tonalidad.
Lugar: Cursos de Darmstadt, Alemania · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Dodecafonismo1923Es la misma idea aplicada a todo lo demás: si la altura se puede someter a una serie, también la duración, el volumen y el modo de ataque. Lo que en Schoenberg era un parámetro pasa a ser el método entero.
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Fuentes: Instituto Internacional de Música de Darmstadt · Encyclopaedia Britannica: serialism
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Colonia fabrica el sonido en vez de grabarlo
En la radio de Colonia se monta un estudio donde el sonido se genera con osciladores, no se recoge con micrófono. Es el origen de la música electrónica. Música- Cuándo
- Estudio creado en 1951
- Dónde
- Radio del noroeste alemán, Colonia
- Quién lo dirige
- Herbert Eimert; después, Stockhausen
- Obra clave
- Gesang der Jünglinge, 1956
El estudio de música electrónica de la radio de Colonia.McNitefly · CC BY-SA 3.0 Qué pasó
En 1951 la radio del noroeste alemán, en Colonia, creó un estudio de música electrónica dirigido por Herbert Eimert. En octubre de ese año emitió el primer programa dedicado a música hecha enteramente con medios electrónicos. La herramienta era un generador de ondas sinusoidales: se grababa una frecuencia pura, luego otra encima, luego otra, hasta construir un timbre que no existía.
Karlheinz Stockhausen llegó enseguida y allí hizo Gesang der Jünglinge, de 1956, en la que mezcla la voz grabada de un niño con sonidos sintéticos hasta que no se sabe dónde acaba una y empiezan los otros. Con eso quedaba zanjada la pelea con París.
Por qué importa
Porque por primera vez el timbre es algo que se compone, y no algo que viene dado por el instrumento que se elige.
Y porque todo lo que hoy suena en un teclado o en un ordenador desciende de aquel armario de osciladores. Lo que faltaba era sacarlo del laboratorio, y eso pasó trece años después.
Lugar: Radio de Alemania Occidental, Colonia · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Serialismo1949Quien quiere controlar cada parámetro por separado no puede fiarse de un intérprete ni de un sonido grabado: necesita fabricar el sonido desde cero, senoidal a senoidal.
- Música concreta1948La técnica de cortar y montar cinta viene de París, aunque en Colonia insistieran en marcar distancias con los franceses.
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Relacionado
Fuentes: Fundación Karlheinz Stockhausen · Encyclopaedia Britannica: electronic music
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Cage no toca nada durante cuatro minutos y medio
Un pianista se sienta, abre la tapa y no toca. Lo que se oye es la sala, la lluvia y el público incómodo. La pregunta es qué cuenta como música y quién lo decide. MúsicaEl 29 de agosto de 1952, en una sala de conciertos de madera abierta al bosque en Woodstock, el pianista David Tudor estrenó una obra de John Cage. Se sentó, cerró la tapa del teclado para marcar el comienzo, la abrió y la cerró dos veces más para separar los tres movimientos, y pasó las páginas de una partitura sin una sola nota, cronómetro en mano. En total, cuatro minutos y treinta y tres segundos sin tocar. Parte del público se marchó indignado.
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- Cuándo
- 29 de agosto de 1952
- Quién la estrenó
- David Tudor, al piano
- Dónde
- Maverick Concert Hall, Woodstock
- Estructura
- Tres movimientos, sin una sola nota
John Cage.Rob Bogaerts for Anefo · CC0 Lugar: Maverick Concert Hall, Woodstock (Nueva York) · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Música concreta1948Si cualquier ruido grabado puede ser material musical, el ruido que hay en la sala también lo es. Cage se limita a quitar el intermediario: ni cinta, ni montaje, ni altavoz.
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Relacionado
Fuentes: John Cage Trust · MoMA, colección y programas de John Cage
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Nace el rock and roll
Un cantante blanco del sur graba en Memphis un blues con el fraseo del country. La industria descubre que puede vender música negra a los adolescentes blancos. MúsicaNo hay un primer disco de rock and roll en el que todo el mundo esté de acuerdo. Se citan «Rocket 88» (1951), grabado en Memphis con una guitarra distorsionada por un amplificador roto, y «Rock Around the Clock» (1954), que fue el que llegó al número uno. En julio de 1954 Elvis Presley graba en Sun Records «That's All Right», un blues de Arthur Crudup tocado con el ritmo del country.
Ver la ficha completa de «Nace el rock and roll» →
- Cuándo
- 1954, con antecedentes desde 1951
- Dónde
- Memphis, Sun Records
- Quién le pone nombre
- El locutor Alan Freed
- Discos citados
- «Rocket 88», «That's All Right», «Rock Around the Clock»
Fecha discutida entre historiadores.
Elvis Presley en la promoción de «Jailhouse Rock».Metro-Goldwyn-Mayer, Inc. Reproduction Number: LC-USZ6-2067 Location: NYWTS -- BIOG · Dominio público Lugar: Memphis, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Rhythm and blues1949Es de donde salen las canciones, el ritmo y buena parte del repertorio: muchos primeros éxitos del rock and roll son versiones de discos de R&B.
- Country1927Aporta el fraseo de la guitarra, el acento del sur rural y la voz: lo que hace que suene distinto del original es esa mitad.
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Fuentes: Rock & Roll Hall of Fame · Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana (Smithsonian)
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El primer Festival de Eurovisión
Siete países cantan en un teatro de Lugano en la primera emisión coordinada de las televisiones europeas. Ganó la anfitriona. MúsicaEl 24 de mayo de 1956, el teatro Kursaal de Lugano acogió el primer Gran Premio Eurovisión de la Canción. Participaron siete países con dos canciones cada uno: Suiza, Alemania, Bélgica, Francia, Italia, Luxemburgo y los Países Bajos. El Reino Unido, Austria y Dinamarca se quedaron fuera por no haber presentado su inscripción a tiempo. Había un solo presentador, una orquesta y un jurado de dos miembros por país que podía votar a su propia canción.
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- Fecha
- 24 de mayo de 1956
- Participantes
- Siete países con dos canciones cada uno
- Ganadora
- Lys Assia, por Suiza
ESC 1956 logoOriginal: European Broadcasting Union , Radiotelevisione svizzera di lingua italiana Vector: FreddysDead · Dominio público Lugar: Lugano, Suiza · Ver en OpenStreetMap
Fuentes: Unión Europea de Radiodifusión (UER) · Festival de la Canción de Eurovisión 1956 (Wikipedia)
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La bossa nova baja el volumen de la samba
João Gilberto graba «Chega de Saudade» con una guitarra sincopada y una voz casi hablada. La samba pierde percusión y gana armonías de jazz. Música- El disco
- «Chega de Saudade», 1958
- Quiénes
- João Gilberto, Jobim y Vinícius de Moraes
- Qué le quita a la samba
- Percusión, volumen y énfasis
- La canción
- «Garota de Ipanema», 1962
Tom Jobim, en 1965.Unknown Unknown · Dominio público Qué pasó
En 1958 João Gilberto graba «Chega de Saudade», compuesta por Antônio Carlos Jobim con letra de Vinícius de Moraes. Lo llamativo no es la canción sino cómo se toca: una guitarra que resume en un patrón sincopado lo que antes hacía toda una batería de percusión, y una voz que canta bajito, casi sin proyectar, muy cerca del micrófono.
El ambiente es el de la clase media de la zona sur de Río, con estudios universitarios y discos de jazz en casa. La bossa nova dura poco como movimiento —a mediados de los sesenta la política brasileña la desborda— pero sale al mundo con fuerza: «Garota de Ipanema» es una de las canciones más versionadas de la historia.
Por qué importa
Porque demuestra que quitar puede ser una innovación tan grande como añadir. La bossa nova es samba a la que se le ha restado volumen, percusión y énfasis, y ese silencio es su seña de identidad.
Y porque abrió un canal permanente entre Brasil y el jazz estadounidense que sigue abierto: el disco de Stan Getz y João Gilberto de 1964 vendió millones y metió la armonía brasileña en el vocabulario de cualquier músico de jazz.
Lugar: Río de Janeiro, Brasil · Ver en OpenStreetMap
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Fuentes: Encyclopædia Britannica · Smithsonian Folkways Recordings
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Jamaica se inventa el ska copiando la radio de Nueva Orleans
Los músicos de Kingston imitan el rhythm and blues que llega por la radio, acentúan el contratiempo y sale otra cosa. Jamaica se independiza el mismo año en que despega. Música- Dónde
- Kingston, Jamaica
- El truco
- El acento se va al contratiempo
- Los grupos
- The Skatalites, Studio One
- Contexto
- Independencia de Jamaica, 1962
Fecha aproximada: las fuentes dan un margen.
Madness, del renacer del ska en el Reino Unido.Miles Gehm from San Jose, USA · CC BY 2.0 Qué pasó
En los años cincuenta, las emisoras de Nueva Orleans y Miami se oían de noche en Jamaica, y el rhythm and blues estadounidense era lo que pinchaban los sound systems, los equipos móviles que ponían música en la calle. Cuando la moda cambió en Estados Unidos, los operadores jamaicanos se quedaron sin discos nuevos y empezaron a grabar los suyos.
Al tocarlo, los músicos de Kingston pusieron el énfasis donde no lo ponía el original: en el contratiempo, ese golpe de guitarra y piano entre pulso y pulso que define el ska. Studio One y los Skatalites fijan el sonido hacia 1963, un año después de la independencia de Jamaica, y el género se vuelve la banda sonora de un país nuevo.
Por qué importa
Porque es el primer eslabón de una cadena jamaicana —ska, rocksteady, reggae, dub, dancehall— que acabará influyendo en el punk británico, en el hip hop y en el reguetón. Una isla de tres millones de habitantes exportando cinco géneros en cuarenta años no tiene demasiados precedentes.
Y porque el sound system, el equipo con el que se pinchaba en la calle, es el antecesor directo de la cultura del DJ: alguien seleccionando discos ajenos para un público, con un maestro de ceremonias hablando encima.
Lugar: Kingston, Jamaica · Ver en OpenStreetMap
De dónde viene
- Mento1945Es la base local: la instrumentación, el fraseo y la manera de contar de los músicos jamaicanos vienen de ahí.
- Rhythm and blues1949Llegaba de noche por la radio de Nueva Orleans y era lo que el público pedía; al intentar tocarlo, los músicos de Kingston desplazaron el acento al contratiempo y el resultado ya no era R&B.
Qué salió de aquí
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Relacionado
Fuentes: Encyclopædia Britannica · Smithsonian Folkways Recordings
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El día que murió la música
Una avioneta se estrella en un campo de Iowa de madrugada y mueren tres de los músicos que estaban inventando el rock and roll. MúsicaEn la madrugada del 3 de febrero de 1959, una avioneta se estrelló poco después de despegar de Clear Lake, en Iowa, en plena tormenta de nieve. Murieron el piloto y los tres músicos que viajaban en ella: Buddy Holly, Ritchie Valens y J. P. Richardson, conocido como The Big Bopper.
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- Fecha
- 3 de febrero de 1959
- Quiénes
- Buddy Holly, Ritchie Valens y J. P. Richardson
- Dónde
- Un campo cerca de Clear Lake, Iowa
HollyMonumentDennis Fernkes - Edina, Minnesota, USA · Dominio público Lugar: Clear Lake, Iowa, Estados Unidos · Ver en OpenStreetMap
Relacionado
Fuentes: Rock & Roll Hall of Fame · El día que murió la música (Wikipedia)
Una forma musical no nace un martes por la tarde. Las fechas que se dan aquí son la del momento en que se puede documentar que aquello ya existía y tenía nombre —una grabación, una sesión, un tratado, un estreno, un disco— y no la de un acta de nacimiento que no existe. Cuando la fecha es discutida, la ficha lo dice. Y en la parte antigua conviene leer los años con la mano abierta: entre las flautas de hueso y la primera melodía escrita hay treinta y seis mil años de los que no queda ni una nota.
Cómo leer esta línea
Esta línea del tiempo se lee distinta de las demás. En el resto de Cronoteca lo que importa es cuándo pasó algo; aquí importa además de qué salió. Casi nada en música se inventa de cero: alguien coge lo que ya suena, le cambia una cosa —el tempo, el acento del compás, un instrumento nuevo, un aparato que acaba de aparecer— y al cabo de unos años eso tiene nombre propio.
Por eso cada ficha dice de dónde viene y por qué. No «el rock and roll viene del rhythm and blues» a secas, sino qué se le cambió: se le puso el ritmo de la guitarra del country encima y se vendió a un público adolescente blanco que hasta entonces no compraba esos discos. Y no «la sinfonía viene de la ópera», sino que la pieza en tres tiempos que se tocaba para que el público se callara antes de que subiera el telón se empezó a programar sola, fuera del teatro. Ese porqué es lo que convierte una lista de nombres en una historia que se entiende.
Están juntas las dos músicas que se suelen contar por separado. La culta europea —el canto llano, el organum, la ópera, la sinfonía, el dodecafonismo— y la popular del último siglo y medio —el blues, el jazz, el rock, el reggae, el hip hop— no son dos historias: son ramas del mismo árbol que se cruzan más de lo que parece. El sintetizador que Colonia construyó para el serialismo acabó en Detroit; el disco de larga duración inventado para que cupiera una sinfonía es lo que hizo posible el álbum de rock. Están también, porque hacían falta, algunas tradiciones de fuera de Europa: el raga, el gamelán, el maqam, la ópera de Pekín.
Preguntas frecuentes
¿Cuál es la música más antigua que se conoce?
Depende de qué se cuente. El instrumento más antiguo son las flautas de hueso de buitre y de marfil de mamut halladas en el Jura de Suabia, de hace unos cuarenta mil años; pero de la música que se tocó con ellas no queda nada. La melodía escrita más antigua es un himno hurrita de Ugarit, de hacia el 1400 a.C., y su lectura se sigue discutiendo. Y la composición completa más antigua que se puede cantar hoy sin dudas es el epitafio de Sícilo, de los siglos I o II d.C.
¿Por qué están juntos la música clásica y el reguetón?
Porque comparten árbol y porque separarlos oculta las conexiones. El bajo continuo de 1600 —una melodía arriba y acordes debajo— es la manera de pensar la música con la que se escribe hoy una canción pop. El sintetizador que se desarrolló para la vanguardia académica alemana es el instrumento del techno. El elepé que Columbia sacó para que cupiera una sinfonía es lo que convirtió el rock en música de álbumes. Contadas por separado, esas tres cosas parecen coincidencias.
¿De dónde viene toda la música popular moderna?
De un puñado de raíces que se cruzan una y otra vez. La más importante es la música afroamericana del sur de Estados Unidos —los cantos de trabajo, el góspel y el blues—, de la que salen el jazz, el rhythm and blues, el rock, el soul, el funk y, por ahí, casi todo lo demás. En paralelo están el Caribe, con el son cubano y el mento jamaicano, y Brasil, con la samba, que producen sus propias ramas y luego se mezclan con las anteriores. Casi ningún género tiene un solo padre.
¿Qué inventó Europa que no hiciera nadie más?
Apilar voces independientes. Hacia el año 900, en los monasterios del norte, se empieza a añadir al canto llano una segunda voz con su propio recorrido, y de ahí salen el contrapunto, la armonía y, al final, los acordes con los que se hace cualquier canción actual. Casi todas las demás tradiciones del mundo pusieron su complejidad en otro sitio: en la línea melódica y en el ritmo. El raga indio y el maqam árabe son sistemas melódicos mucho más finos que el europeo; lo que no hacen es superponer.
¿Una forma musical puede tener más de un origen?
Casi siempre lo tiene. El rock and roll sale del rhythm and blues y del country a la vez; la salsa, del son cubano y del jazz; la sinfonía, de la obertura de la ópera y del concierto italiano; el «Preludio a la siesta de un fauno» de Debussy, de Wagner y de un gamelán javanés oído en una exposición. En esta línea cada ficha puede apuntar a varios orígenes, y el diagrama de arriba dibuja todas las flechas, no solo la principal.
¿Falta mi música favorita?
Seguramente. Están las formas y los géneros más escuchados y los que hacían falta para explicar a los demás, y la lista se irá ampliando. Faltan a posta los subgéneros muy finos —hay más de veinte etiquetas distintas solo dentro del metal— porque el objetivo es que se vea el árbol, y un árbol con mil ramas no se ve. Y faltan tradiciones enormes que merecen su propio recorrido: la música andina, la de África central, la del sudeste asiático.
El mundo en ese momento
Gira el globo y mira cómo cambian las fronteras. Los países marcados son los que aparecen en los sucesos que tienes a la vista.
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